Collocato in un luogo tradizionalmente popolare, Cubo Garutti prende posto in un’area strategica nel processo di italianizzazione della città. Il quartiere Don Bosco, vicino alla zona industriale, si caratterizzava infatti per le sue “semirurali”, casette multifamiliari di aspetto rurale a due piani e con piccolo orto annesso, costruite dalla fine degli anni Trenta. Nelle varie fasi del secolo scorso le abitazioni vennero poi distrutte, lasciando il posto a nuovi edifici progettati a partire dal confronto degli architetti con il tema dell’edilizia popolare.

«Che cos’è l’abitare popolare?», si chiede Frida Carazzato, curatrice scientifica di Museion e della mostra al Cubo Garutti, realizzata in collaborazione con il Mart di Rovereto. Una tema, questo, che Museion ormai da anni affronta, con la scelta di estendersi nella periferia con una sede a misura dei passanti, ma che a Bolzano è indagato in modo diffuso. La stessa curatrice di Poetry in the box ha ricordato l’attività di Bolzanism Museum, che raccoglie e racconta le architetture popolari di Bolzano Ovest e le persone che la abitano.

Al Piccolo Museion transitano opere di vario tipo, da installazioni site-specific a esemplari della collezione del museo che, a rotazione, approdano nel cuore del quartiere Don Bosco. Poetry in the box, co-curata con Duccio Dogheria, curatore e ricercatore dell’Archivio del ‘900 del Mart, racconta il legame ventennale tra le due istituzioni. Mart e Museion condividono infatti la raccolta dell’Archivio di Nuova Scrittura, donata nel 2020 da Paolo Della Grazia. Figura emblematica dell’Archivio, Ugo Carrega, che la mostra al Cubo Garutti vuole omaggiare.

Come suggerisce il titolo, l’esposizione ruota attorno al concetto della scatola. A volte come opera d’arte in sé, a volte contenitore di altri lavori, l’oggetto è stato centrale nell’opera di Carrega. Da qui, la «mostra portatile», come l’ha definita la curatrice, ora in esposizione al Cubo. In più, la mostra rende omaggio alla storia del Mercato del Sale, artist-run space milanese di cui Carrega è stato curatore e direttore e che tra il 1974 e il 1989 ha portato nei suoi ambienti numerosi artisti legati alla poesia visiva.

Anche al Piccolo Museion, dunque, continua il filone di ricerca verbo-visuale che l’istituzione persegue, come ha ricordato la Presidente di Museion Marion Piffer Damiani all’inaugurazione di RENAISSANCE, mostra transdisciplinare di giovani artisti che rielaborano l’eredità culturale, e di The Weight of the Concrete, che raccoglie l’eredità di Ezio Gribaudo. Su questa scia, l’esposizione presenta gli esiti della “Nuova Scrittura” di Carrega, un incontro tra parola e materia, e della rete di relazioni costruite nella vicenda del Mercato del Sale, ma anche l’esperienza archivistica dell’artista, che tra il 1971 e il 1973 ha organizzato un proprio archivio in 62 scatole bianche.

Da qui, la mostra si presenta con un display ispirato alle scatole originali di Ugo Carrega. Realizzate da Claudia Polizzi, le scatole del Cubo Garutti sono utilizzate come moduli espositivi e mostrano il contenuto originale, che a sua volta si relaziona con le riviste-scatola prodotte dal Carrega stesso, ma anche con le opere di altri artisti con cui questi ha lavorato al tempo del Mercato del Sale.

In un diffuso ripensamento dei rapporti tra centro e periferia, il Cubo Garutti allora prende le forme di un catalizzatore di queste riflessioni, stimolando un nuovo tipo di fruizione dell’arte con un pubblico meno tradizionale. In più, Poetry in the box approda al Piccolo Museion celebrando due circostanze: non solo i vent’anni dell’opera (2003), ma anche i cinquant’anni del Mercato del Sale.

info: museion.it

«Le due mostre sono esemplari per Museion, un’istituzione strettamente legata al suo territorio, ma che al contempo pensa e agisce in una prospettiva e in un network globale», ha dichiarato Marion Piffer Damiani, la presidente della Fondazione, dando il via alla conferenza stampa d’inaugurazione. «Le due mostre riuniscono un gruppo non convenzionale di generazioni in un’unica esperienza per i visitatori», ha invece affermato Bart van der Heide, il direttore del museo. «Credo che sia molto potente – ha aggiunto – quando i musei creano un legame tra le esposizioni. Per me, da storico dell’arte, è anche tra le righe che l’umanità prende forma, perciò ritengo che il fattore immersivo nelle mostre o nei musei sia un elemento capace di creare una narrativa». «Nel 2024 – ha concluso il direttore – Museion vuole continuare a essere uno spazio attivo per l’immaginazione e per raccontare storie».

Ricevere un’eredità: Museion racconta Ezio Gribaudo

«La mostra The Weight of the Concrete si ricollega a un filone programmatico per Museion, che indaga le ricerche verbo-visuali, un nucleo ricco all’interno della nostra collezione», ha spiegato Marion Piffer Damiani all’inaugurazione. Curata da Tom Engels e Lilou Vidal in collaborazione con Leonie Radine, The Weight of the Concrete è infatti un omaggio all’opera multidisciplinare di Gribaudo, un percorso tra linguaggio e immagine che prende le mosse dalla poetica della materia. Da qui il titolo della rassegna, che si ispira al celebre Il Peso del Concreto (1968), in cui i primi lavori grafici dell’artista si accostano a un’antologia di poesia concreta a cura del poeta Adriano Spatola.

L’esposizione dedicata a Ezio Gribaudo restituisce la poliedricità della sua figura, raccontandola attraverso i suoi Logogrifi in una scenografia realizzata da Davide Stucchi. Pure con le opere bianco su bianco, le installazioni a led di Stucchi danno risalto ai lavori di Gribaudo con un gioco di luci e ombre. Accanto alla serie dei Logogrifi, simili a rompicapo che prevedono la formazione di nuove parole cambiando la lettera iniziale, la mostra include una sezione di materiali della vita e della carriera dell’artista. Perciò, ai fini della mostra è stata determinante la collaborazione con l’Archivio Gribaudo, presieduto dalla figlia Paola, pure intervenuta alla conferenza stampa.

«In tutta la mostra – ha spiegato il curatore – ricorre un rapporto profondo tra ciò che significa “esibire” e ciò che significa “pubblicare”, ma anche l’indagine sulla differenza tra ciò che è leggibile e ciò che è astrazione». «Gribaudo – ha continuato – è sempre stato in cerca di un nuovo linguaggio. Uno scopo, questo, in cui risiede il potere dell’arte, e cioè sviluppare nuovi modi di leggere e di percepire».

