Frutta abbandonata su una tavola, fiori in un vaso, bottiglie stappate. Oggetti semplici, quasi scontati nella vita di tutti i giorni, ma che l’arte ha osservato con ossessione per secoli ed ha tramutato in simboli: abbondanza, lusso, desiderio e decadenza. Nelle case romane il cibo dipinto sulle pareti non era soltanto decorazione, ma promessa di abbondanza, la traccia di un benessere che si voleva fissare nel tempo. Era già, in qualche modo, un tentativo di trasformare il quotidiano in qualcosa che resistesse alla sua stessa fine. Con l’arrivo del Barocco la natura morta non si limita più a suggerire: insiste, mostra, mette in scena. Nelle opere di Caravaggio una canestra di frutta racconta della decadenza, di una bellezza che inevitabilmente si deteriora. Le foglie accartocciate, i piccoli difetti della buccia, la maturazione imperfetta diventano dettagli drammatici.

Ma ogni epoca rilegge il soggetto secondo la propria sensibilità. E così, se nel Barocco gli oggetti quotidiani erano spettacolo visivo ed emotivo, secoli dopo Giorgio Morandi svuota questa tradizione di ogni teatralità. Le sue bottiglie, le scatole, i vasi polverosi sembrano immobili, sospesi in un silenzio quasi metafisico. L’artista non cerca l’abbondanza né il virtuosismo: cerca l’essenza. Gli oggetti smettono di essere semplici cose e diventano presenze. Da questa ricerca silenziosa e introspettiva si arriva gradualmente all’arte contemporanea, che passa dal rappresentare del cibo, a rendere il cibo stesso un’opera. Quando Maurizio Cattelan attacca una banana al muro con del nastro adesivo, il gesto sembra ironico, provocatorio, quasi assurdo. Eppure Comedian – diventata virale durante Art Basel Miami – dialoga perfettamente con la storia della natura morta. La banana è il simbolo contemporaneo della deperibilità, del consumo rapido, dell’ossessione per l’immagine. Un frutto che esiste per poco tempo, destinato inevitabilmente a marcire. Proprio come l’uva di Caravaggio o i fiori delle vanitas seicentesche.

La differenza è che oggi il processo passa anche attraverso la cultura pop, i social media e il mercato globale dell’arte. La banana di Cattelan è stata fotografata, condivisa, “memeificata”. È diventata un oggetto mediatico prima ancora che artistico. Forse è proprio da questo desiderio che la natura morta scivola e si inserisce naturalmente nel mondo della moda. Perché gli stessi elementi che per secoli sono stati dipinti sulle tele oggi vengono trasformati in status simbol, oggetti di un lusso spesso inaccessibile. Negli ultimi anni sempre più brand hanno trasformato alimenti in accessori esclusivi: Loewe ha realizzato una clutch a forma di pomodoro, mentre  Moschino, con il suo linguaggio ironico e teatrale, ha creato una borsa fatta di mele confezionate, provviste addirittura di un’etichetta che recita “Data di scadenza: quando decidi tu” e “Importo: fuori budget”. Due affermazioni sarcastiche che ci risvegliano dall’illusione e ci riportano nella realtà: una mela vera marcisce dopo pochi giorni; una in pelle artigianale è eterna.

E in un momento storico in cui il costo del cibo aumenta vertiginosamente, vederlo trasformarsi in accessorio rende tutto ancora più paradossale. In fondo però, nei dipinti fiamminghi erano i limoni esotici, le aragoste e i bicchieri preziosi a raccontare il privilegio di una classe sociale. Oggi sono le passerelle e gli accessori a fare lo stesso. Cambiano i linguaggi e le epoche, ma la stessa ossessione per gli oggetti e ciò che rappresentano rimane.

Le testimonianze raccolte non resteranno anonime nella loro funzione simbolica, ma diventeranno parte integrante dell’opera: sarà lo stesso Cattelan ad ascoltarle, selezionandone alcune per interagire direttamente con i partecipanti, fino a coinvolgerli in un appuntamento in streaming fissato per il 23 aprile. “Il confessionale culminerà in un evento trasmesso in diretta streaming al termine del periodo di tre settimane, durante il quale Maurizio ascolterà le confessioni in pubblico, offrendo non solo il perdono, ma anche la possibilità di un miracolo”, si legge sul comunicato del progetto.