‘RENAISSANCE’, un’istantanea dei linguaggi del contemporaneo

Rovesciando la prospettiva verso l’eredità culturale, RENAISSANCE raccoglie negli spazi di Museion le pratiche rigenerative contemporanee. Selezionati dalla curatrice Leonie Radine, gli artisti che approdano a Bolzano – tutti originari del territorio compreso tra Alto Adige e Milano – si confrontano con norme e immaginari dando vita a nuovi processi rigenerativi transdisciplinari. Offrendo uno scorcio delle tendenze espressive di oggi, la mostra rappresenta la base per l’assegnazione di una delle più alte borse di studio per l’arte emergente in Europa, conferita dalla Fondazione Vordemberge-Gildewart. In collaborazione con un’istituzione espositiva europea – Museion per il 2024 -, la Fondazione destina 60.000 franchi svizzeri a un artista di massimo 35 anni della regione selezionata. A beneficiarne sarà quindi uno degli artisti di RENAISSANCE.

Tra installazioni e pittura, fotografia e performance, scultura, disegno e video, i lavori in mostra dialogano con le norme estetiche e sociali, decostruendole a favore di un’identità culturale fluida. «Di fronte alla rovina del presente, tra le attuali situazioni geopolitiche e le crisi ecologiche, c’è una nuova generazione che concepisce il tempo in modo più circolare», ha premesso la curatrice. «Molto di RENAISSANCE – ha aggiunto – sta nel conferire un nuovo significato al passato e nel cogliere quelle nuove tendenze dell’arte contemporanea che riciclano oggetti e immagini, idee e pratiche con un approccio critico e sostenibile».

Arricchito dalla scenografia progettata dallo studio di design milanese (ab)Normal, il percorso della mostra riunisce negli spazi di Museion opere che esprimono in chiave contemporanea i concetti da cui sono stati ispirati quei passaggi della storia dell’arte, dal Rinascimento all’Arte Povera, caratterizzati da un approccio rigenerativo ai linguaggi visivi. Così Isabella Costabile, che crea le sue sculture assemblando oggetti e materiali con i segni del tempo, Davide Stucchi con le sue composizioni visive costruite con l’intreccio di calzini, o la scultura sospesa della vincitrice della borsa conferita dalla Fondazione Vordemberge-Gildewart, Monia Ben Hamouda, che cospargendo il pavimento di spezie, aggiunge una dimensione olfattiva alla fruizione dell’opera.

La mostra, che procede per ambienti immersivi, conta diversi interventi video, come nel caso del film di Magdalena Mitterhofer e del contributo in proiezione nell’ambiente di Raphael Pohl, oltre al cortometraggio realizzato da Luca Piscopo, presentato con una selezione di fotografie dal sapore neorealista. A scegliere la fotografia, anche Jim C. Nedd, che realizza un autoritratto in cui il suo volto non è visibile.

Accanto al lavoro di Filippo Contatore e all’opera di Sophie Lazari, RENAISSANCE include contributi di artisti che hanno rielaborato concetti e norme culturali di più ampio respiro, come i dipinti di Giorgia Garzilli, che restituiscono scorci di un immaginario hollywoodiano, o gli interventi di Lorenza Longhi e Costanza Candeloro, in collisione con gli ideali di bellezza contemporanei.

Nel confronto con i fantasmi del passato, in alcune opere la rielaborazione dell’identità passa attraverso una relazione con il territorio. Così accade nell’installazione di Tobias Tavella – inclusa anche nella Biennale Gherdeina -, che restituisce l’interazione tra ambiente e città propria di Bolzano, in un assemblaggio di materiali con cui i visitatori possono interagire. Il lavoro di Binta Diaw è invece l’esito di un’azione partecipativa: realizzato dall’artista con un gruppo di donne dal background migratorio residenti in Alto Adige, l’enorme patchwork in esposizione riattiva, attraverso il cucito, gli elementi aurorali dell’espressione artistica femminile. Complici della rievocazione, le voci che provengono dall’opera.

Pure con minore evidenza, parte dell’opera di AliPaloma, che apre la mostra, rielabora criticamente un certo spazio. E lo fa con una boa in vetro, realizzata a seguito di una performance nel Forte di Fortezza, in provincia di Bolzano, dove l’artista aveva installato un muro dello stesso materiale per contrastare l’invulnerabilità del Forte, poi distrutto e fuso. Da questa azione, l’opera che Museion espone in apertura di RENAISSANCE.

Tra interdisciplinarietà e rielaborazioni culturali, RENAISSANCE e The Weight of the Concrete rimarranno aperte al pubblico fino al 1 settembre 2024.

info: museion.it

Classe 1974 e 1982, Cippitelli e Frangi hanno un lungo curriculum alle spalle. La prima, già co-direttrice di Arthub tra le altre esperienze curatoriali, rivolge la propria ricerca verso l’educazione radicale, la site-specificity, la cultura DIY e il collettivismo, con uno sguardo particolare alle epistemologie del Sud globale. Il secondo, che agli inizi si è più rivolto verso la ricerca, avendo conseguito un Dottorato in Filosofia – Estetica e Teoria dell’Arte, oltre a un Perfezionamento Filosofico in Teoria della Società, è co-direttore – tra i vari progetti – di Live Works – Free School of Performance presso Centrale Fies.

Rispetto all’incarico conquistato dal duo, la direttrice Marina Oberprantacher ha commentato che nel complesso «il livello delle candidature è risultato estremamente alto. Siamo stati impressionati dalla capacità di Cippitelli e Frangi di affrontare con una profonda compressione, sia dal punto di vista estetico che intellettuale, tematiche sociali e politiche di grande rilevanza. Il loro approccio curatoriale non è mai casuale, ma si basa su una ricerca approfondita e un impegno accurato nei confronti del mondo artistico e sociale, con una particolare attenzione per la mediazione».

«La loro stretta collaborazione con gli artisti e l’attenzione particolare rivolta all’accompagnamento curatoriale della produzione offre a Kunst Meran Merano Arte l’opportunità di approfondire la comprensione della creazione artistica, condividerla e discuterla con il pubblico. Mi propongo personalmente di favorire una maggiore interconnessione tra produzione, esposizione e mediazione dell’arte, eliminando la percezione di separazione tra esse», ha aggiunto la direttrice.

La scelta della commissione esaminatrice nella direzione di Cippitelli e Frangi arriva dunque dalla presentazione di un programma articolato e preciso. L’invenzione dell’Europa. Una narrativa tricontinentale è il titolo del progetto proposto a Merano Arte e prevede una riflessione sull’idea monolitica di Europa e sulla sua narrazione essenzialista, oltre alla sua costruzione ideologica e le sue interazioni coloniali con i “tre spazi continentali” in genere identificati nel Sud globale, vale a dire Africa, America – detta Abya Yala dai movimenti a sostegno dei popoli indigeni – e Asia.

«Siamo interessati a lavorare in maniera concreta, in funzione dello spazio espositivo fisico, inteso come luogo abitabile ovvero a partire dalla sua posizionalità temporale, geografica e sociale. Come in tutte le nostre esperienze progettuali, vorremmo interrogare il territorio, localizzare direttrici di intervento e trovare le forme con cui far risuonare idee e ricerche con i pubblici, che non sono mai un’entità astratta ed omogenea, ma piuttosto diverse comunità di individui con aspettative, necessità, curiosità, capacità e preconcetti», hanno dichiarato Cippitelli e Frangi.