Se poi l’artista padovano nel 1999, con La Nona Ora, aveva incrinato l’autorità del sacro mostrando Giovanni Paolo II colpito da un meteorite nello spazio solenne della Royal Academy, oggi sceglie un registro apparentemente più discreto, ma altrettanto destabilizzante. Proprio in occasione del 21esimo anniversario della morte di Papa Wojtyla il dissacrante lavoro – esposto attualmente al MAXXI di Roma nell’esposizione Tragicomica. Prospettive sull’arte italiana dal secondo Novecento a oggi – sarà protagonista di un esperimento artistico di cui sicuramente sentiremo parlare: anche in futuro: infatti, tramite Avant Arte, Cattelan ha lanciato un’edizione limitata in miniatura in resina dipinta a mano, per un totale di, manco a dirlo, 666 esemplari. Il prezzo delle statuette, che misurano 12,5×30 cm, è di 2.200 euro e la possibilità di acquistare l’opera sarà attribuita con un sorteggio che terminerà sempre il 23 aprile.

Rosa Martinez, curatrice e direttrice artistica dell’edizione 2026 e nel 2005 prima donna a curare la Biennale d’Arte di Venezia, ha definito Untitled – nome dell’opera realizzata – “un dono” per Malta, evocando il profondo radicamento della tradizione cattolica sull’isola, costellata di chiese e cappelle. L’opera apre inevitabilmente una riflessione su autorialità e gerarchie culturali, temi centrali nella ricerca di Cattelan. Attraverso l’ambiguità, si innesca uno slittamento continuo di significato, ridefinendo di volta in volta il rapporto tra chi crea, ciò che viene creato e chi osserva.

Reinterpretata in chiave contemporanea, la Cappella assume i contorni di un giudizio che si sposta dal piano religioso a quello culturale, coinvolgendo tanto il sistema dell’arte quanto i meccanismi attraverso cui la storia viene costruita, trasmessa e spettacolarizzata. La miniaturizzazione riduce l’aura dell’originale, lo rende accessibile e al tempo stesso ne altera profondamente il peso simbolico, trasformandolo in un oggetto ambiguo, sospeso tra reverenza e distanza.

La Cappella Sistina miniaturizzata è stata presentata per la prima volta nel 2018 allo Yuz Museum di Shanghai, in occasione della Shanghai Fashion Week. L’opera era inserita in una mostra dedicata al tema della riproduzione come pratica creativa, dal titolo evocativo The artist is present, concepita insieme ad Alessandro Michele, allora direttore creativo di Gucci.

Il progetto riunisce le opere di Gloria Friedmann, Birgit Jürgenssen, Christodoulos Panayiotou e Lawrence Weiner, che accompagnano il visitatore lungo un percorso dettato dall’ascolto e dallo sguardo. I lavori condividono una stessa tensione: l’arte come modo di vivere il mondo e capace di rivelare le presenze invisibili. Le sculture di Friedmann, poste sotto la cupola, mettono in scena un universo popolato da forme animali e naturali, riflettendo sulla fragilità degli esseri viventi e sul rapporto tra uomini ed ecosistema. Le fotografie di Birgit Jürgenssen, esposte lungo le scale, utilizzano il corpo come strumento critico, smascherando ruoli imposti e stereotipi di genere attraverso ironia, metamorfosi e inquietudine.

L’installazione sonora JUDY GARLAND: A BIOGRAPHY di Christodoulos Panayiotou riecheggia nello spazio tra le due cupole. L’opera, che sovrappone la prima e l’ultima interpretazione di Over the Rainbow di Judy Garland, trasforma una delle canzoni più iconiche del Ventesimo secolo in un archivio emotivo e politico. Lawrence Weiner affida al linguaggio il compito di attivare lo spazio e l’esperienza del tempo: AT THE SAME MOMENT genera una perturbazione che mette in discussione il modo in cui percepiamo ciò che accade “qui” e “ora”. L’opera fa riferimento a un momento preciso, aprendo al contempo la possibilità di una simultaneità estesa, vissuta in modo diverso da ogni passante.

Come sottolineano Cattelan e Parisi: «Allestire una mostra oggi significa accettare che essa debordi, si sposti, riemerga altrove». POUR TOUJOURS racconta proprio questa dinamica: un’arte in movimento, capace di circolare, trasformarsi e durare nel tempo.