E il duo conclude affermando che «l’obiettivo della nostra progettualità per Kunst Meran Merano Arte è comporre un network di artisti (scalabile a livello locale, nazionale e internazionale) capace di incarnare un approccio transmediale e in grado di articolare linguaggio audiovisivo, sonico, performativo e installativo a sostegno di riflessioni etiche».

Tra i grandi pionieri dell’Arte Concettuale, Lamelas ha esercitato una grande influenza nel campo dell’arte internazionale grazie alle sue installazioni multimediali e ai suoi film innovativi. Sin dal suo esordio negli anni Sessanta, le sue creazioni hanno esplorato il legame tra arte e vita quotidiana, nonché concetti come identità, storia e memoria. Il suo lavoro, che spazia dalla fotografia alle installazioni, dai film alla performance, utilizza spesso una struttura narrativa non lineare, svelando il suo particolare interesse nei confronti del rapporto tra passato e presente e ai modi in cui la storia viene costruita e ricordata.

In occasione della mostra, l’artista instaura un dialogo muto con alcune delle opere in collezione con le quali condivide una profonda matrice concettuale. Il titolo stesso è una dichiarazione consapevolmente autoironica con cui Lamelas sfida il formato tradizionale di una retrospettiva, senza mai abbandonare il pubblico come elemento integrativo delle sue opere. Il contesto espositivo viene così vissuto come un luogo di incontro tra prospettive e stati d’animo diversi, dove la distanza tra l’esperienza del visitatore e dell’artista viene modulata attraverso l’incontro con le opere. Di conseguenza, l’arte di Lamelas invade letteralmente gli spazi della Fondazione, stabilendo contrappunti tra opere aperte che in qualche modo parlano la stessa lingua. «Questo dialogo si prolunga nel tempo in una continua mise en abyme di opere che in qualche modo si congelano in uno spazio ipotetico e filosofico, mentre vengono allo stesso tempo reinterpretate dalla percezione soggettiva dello spettatore», afferma la curatrice Eva Brioschi.
Il concetto di spazio e tempo si articola in uno scambio continuo tra il tempo dell’artista, il tempo della storia dell’arte con la quale le sue opere si relazionano e il tempo presente incarnato dello spettatore vagante tra le sale della Fondazione.

La prima opera in mostra Effecto Pantalla (1968) racchiude dentro sé questa articolazione tra spazio e tempo: due proiettori di diapositive vuoti emanano luce in due direzioni opposte, la prima verso l’interno proiettando sulla parete un quadrato bianco e la seconda verso lo spazio dello spettatore, illuminando la sua presenza nello spazio. L’assenza di immagini svuota il raggio luminoso dalla sua funzionalità originaria diventando un oggetto fisico a sé stante. Da una parte si presenta lo spazio-tempo dello schermo e dall’altra quello della platea. Se come afferma il curatore Andrea Viliani, per un artista lo spazio e il tempo relativo è quello delle mostre, in questo caso siamo noi spettatori a diventare il tempo e lo spazio di David Lamelas. Il tema della relatività ritorna nella seconda opera in mostra Gente di Milano (1970), un breve film con telecamera fissa che riprende i passanti di un quotidiano contesto urbano. Contemporaneamente l’artista scatta dallo stesso punto undici fotografie in bianco e nero cogliendo le azioni dei soggetti fotografati e testimoniando la sua presenza in quanto osservatore. 

Il dialogo tra Lamelas e le opere collezione continua con Segnalamento (2004), venti lastre di marmo disposte a cerchio sul pavimento, al cui interno si innalza il lavoro di Luciano Fabro Impronta (1964), una lastra di vetro quasi invisibile se non per alcuni segni sulla superficie che corrispondono al corpo dell’artista stesso. Il lavoro di Lamelas diventa lo strumento di segnalazione dell’esistenza dell’invisibile lavoro di Fabro racchiuso al suo interno. Durante la visita in mostra, l’artista si muove giocosamente all’interno di questo cerchio facendo scoppiare l’allarme e ricordando ai visitatori di prestare attenzione anche a ciò che non si vede. Intorno ai due cerchi si vedono opere di altri quattro artisti dell’Arte Povera, Giovanni Anselmo (Documentazione d’interferenza umana nella gravitazione universale, 1969-1971) Alighiero Boetti (Immagine somiglianza, 1975), Giulio Paolini (La Doublure, 1972-1973) ed Emilio Prini [Conferma partecipazione all’esposizione (nato vecchio), 1970] che diventano spazi multipli di esistenze che si incontrano e condividono uno stesso tempo.

Al primo piano il lavoro di Lamelas si inserisce all’interno della storia dell’arte con diligenza esplorando la relazione tra lo spazio fisico e lo spazio psicologico tra le sue opere e quelle degli artisti a lui vicini come Lucio Fontana, Piero Manzoni, Sol LeWitt, On Kawara, Franco Vaccari, Blinky Palermo, Bernd Lohaus, Douglas Huebler e Robert Barry. L’approccio decostruttivo di David Lamelas manda in frantumi le logiche narrative tradizionali e accoglie la possibilità dell’imprevisto. In particolare, l’installazione Office of Information about the Vietnam War at Three Levels: The Visual Image, Text and riflette la natura paradossale della comunicazione in una società sempre più connessa e alienata allo stesso tempo. L’opera originale, presentata alla Biennale di Venezia del 1968, e riscostruita grazie alle fotografie di Ugo Mulas che hanno documentato la performance, presentava un ufficio arredato con mobili Olivetti e chiuso da una parete di plexiglass. A intervalli, una donna si sedeva nell’ufficio e leggeva ad alta voce le trasmissioni in diretta sulla guerra del Vietnam, ricevute attraverso un telex dall’agenzia di stampa italiana ANSA. Quando la donna era assente, i visitatori potevano ascoltare le registrazioni dei servizi in diverse lingue.
La versione dell’installazione è stata ricostruita al MoMA di New York con arredi d’epoca, dispositivi elettronici e notiziari dell’epoca. Attraverso la giustapposizione di notizie in tempo reale sulle atrocità della guerra in un ambiente sterile e burocratico, Lamelas evidenzia il potenziale di sovrasaturazione delle informazioni e la diminuzione del loro impatto. «Sono passati cinquantacinque anni, eppure, ci ritroviamo nella stessa situazione. Allora era il Vietnam, oggi è una guerra più vicina. Per questo l’abbiamo voluta nuda perché oggi è giusto presentarla così», afferma l’artista.

Per questa occasione e forse in segno di speranza, l’opera è infatti presentata senza lastra di vetro di separazione e senza, dunque, la parete che simboleggia l’impossibilità di comunicazione. Manipolando lo spazio fisico, Lamelas è riuscito a creare un senso di movimento e un’atmosfera di instabilità temporale. Lo spazio diventa così lo strumento per esplorare il rapporto tra il processo creativo e il mondo dell’arte. Non trovandosi né in centri né in periferie ed essendo a casa in spazi multipli e sincroni, il suo lavoro cattura una qualità sfuggente del tempo.

Aperta al pubblico a partire dal 6 maggio e ospitata da Museion, il museo di arte contemporanea di Bolzano, Me, We è la prima grande personale dell’artista giapponese in Europa e comprende una selezione di opere multimediali realizzate dagli anni Novanta a oggi che spaziano dalla performance, alla fotografia, al video, alla scultura, all’installazione. L’arte di Shimabuku e il suo processo creativo appaiono come tracce di momenti di stupore e idee improvvise di cui le opere sono le testimonianze. Come in una canzone d’amore in cui l’esperienza del singolo si universalizza nel toccare gli animi di molti, i lavori di Shimabuku invitano lo spettatore ad avvicinarsi, scoprire la loro storia e lasciarsi andare, senza pretese, alla gioiosa contemplazione di piccoli e speciali attimi di esistenza.  

Come descrizione perfetta di una relazione, il titolo della mostra Me, We si rifà alla poesia più breve al mondo enunciata dal famoso pugile Muhammad Alì durante una conferenza all’Università di Harvard nel 1975. In una liberazione da ogni forma di egocentrismo, la singolarità dell’Io si estende verso la pluralità del Noi, evocando il passaggio dall’essere individuo a favore di un essere collettivo. Il concetto di coppia come possibilità di unione è in questa mostra il filo conduttore del lavoro di Shimabuku. Elementi apparentemente lontani come un caco e un pomodoro, vengono così avvicinati tra loro e nel confondersi, svelano la profonda e affettuosa vicinanza che li lega. Il dualismo degli opposti viene dunque trasceso a favore del loro incontro. Nel ritagliarsi con autoironia lo spazio per stare al mondo come meglio desidera, Shimabuku si immerge con agio nell’assurdità delle sue azioni poetiche. Lo spettatore si ricorda quasi spontaneamente dell’assurdità universale dell’esperienza umana, in quanto rilegata a una condizione esistenziale (de)finita, al di là di ogni differenza storica, sociale e culturale. 

Dai piccoli e surreali momenti di vita dell’artista, emerge dunque il ritratto di un’umanità sempre più bisognosa di ritrovare legami e affinità con l’ambiente che lo circonda. «Viviamo in un momento storico in cui l’interazione tra l’uomo e l’ecologia è al centro del dibatto pubblico. Tuttavia, lo stesso dibatto sta diventando sempre più apocalittico. Il lavoro di Shimabuku ci ricorda che l’umanità non è il parametro standard attraverso il quale il mondo può essere misurato. Al contrario, promuove una consapevolezza che va oltre l’antropocentrismo e ogni moralismo attraverso la generosità, l’affettività e l’humor», commenta il presidente di Museion Bart van der Heide. Vediamo infatti Shimabuku avvicinarsi agli animali con la stessa attitudine con cui si relazionerebbe idealmente con gli esseri umani. Lo vediamo progettare mostre per babuini, creare opere d’arte per polipi, portarne uno a spasso per la città di Kyoto per poi liberarlo sano e salvarlo in mare. Lo vediamo fluttuare in aria sotto forma di aquilone e cadere a picco in un esilarante cortocircuito psicologico. Assorto e solitario, lo vediamo ora seduto su una panchina sopra un’onda in riva al mare e ora mentre si occupa dell’indimenticabile viaggio di un cetriolo.

Il talento dell’artista giapponese sta nell’entrare all’interno di queste esperienze umane senza retorica, peso o drammaticità. Al contrario, un senso di leggerezza pervade lo spazio espositivo che elude la superficialità del linguaggio e che «toglie i macigni che abbiamo sul cuore», come scrive Italo Calvino a proposito della leggerezza. Ritrovarsi davanti a un’opera di Shimabuku somiglia infatti a leggere un racconto di Calvino. Ne Gli amori difficili, ogni storia è dedicata a un piccolo momento di esistenza umana che racconta quello che almeno una volta, e con un po’ di malinconia, tutti noi abbiamo provato. Amiamo questi personaggi perché li sentiamo vicini e perché sappiamo di quanto a volte sia complicato stare al mondo. D’altronde, in una contemporaneità sempre più sopraffatta dal dramma della pesantezza e da parole svuotate di significato, Shimabuku ci ricorda che la vita è anche prendersi meno sul serio ed esplorare ciò che c’è attorno a noi, percepire l’aria che respiriamo e renderci conto che è la stessa per tutti. Sperimentare il suo lavoro è come tornare bambini e vivere lontani dalla faticosa dominazione dalla logica e dall’inquietudine di un futuro sempre meno luminoso. La leggerezza è vivere le cose con ironia e condividerle con chi ne coglie la profondità. La leggerezza ci avvicina e ci porta a uscire dall’indifferenza per accorgerci della sottile e silenziosa presenta dell’altro.

Dalla prima sala si intuisce il tono con cui l’artista tratta tematiche esistenziali con Flying Me (2006) il video di un aquilone lui somigliante che fluttua nel cielo in un’alternanza di cadute a picco e riprese leggere. Ironicamente, è lo stesso artista a tenere l’aquilone che con aria divertita raccoglie e mostra alla cinepresa. L’identità umana si assottiglia e si innalza all’imprendibilità del vento, pur sempre mantenendo un legame con la terra, incarnato dal corpo stesso dell’artista. 
Sotto forma di fotografie e racconti, la seconda sala raccoglie tra le prime testimonianze pubbliche delle performance di Shima. Vediamo un giovane Shima radersi un sopracciglio su un treno mentre è in viaggio in Europa. Il pensiero accanto al quadro si sofferma sull’effetto che questo nuovo aspetto avrebbe avuto nelle persone per capire si potesse rompere la parete invisibile tra l’io e il noi. «Feci amicizia con molte persone che mi chiedevano: “Perché hai un sopracciglio solo?” e poi mi invitavano a cena. La mia vita cominciò a cambiare per il fatto di avere un sopracciglio solo. L’arte dovrebbe avere la forza di cambiare la vita. […] Dopo aver visitato undici paesi e quando il sopracciglio ricrebbe, l’opera di concluse», scrive Shimabuku in un’intervista con Haeue Yang. 

Nella minima, semplice e scarna essenzialità delle esperienze dell’artista prendono vita momenti speciali in cui «non c’è più confine tra sentimento e concetto. Tutto diventa immediato», afferma Yang. Si vedono pesci volare alti nel cielo blu in Quando il cielo era mare (2002) e Shimabuku solo e pensoso con i piedi in aria mentre siede su una panchina in riva al mare in Seduto sull’onda (1998). Il grande formato delle fotografie e la delicatezza delle immagini e dei colori tenui dei quadretti narrativi che accompagnano ogni opera trasmettono un senso di tranquillità e rilassatezza. Su una grande parete Natale nell’emisfero australe (1994) una gigantografia raffigura l’artista vestito da Babbo Natale in piena primavera con in mano due sacchi pieni di spazzatura. Nell’immaginario dell’artista, la sua figura sarebbe rimasta sospesa nella mente dei passeggeri di un treno di passaggio lì vicino e sarebbe stato per lui meraviglioso se qualcuno proveniente dall’America Latina o dall’Australia avesse ricordato il proprio caldo Natale. 