Saranno quindi 27 i padiglioni complessivi: otto nazionali – Malta, Polonia, Armenia, Spagna, Cina, Serbia, Finlandia e Francia -, e diciassette tematici, tra cui compaiono collaborazioni con realtà internazionali come Gwangju Biennale e la Çanakkale Biennial Initiative. Sarà presente anche un padiglione curato dalla Correctional Services Agency, l’ente pubblico nazionale che gestisce i sistemi penitenziari, che esporrà dei lavori realizzati dai residenti, ampliando il coro di voci e la portata culturale dell’esposizione. Sono inoltre stati rivelati gli artisti che rappresenteranno il Padiglione Malta, curato da Katya Micallef. Gli artisti selezionati Vince Briffa e Pierre Portelli, saranno affiancati da Victor Agius, Roderick Camilleri e Gulja Holland, tutti e tre scelti attraverso un’open call pubblica.

Maurizio Cattelan è sicuramente una delle figure più controverse e celebri nel panorama contemporaneo. Grazie alle sue opere ironiche e provocatorie si è subito distinto come una delle voci più incisive del nostro tempo. Nonostante l’annuncio della sua partecipazione, non si sa ancora niente riguardo al progetto che esporrà alla biennale, ma è già stato comunicato che lavorerà insieme ad altri sette collaboratori, i cui nomi non sono stati per ora resi noti.

L’installazione, rimasta segreta fino all’ultimo, è parte della mostra diffusa Seasons, che inaugura ufficialmente il 7 giugno 2025 e rimarrà visibile fino al 26 ottobre 2025. L’opera innesca così un corto circuito visivo e simbolico in uno dei luoghi più emblematici della città introducendo un confronto tra memoria storica e presente.

L’intervento di Cattelan alla Rotonda dei Mille

La figura infantile che si erge sulle spalle del monumento dedicato a Giuseppe Garibaldi è il fulcro dell’opera One, installazione che l’artista ha voluto collocare proprio nella cosiddetta “Città dei Mille”. Il riferimento alla spedizione garibaldina è evidente, così come lo è la frattura generata dal titolo stesso. Se Bergamo è associata all’impresa collettiva dei Mille volontari, One sembra concentrare l’attenzione su una singolarità: un individuo isolato, forse emblema di una nuova unità o di una generazione che guarda con ironia – o disincanto – ai simboli del passato.
Realizzato originariamente alla fine dell’Ottocento dagli scultori Cesare e Alberto Maironi da Ponte, il monumento bronzeo a Garibaldi si carica ora di nuovi significati. La posa del bambino solleva interrogativi profondi: è una scena familiare o un atto dissacrante? Un’eredità rispettosa o una critica? L’opera diventa così monumento e anti-monumento.

Il significato simbolico dell’opera “One”

Il bambino installato sulla statua non è soltanto un elemento di disturbo visivo, ma un veicolo di riflessione. Il suo gesto di una pistola immaginaria mimata con la mano rimanda a molteplici letture. È un’azione infantile che richiama il gioco, ma anche una potenziale affermazione di forza, resistenza o dissenso. In questo doppio registro, l’opera apre una riflessione sulla trasmissione generazionale e sull’interpretazione della storia.

“One” può essere letto come un interrogativo rivolto alle nuove generazioni: quali responsabilità si assumono di fronte al patrimonio simbolico ereditato? La figura di Garibaldi (patriota, stratega e icona controversa) viene così ricontestualizzata, privata della sua immobilità celebrativa per diventare punto di partenza di un dialogo aperto. Attraverso questo lavoro, Cattelan invita a ripensare l’unità nazionale non più come adesione compatta a un’ideologia condivisa, ma come spazio di coesistenza fra differenze, memorie critiche e nuove visioni.

La mostra diffusa “Seasons”

L’installazione One è solo una delle tappe di Seasons, il progetto espositivo diffuso che porta Maurizio Cattelan in più sedi della città. Alla Gamec, cuore dell’evento, sono ospitate le opere Empire e No; nell’Ex Oratorio di San Lupo si trova la scultura Bones; a Palazzo della Ragione, in Piazza Vecchia, è esposta November. Il progetto è promosso dalla Gamec con la direzione di Lorenzo Giusti e rappresenta un momento significativo per Bergamo che ambisce a consolidare il suo ruolo di riferimento nel panorama artistico contemporaneo internazionale.