Il terzo spazio in mostra è invece dedicato ai polpi che da anni affascinano l’artista. In una messa in discussione del netto confine tra animali ed esseri umani, Shimabuku porta l’attenzione ai desideri e l’individualità delle creature, offrendo loro doni e mostrandosi a essi solidale. Otto poster stampati su carta intitolati Con il Polpo (1990 – 2010) raccontano riflessioni e storie di polpi, mostre in frigorifero, incontri ed esperimenti fantastici. I titoli delle opere in questa sezione parlano per sé: Sassi per polpi (2010), Sculture per polpi: esplorando i loro colori preferiti (2019); Catturare un polpo con vasi di ceramica autoprodotti (2003); Poi ho deciso di far fare un tour di Tokyo al polpo di Akashi (2000). Attraverso lo spostamento del punto di vista da umano a non umano l’ambiente animale si trasforma nella possibilità di capire meglio da dove veniamo e il punto di vista attraverso il quale giudichiamo il mondo. Non a caso nella sala seguente vediamo le fotografie e un video di una delle prime mostre di Shima realizzata esclusivamente per delle scimmie. Nel 1972 ottanta macachi giapponesi furono infatti trasferiti in una riserva nel pieno deserto del Texas e adattandosi bene al nuovo ambiente, crearono altre generazioni dopo di loro. Curioso di sapere se queste scimmie conservassero il ricordo della neve, Shimabuku portò una grande quantità di ghiaccio nella loro dimora e creò un cumulo chiamato “Montagna di Neve”. Seppur non lo avessero visto per generazioni le scimmie reagirono con spontaneità al ghiaccio, evidenziando come la memoria possa esistere anche a livello cellulare. 

In Shimabuku’s Fish & Chips (2006) osserviamo un pesce avvicinarsi a una patata lanciata in mare e poeticamente si svela la giocosa capacità dell’uomo di instaurare nuove e inaspettate relazioni. Da sempre appassionato di musica, nel video Going to Noto with Takehisa Kosugi, Shimabuku cattura le innovative performance del celebre pioniere della musica elettronica. Mentre Takehisa Kosugi cammina lungo un sentiero isolato vicino a una cascata, utilizza un fischietto, una ciotola di metallo e uno strumento elettronico in una borsa che altera la sua tonalità in risposta alla luce del sole per creare un suono unico. Il viaggio, come abbiamo visto è un tema ricorrente nel lavoro di Shimabuku proprio perché parte integrante della sua identità nomadica. Cucumber Journey (200-2014) ne è un esempio geniale. Partito da Londra con cetriolini e altre verdure fresche, l’artista si occupa di trasmutare i cetriolini attraverso un processo di conservazione uno “slow food”, per un viaggio lento nel quale la fermentazione trasforma i cetriolini in pickles sotto aceto. Video, fotografie, disegni documentano questo viaggio esilarante. 

Il percorso di mostra continua con una selezione di opere squisitamente surreali. Da una parte incontriamo degli elastici poggiati su un cerchio bianco per terra e una scritta sul muro che recita “Sentitevi liberi di prendere un elastico nuovo dalla scatola di far passare il vostro corpo attraverso esso”. Dall’altra una scatola di cartone con guanti di lavoro appoggiati sopra che inizia a parlare e a raccontare di quanto sia bello essere una scatola perché ti permette di viaggiare e contenere tante cose. E ancora, un sassolino sotto la scarpa in Compagno, una Fotografia che (letteralmente) indossa stivali da pioggia. In Affilando un MacBook Air vediamo invece l’artista utilizzare il computer come fosse un’ascia con cui riesce con a tagliare una mela in due perfette parti uguali. Ne I più antichi e più nuovi utensili degli esseri umani (2015) strumenti di pietra vengono accostati a iPhone e iPad evidenziando come la funzionalità al servizio dell’uomo di entrambi rimanga invariata nonostante la differenza dei materiali, sfidando così la dialettica tra il vecchio e il nuovo. 

Il piano superiore di Museion propone oggetti in coppia che svelano le complesse dinamiche che li uniscono. Caco e Pomodoro (2008), Gatti e Corvi (2010), Luna e Patata (2023) sono alcuni tra gli elementi che gentilmente si accordano per il semplice fatto di co-esistere nel tempo e nello spazio e ovviamente per essere stati selezionati con cura da Shima. Nel lavoro Letto e Pace (2023) si vedono due silhouette di terra distese su un letto bianco. Ispirata alla performance di John Lennon e Yoko Ono a Bed-In (1969), Shimabuku riporta l’attenzione sul bisogno fondamentale di pace tra l’uomo e la terra, portatrice di una memoria e spazio di crescita potenziale. L’opera viene infatti annaffiata quotidianamente e forse un giorno si vedranno i segni della vita che cresce al suo interno.

L’ultima sezione della mostra comprende l’installazione Io, noi in cui Shimabuku affianca materiali di scarto provenienti da due edifici di Bolzano: il Mauracher Hof, un antico complesso risalente al XIII secolo e luogo di incontro per molti viaggiatori, e l’Ex-Montecatini, Sinigo una grande fabbrica costruita negli anni Venti del Novecento legata alla storia dell’italianizzazione della zona. Shimabuku prende elementi da entrambi i luoghi come parti di muri, bottiglie, porte, cancelli e li giustappone verticalmente uno accanto all’altro. I due edifici e le loro infinite memorie si incontrano così per la prima volta e rivivono nell’ampia sala di Museion.

Immergersi nel mondo di Shimabuku significa quindi lasciarsi andare all’imprevedibilità dell’esperienza umana, che oggi più che mai ha bisogno di ritrovarsi nella semplicità degli accordi tra ciò che lega piuttosto che tra ciò che separa. Conservo dentro di me una bella esperienza di autenticità, di rispetto, di ispirazione e di quanto sia importante scegliere come voler stare al mondo. La vita, in fondo, non è altro che un insieme di momenti fugaci e mutevoli che chiede di essere scoperta nella sua semplicità. Non resta che capire dove dirigere il nostro sguardo per mettere in atto la nostra, piccola, azione poetica. Per questo ringrazio sinceramente Shimabuku per averci reso parte del suo mondo.

L’esito della mostra organizzata negli anni ’70 non è così positivo a breve termine: la scarsa attenzione dedicata al progetto lo portano ad appassire velocemente, senza concedergli il riverbero meritato. La dimensione femminile nel settore artistico deve ancora essere riconosciuta e la scarsità di spazio dedicato alle artiste all’epoca è solo uno dei tanti sintomi della cultura patriarcale che Mirella Bentivoglio si impegna a combattere con ogni suo mezzo: il primo degli obiettivi a cui mirare è l’alfabeto, strumento potente quanto sottovalutato, nel quale si riconosce il motore primario dell’esercizio del potere, gestito e regolato appunto da una società per lo più al maschile. 

La Materializzazione del linguaggio è un titolo che introduce parallelamente due tematiche:  la prima, più evidente, legata alla volontà di dare corpo alla forma verbale attraverso ricerche differenti, e la seconda, suggerita dal prefisso Mater, sinonimo di donna in quest’accezione, e quindi elemento fondante dell’identità del progetto stesso. 