La segretezza con cui è stata preparata One ha accresciuto la curiosità e l’impatto dell’intervento pubblico. Sui social sono circolate già dal mattino del 6 giugno numerose immagini del bambino sulla statua con molti che, a un primo sguardo, lo hanno scambiato per una presenza reale.
Dopo il recente successo della presenza di Marina Abramović a Gres Art 671, questa nuova iniziativa conferma il dinamismo culturale di una città proiettata verso il futuro (anche grazie alla nuova sede della Gamec, attesa nel 2026 nell’ex Palazzetto dello sport).

Una mostra “vitaminica”

CHROMOTHERAPIA racconta la fotografia a colori in senso terapeutico e lo fa attraverso la sua storia, mostrata con lo sguardo di 19 artisti. L’itinerario espositivo, articolato in sette sezioni, trasporta infatti in mondi vibranti e saturi in cui il colore colpisce la retina e mette in gioco l’intelletto. Prendendo le mosse dall’inizio dell’era della fotografia a colori, la mostra attraversa la sperimentazione cromatica del XX secolo e le sue forme, nelle quali il colore trascende il semplice strumento per diventare elemento narrativo essenziale.

Passando dalla Pop Art al kitsch, dal Surrealismo al neobarocco, la rassegna curata da Maurizio Cattelan e Sam Stourdzé raccoglie le opere sperimentali di Erwin Blumenfeld, Harold Edgerton e Yevonde Middleton, mentre i lavori di Walter Chandoha e William Wegman sono dedicati al mondo animale. Presenti in mostra anche Guy Bourdin, Hiro, Adrienne Raquel, Miles Aldridge, Juno Calypso e Alex Prager. Dedicato uno spazio anche al surrealismo fotografico con le immagini di Arnold Odermatt e Sandy Skoglund, mentre a raccontare l’ironia del cibo sono gli scatti di Martin Parr. Presenti nel percorso espositivo anche numerosi ritratti, scattati da Hassan Hajjaj, Ouka Leele, Pierre et Gilles e Ruth Ossai. In ogni sezione è anche presente il magazine ideato da Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari. La mostra sarà accompagnata da un volume pubblicato da Damiani Books e Villa Medici.

info: villamedici.it

David Galperin, responsabile per l’arte contemporanea di Sotheby’s ha commentato che si tratta «dell’opera provocatoria di un genio allo stato puro che metterà alla prova se stessa andando all’asta: sarà il pubblico ad avere voce in capitolo su quanto veramente vale». «Se -ha continuato Galperin– il senso profondo di Comedian è stimolare una riflessione circa la nozione stessa di valore dell’arte, allora la messa all’asta dell’opera questo novembre sarà la realizzazione definitiva della sua idea concettuale essenziale». Ricordiamo che, solamente lo scorso anno, Cattelan è riuscito ad ottenere dalla magistratura della Florida il riconoscimento della totale proprietà intellettuale sulla banana battendo un altro artista, Joe Morford, che sosteneva di aver avuto l’idea per primo e gli aveva fatto causa per violazione di copyright.

“Comedian”, arte o semplice provocazione?

Secondo alcuni correnti critiche del contemporaneo, Comedian si porrebbe come opera riflessiva sul comportamento umano e sociale: lo scopo è quello di presentare a tutto il mondo come una semplice banana da trenta centesimi di dollaro possa cambiare completamente significato e valore se le viene cambiato il contesto che la circonda.

Molti critici idealizzano invece la banana come contrasto fra l’elemento naturale che col tempo va a decomporsi e con l’elemento artificiale umano che dura nei millenni. La scelta del frutto invece risiede nel fatto che Cattelan attraverso la sua arte sensibilizzi su tematiche importanti come la globalizzazione e il libero commercio; altri invece ritengono che sia un’allusione all’organo maschile che, appiccicata al muro fa intendere la fine, la deposizione del maschilismo.

Si tratta pur sempre di una comunissima banana attaccata ad una parete tramite del semplice nastro adesivo: e allora qual è il significato dell’opera? “The banana” ha spesso provocatoriamente affermato l’artista padovano “is supposed to be a banana”. Dunque? Assolutamente nulla.