Quell’esposizione segna un punto di svolta per la storia dell’arte al femminile in Occidente, in Europa. L’artista Mirella Bentivoglio raccoglie attorno a se più di 90 artiste internazionali, attive in ambiti differenti, dalla poesia fino alle arti visive, per dare struttura a un movimento che fino a quel momento non aveva mai avuto modo di riconoscere le sue potenzialità. «Concepita come il racconto del rapporto fra la donna e il linguaggio» spiegano i curatori, «la mostra comprende una molteplicità di materiali eterogenei e di pratiche individuali e collettive che, nel loro insieme, materializzano un linguaggio inteso e praticato come una modalità di comunicazione non condizionata e trasgressiva». 

Rifiutando il linguaggio patriarcale, opere visuali e testuali, volumi di poesia e prosa, libri d’artista e ricami, performance dal vivo e video, disegni e grafiche, appunti e scarabocchi, fogli e carte si articolano nella mostra del 1978 come espressione poetica, immagine di un’autorappresentazione collettiva, tracce di memoria individuali, corpi in azione. 

Un censimento: una minuziosa e appassionante raccolta delle più interessanti visioni artistiche del ‘900 che per la prima volta hanno l’occasione di avere il giusto rilievo in un mondo fallocentrico come è quello della cultura e delle arti fino alla seconda metà del vecchio secolo. L’esposizione ricostruita oggi nella Fondazione Bolzanina rappresenta un unicum che con l’accurato lavoro di archivio e reperimento dei materiali portato avanti dagli organizzatori ha adesso l’occasione di acquisire nuova linfa, dialogando anche con il contesto storico odierno. Come spiega Andrea Viliani: «Tra le finalità di questo lavoro c’è quella del superamento delle istanze storiche, conducendo le voci di ieri a dialogare con le peculiarità del contemporaneo. Visionarie come non mai sono state queste donne, le cui voci, ancora oggi, continuano a vibrare»

Ri-Materializzazione del Linguaggio. 1978-2022 rappresenta il primo capitolo di un progetto di ricerca di lungo termine, condotto dai curatori per indagare esistenza e consistenza dei Musei di carta, ovvero per esplorare l’interconnessione fra l’identità dell’istituzione museale e quella dell’archivio.

Info: fondazioneantoniodallenogare.com

Ri-materializzazione del linguaggio 1978-2022
a cura di Andrea Viliani e Cristiana Perella con Vittoria Pavesi
Fondazione Antonio dalle Nogare – Rafensteiner Weg 19, Bolzano
2 ottobre 2022 – 3 giugno 2023
Artiste in mostra: Annalisa Alloatti, Mirella Bentivoglio, Cathy Berberian, Tomaso Binga, Irma Blank, Blanca Calparsoro, Françoise Canal, Paula Claire, Rochella Cooper, Betty Danon, Sonia Delaunay, Agnes Denes, Chiara Diamantini, Neide Dias de Sà, Lia Drei, Anna Esposito, Amelia Etlinger, Sylvie Fauconnier, Maria Ferrero Gussago, Mona Fillières, Gisela Frankenberg, Luisa Gardini, Ilse Garnier, Rimma Gerlovina, Natalia Goncharova, Pat Grimshaw, Bohumila Grögerová, Shasha Guiga, Elisabetta Gut, Micheline Hachette, Ana Hatherly, Annalies Klophaus, Janina Kraupe, Christina Kubisch, Ketty La Rocca, Katalin Ladik, Maria Lai, Liliana Landi, Sveva Lanza, Paola Levi Montalcini, Laura Marcheschi, Lucia Marcucci, Benedetta Marinetti, Silvia Mejía, Gisella Meo, Aurèlia Muñoz, Giulia Niccolai, Anna Oberto, Anésia Pacheco Chaves, Anna Paci, Anna Paparatti, Jacqueline Phanelleux, Jennifer Pike, Marguerite Pinney, Betty Radin, Regina, Olga Rozanova, Giovanna Sandri, Anne Sauser- Hall, Evelina Schatz, Mira Schendel, Greta Schödl, Eleanor Schott, Berty Skuber, Mary Ellen Solt, Marlise Staehelin, Varvara Fyodorovna Stepanova, Wendy Stone, Chima Sunada, Jacqueline Tarkieltaub, Salette Tavares, Biljana Tomic, Jean Trevor, Janie Van Den Driessche, Carla Vasio, Tatiana Vladimirova Vechorka, Patrizia Vicinelli, Florence Villers, Simona Weller, Francine Widmer, e alcune pratiche artistiche e di ricerca anonime.

L’interazione tra l’essere umano e le nuove tecnologie fa da fondale in questa inedita ricerca che si esprime attraverso ventaglio di sguardi differenti: le esperienze personali degli artisti convocati per l’occasione danno corpo ad un’esposizione pronta ad attivare riflessioni riguardo i vari sistemi di welfare e incentivi commerciali che possono essere determinanti dall’ambito sanitario. La mostra presenta inoltre differenti modalità di contestazione delle definizioni consuete di buona salute. In quest’epoca di pandemia, di ansia sociale in continuo aumento e incremento dei costi sanitari, di intensificazione del controllo sulle informazioni mediche e di una  sempre più diffusa precarietà nel settore creativo, possiamo ancora dire di essere veramente sani? 

Lo stravolgimento di ogni settore del mondo contemporaneo a seguito della recente epidemia ha alzato il livello di attenzione su temi ancora troppo poco dibattuti: risulta evidente ormai come salute mentale e fisica siano due parametri profondamente intersecati in una dimensione sociale sempre più schiacciata da ansie prodotte dalla necessità di performare ad altissimi livelli, diventando macchine produttive poco interessate della propria interiorità. È sotto gli occhi di ogni o di noi il forte disequilibrio economico che si manifesta nelle modalità in cui il singolo individuo ha la possibilità di provvedere alle proprie cure. Da questi presupposti quindi si muove un ragionamento che si espande verso la salute degli ecosistemi in cui trascorriamo le nostre esistenze: un’ambiente insalubre è fonte di malessere, l’inquinamento rende irrespirabile l’aria che respiriamo e l’acqua che beviamo, determinando un continuativo degradamento delle condizioni di vita della collettività. 

L’esposizione si apre con l’installazione dei Brother Sick, i fratelli newyorkesi Ezra e Noah Benus, che mettono sotto gli occhi degli spettatori le disuguaglianze emerse nel momento dell’esigenza della somministrazione del Vaccino contro il virus Covid 19. Elementi provenienti da strutture ospedaliere, frammenti di scritture ebraiche e storie di persecuzione si mescolano in un grido di disperazione e d’aiuto, mostrando che nell’assistenza sanitaria si incrociano classe, razza e genere e spesso sono profondamente penalizzati coloro che provengono da ambienti a basso reddito.

Alzando lo sguardo ci si scontra con la serie di arazzi realizzati dall’artista americana Erin M. Riley che da forma alla sua ossessione per le dipendenze da medicinali mescolando immagini reperite sul web e fotografie personali. Questa segue l’installazione di Ingrid Hora che consiste in una collezione di un considerevole numero di impronte di argilla rossa. Queste impronte sono il ritratto simbolico dell’impegno collettivo che caratterizza il mondo del volontariato, dei professionisti e delle professioniste (medici, personale infermieristico, ricercatori e ricercatrici, personale amministrativo) che costituiscono il mondo della cura, della ricerca e della prevenzione nel territorio.

L’esposizione continua con Lynn Hershman Leeson che apre il primo squarcio sulla dicotomia salute-ambiente: il lavoro presentato da Museion viene stato sviluppato in collaborazione con il Wyss Institute for Biologically Inspired Engineering dell’Università Harvard per indagare il problema dell’inquinamento idrico. Basato sulle immagini della serie Water Women, iniziata dall’artista nel 1975 per studiare i concetti di evaporazione e trascendenza, l’installazione fa uso di due tecnologie nuove: l’AquaPulse, un filtro per l’acqua che uccide i batteri e degrada la plastica con l’elettricità, e il sistema Evolution, che utilizza batteri intelligenti per dissolvere e digerire la plastica. La luminosità dei pannelli riflette i livelli di degradazione della plastica e di eliminazione degli agenti patogeni. 

La ricchezza di The Kingdom of the ill sta nella diversità di linguaggi che sono stati messi in dialogo ed ecco infatti che non manca l’occasione di osservare come sullo stesso tema si inizino ad attivare anche artisti operativi con gli strumenti multimediali. Enrico Boccioletti presenta un’installazione stratificata sui temi della stanchezza cronica e della depressione. A sottendere l’installazione c’è la sensazione di burnout, un’esperienza che molti e molte hanno affrontato durante la pandemia, momento di immensa precarietà acuito dalle divisioni radicate nell’implacabile logica capitalistica della produttività.

La distopia è ormai uno dei temi più saldamente legati al nostro immaginario recente. Su di essa riflette Shu Lea Cheang: la sua installazione racconta la storia della GENOM Co., futuristica azienda del porno su Internet che invia codificatori IKU (“orgasmo” in giapponese) a New Tokyo per raccogliere dati sugli orgasmi attraverso i rapporti sessuali, poi trasformati in chip IKU da vendere per essere utilizzati come plug-in nei cellulari. Nell’UKI post net-crash, i codificatori IKU privi di dati vengono scaricati, ormai rifiuti elettronici, a E-trashville, dove si svolge UKI Virus Rising, la rivolta dei virus. È qui che i codificatori IKU riemergono sotto forma di virus Kl, per infiltrarsi e sabotare un pericoloso complotto biologico ideato dalla GENOM Co. Al virus UKl si uniscono umanoidi defunti, trans-mutanti, corpi tecno-dati e una città infetta.

Dopo il primo italiano in mostra arriva anche il bresciano Mattia Martoriati: protagonista del suo lavoro è la città di Brescia che l’artista documenta dal 2019. La città lombarda è considerata oggi una tra le più inquinate della Penisola. Il titolo della serie – The Land of Holes – fa riferimento all’A2A: un’azienda di produzione energetica che riempie di rifiuti le cave createsi con l’estrazione di sabbia e ghiaia, e poi le maschera con delle colline erbose. Oltre all’A2A, la locale Caffaro Industrie, azienda di produzione chimica, è responsabile dell’aumento della contaminazione da diossina e PCB (policlorobifenili), che causano problemi di salute tra cui disturbi ormonali, alterazioni riproduttive e dello sviluppo, danni al sistema immunitario e una serie di tumori.

Joana Hedva, presenta un video in cui p protagonista la sua anziana nonna di 93 anni affetta da Alzheimer. Il video in tre canali vede la donna leggere voce alta i testi di ricette mediche a lei prescritte dal 1998 al 2009. L’intersecazione delle tracce audio provoca un impossibilità di comprensione che si trasforma però in controllo mentale sull’anziana, ormai schiava dei medicinali. 

I temi di classe genere e appartenenza sono ancora una volta presenti nell’installazione dell’italiana Adelita Husni-Bey. La serie di disegni che compongono il suo lavoro vengono realizzati tracciando su fogli di carte le sagome di alcuni individui. Accanto ai disegni vengono dall’artista appuntanti riferimenti a conversazioni avute con ognuno dei partecipanti all’azione performativa che ha preceduto l’esposizione, in cui si rilevano i profili psicologici profondamente segnati dal contesto socio-economico in cui questi trascorrono la loro vita. L’estrazione sociale e la zona geografica di provenienza mettono in rilievo le differenze tra i sistemi di welfare europei e americani.

Torna la riflessione sull’ambiente con il lavoro presentato da P.Staff, artista americano che interviene nello spazio di Museion con una rete di fili metallici sospesi dai quali fuoriescono gocce di acido. Questa cadono in barili di alluminio che vengono progressivamente corrosi, riferendosi idealmente agli effetti delle piogge acide provocate dall’inquinamento. Il lavoro fa riferimento alla psicosi collettiva che negli anni ’90 vede il nascere di ansie e incertezze nell’uscire all’aperto per paura di essere feriti dagli effetti corrosivi della pioggia. 

La preziosità della mostra aumenta sempre di più: prende parte al coro di interventi anche Nan Goldin, di recente celebrata a Venezia con il documentario vincitrice dl Leone d’oro del Festival del Cinema. Nan Goldin è una delle fotografe più significative del secolo appena concluso e il suo lavoro ha permesso di comprendere l’esperienza autentica delle sottoculture LGBTQ, la crisi dell’HIV/AIDS e la diffusione epidemica degli oppioidi. L’installazione riflette su un periodo recente della vita di Goldin, caratterizzato dalla sua dipendenza dagli oppioidi. Si tratta di un’opera estremamente personale che assembla istantanee intime e private ma anche immagini d’archivio recentemente scoperte, che insieme ci interrogano su come la memoria sia vissuta, si alteri e vada perduta con l’esperienza della tossicodipendenza. 

Alla riflessione di Goldin si lega anche l’installazione del collettivo P.A.I.N. che mette in scena proteste improvvisate per contra- stare l’epidemia di overdose in corso, perpetrata dall’industria farmaceutica globale. Il primo bersaglio di P.A.I.N. è stato la filantropia tossica della famiglia miliardaria Sackler, la cui azienda Purdue Pharma ha commercializzato in modo aggressivo l’OxyContin, oppioide che crea forte dipendenza, a milioni di pazienti affetti da disturbi secondari. 