«Da sempre a casa mia organizzo tornei di burraco tra amici e il numero dei partecipanti è cresciuto di volta in volta tanto che, ahimè, casa mia non bastava più a ospitare tutti gli appassionati, e da qui nasce l’idea della Burraco Society», ha raccontato Paride Vitale. «Quando l’arbitro dà il via al gioco – ha continuato – inizia la competizione tra le varie coppie, ma il bello è che ogni sfida rimane sempre un momento divertente e conviviale tra amici dove coltivare nuove relazioni e nuove idee». Il progetto, nato proprio durante una partita online a burraco tra Vitale e Cattelan nel periodo del lockdown, conta tra i suoi giocatori ricorrenti Geppy Cucciari, Carlo Cracco, Nina Zilli e tanti altri.

«Siamo molto felici di rappresentare i tornei di Burraco Society come partner ufficiale», ha affermato Elisa Stevanato, Responsabile Marketing & Communication di Dal Negro. «Per noi è sicuramente una sfida – ha proseguito – tenere alto il valore di un gioco che solo di recente sta raggiungendo sempre più appassionati di ogni età. È proprio nei tornei di Vitale e Cattelan che abbiamo colto il valore della convivialità e della sana competizione che caratterizza tutti i giochi di carte, in cui noi crediamo da 95 anni ormai».

Immersi in atmosfere posh dalla luce soffusa, in media solo 40 degli aspiranti campioni iscritti alle liste d’attesa possono trovare posto ai tavoli della Burraco Society. Per entrare a farne parte è bene provare di essere davvero abili nel gioco, pena la squalifica se per due partite di seguito ci si trova classificati tra gli ultimi cinque posti. Il vincitore della serata, oltre al riconoscimento, riceverà anche un set portacarte della storica boutique di pelletteria e cartoleria Pineider abbinato al mazzo di carte da gioco in edizione limitata e non in vendita di Dal Negro, entrata in gioco nel progetto anche grazie alla partnership con Ginger Media.

Le rassegne, che hanno inaugurato lo stesso giorno, presentano due opere molto simili tra loro. In entrambi i casi, i lavori consistono in lastre di metallo lucido inossidabile, placcato in oro da Cattelan e a specchio da James, bucato da fori di proiettile. Ma, a differenza dell’artista padovano, James porta avanti questo tipo di linguaggio da circa un decennio. Ragione per cui Cattelan dovrà rispondere del processo creativo di Sunday, l’opera “incriminata” che dà il titolo alla mostra da Gagosian.

“Qui le somiglianze riguardano praticamente tutte le scelte prese sia nella creazione sia nella fabbricazione dell’opera”, scrive Scott Allan Burroughs dello studio legale Doniger Burroughs nella lettera recapitata all’artista. Da qui, la replica che il curatore della mostra Francesco Bonami ha rilasciato ad Artnet News: “Cattelan non sapeva del lavoro di James. Non l’ha mai visto e non hanno lo stesso significato. Una crocifissione è una croce con un tipo inchiodato. E lo fanno dal III secolo fino a oggi. Nessuno si è lamentato di qualcuno che copiava qualcun altro. È ridicolo dire, ‘ho fatto questo prima degli altri'”.

Non è la prima volta che Cattelan viene accusato di plagio. I precedenti riguardano il caso celebre della banana fissata con nastro adesivo, per cui l’artista era stato chiamato in giudizio da Joe Morford per la somiglianza con il suo lavoro, e i modelli di cera di Daniel Druet, che secondo l’artista francese erano stati oggetto di plagio per 9 delle opere più note di Cattelan. In entrambi i casi era stato assolto.

Per la vicenda di Gagosian, però, potrebbero esserci degli sviluppi diversi. Innanzitutto, è poco probabile che Cattelan non conoscesse l’opera di James, che ha esposto la sua serie tra New York e Milano, entrambe città in cui l’artista vive e lavora. In più, la questione non si limita a una semplice somiglianza: la nuova opera di Cattelan avrebbe danneggiato il mercato di James, creando confusione su un linguaggio espressivo che lo identifica e, di conseguenza, dando luogo a una disparità di quotazioni. I pannelli di Cattelan valgono infatti 375mila dollari l’uno, mentre quelli di James 40mila.