L’artista britannico lan Law interviene con un’installazione costituita dalle imbottiture degli schienali di sedie che in genere arredano le sale d’attesa: uno spazio spesso carico di sentimenti di paura, consapevolezza o sollievo. I cuscini recano impresse immagini spettrali: silhouette di fiori, forse regalati ai pazienti da qualche visitatore. A queste fanno coro Le opere di Julia Frank: queste indagano e dissezionano gli eventi social che si svolgono in luoghi pubblici o privati. Il dittico in mostra realizzato in seguito a una recente operazione e al successivo periodo di convalescenza, è dipinto a partire da autoritratti scattati da lei stessa mentre era in ospedale. Le opere sono di dimensioni modeste, per incoraggiare un rapporto fisico con la carta su cui sono dipinte. Le angolazioni estreme dei ritratti alludono alla destabilizzazione o alla sensazione di perdere il terreno sotto i piedi che spesso caratterizza la malattia. Carolyn Lazard affronta la politica e la socialità implicite nelle reti di assistenza costituite da e per disabili e le loro comunità.Utilizzando materiali già pronti, in questo caso depuratori d’aria, Lazard richiama la nostra attenzione sugli oggetti che arredano gli spazi di cura e recupero. 

La tensione accumulata in tutto il percorso si tenta di sciogliere nell’ultima fese del percorso: l’ultimo piano di Museion, ampio e vuoto presenta le ultime installazioni in un’atmosfera fredda, asettica ma scaldata dalle luci delle pareti vetrate dell’edificio. Ma non tutto è come sembra.

L’opera collaborativa di Heather Dewey-Hagborg e Phillip Andrew Lewis, che immagina un futuro di lutto e dolore bio-tecnologizzati. In precedenti allestimenti dell’opera, il DNA di famigliari deceduti veniva inserito in piante psicoattive che potevano essere consumate in un ultimo, intimo viaggio. L’installazione in mostra offre una suggestione speculativa di questo processo, raccontata dal video che l’accompagna. La sua installazione ha la forma di una serra aperta quasi piramidale, in cui sono collocate delle piante dalle proprietà psicoattivo ottenibili legalmente.

Lauryn Youden presenta due altari fissati alla parete che ospitano oltre 180 elementi individuali, come erbe, medicine, portapillole, oggetti sacri, candele, fiori secchi Tutti gli elementi degli altari si combinano per creare un ritratto di Youden, che sottolinea la natura comunitaria della cura e incoraggia la condivisione delle risorse.

La riflessione sulle malattie croniche torna con l’installazione dell’artista disabile Sharona Franklyn che consiste in una serie di oggetti come fiori, pesci, prodotti alimentari e farmaci su ricetta medica racchiusi in gelatina: una selezione che allude alla vita e alle cure di Franklin, ma che strizza l’occhio anche ai sistemi di classificazione e studio botanico e biologico.

Si procede verso la fine dell’esposizione con le ultime tre installazioni: l’opera di Mary Maggic prende la forma di un ambulatorio e di un video su uno studio eseguito su una popolazione queer-femminista, basato sull’identità di genere di che partecipa contrapposta all’assegnazione del genere avvenuta alla nascita. Lo studio si fonda sul principio della distanza tra ano e genitali (o AGD) che gli scienziati utilizzano come parametro per valutare la tossicità riproduttiva. Mentre il nostro mondo, governato dal capitalismo patriarcale, diventa sempre più inquinato, l’AGD diminuisce costantemente, diventando così un parametro scientifico inaffidabile per accertare l’identità di genere. 

Servendosi del suono e del movimento guidato, l’artista italiana Barbara Gamper fa emergere tramite le esplorazioni somatiche le esperienze non verbali e le nostre relazioni con altri esseri umani, specie animali e altre ecologie. L’artista  propone una forma di cura alternativa: le istruzioni audio di Gamper ci guidano attraverso una serie di esercizi di respirazione, sfioramenti leggeri e piccoli movimenti che mirano ad alleviare i nostri stress e traumi, e di liberarcene.

The kingdom of ill si esaurisce con Juliana Cerqueira Leite e Zoë Claire Miller che ragionano ancora sul concetto di cura alternativa: la loro installazione ci parla dei modi in cui le donne hanno utilizzato le erbe medicinali per regolare i cicli ormonali, alleviare i dolori mestruali, la sindrome premestruale e i sintomi della menopausa, e la scelta delle piante incluse nell’installazione riflette queste tradizioni antiche.

Info: www.museion.it

The kingdom of the ill, a cura di Sara Cluggish e Pavel S. Pyś
1 ottobre 2022 — 5 marzo 2023
Artisti in mostra: Enrico Boccioletti, Brothers Sick (Ezra e Noah Benus), Shu Lea Cheang, Heather Dewey-Hagborg & Phillip Andrew Lewis, Julia Frank, Sharona Franklin, Barbara Gamper, Nan Goldin e Prescription Addiction Intervention Now (P.A.I.N.), Johanna Hedva, Ingrid Hora, Adelita Husni- Bey, Ian Law, Carolyn Lazard, Lynn Hershman Leeson, Juliana Cerqueira Leite & Zoë Claire Miller, Mary Maggic, Mattia Marzorati, Erin M. Riley, P. Staff e Lauryn Youden
Museion
Piazza Piero Siena 1, Bolzano, Italia

Disegni, dipinti, collage, sculture, neon, opere di arte cinetica, partecipativa e performance realizzati in oltre settant’anni di carriera: accanto a importanti prestiti e nuove commissioni, Museion esporrà molti lavori inediti e alcune opere fragili, restaurate per l’occasione e presentate al pubblico per la prima volta, in una mostra – a cura di Steven Cairns e Fatima Hellberg e con un allestimento di Michael Kleine Studio – che si preannuncia essere una pietra miliare per lo studio del lavoro di questo grande ed eclettico artista.

Poliedrico e fortemente camaleontico nei suoi interessi, Medalla in oltre settant’anni di carriera applica la sua creatività a diverse tematiche: l’ecologia, l’identità culturale, la sessualità, l’etica del lavoro, senza mai preoccuparsi delle compartimentazioni attuate dalla società, tutto nella sua arte si mescola dando forma a uno specchio efficiente nel rappresentare la forte frammentazione e incongruenza della società di oggi. 

Come suggerisce il titolo, Parables of Friendship comprende ugualmente impegno sociale e trascendenza, le due caratteristiche principali della pratica di Medalla: la molteplicità della sua produzione instancabile e la sua continua ricerca di connessioni rivelano una ricerca di “unicità del tutto” attraverso le differenze, e una relazione con l’essere profondamente esperienziale e sentimentale. Nella sua opera si riflettono paradossi e traumi parte dell’identità culturale, identità che per lui resta un processo multitemporale e multidirezionale.

Info: https://www.museion.it/2022/04/david-medalla-2/

David Medalla: Parables of Friendship, a cura di Steven Cairns e Fatima Hellberg
9 aprile 2022 – 14 settembre 2022
Piazza Piero Siena, 1, Bolzano

Bird Flight, la nuova esposizione di Museion di Bolzano si concentra proprio su una di quelle figure che ad oggi non hanno ancora ricevuto la corretta legittimazione come punti di riferimento per lo sviluppo di una stagione che possiamo definire, senza timore, come rivoluzionaria. In mostra viene raccolta una serie di opere pittoriche dell’artista austriaca Erika Giovanna Klien (1900-1957), in cui il volo degli uccelli viene espresso attraverso movimento e luce, temi centrali della sua indagine. 

Trascurata dalla storia dell’arte come tante altre artiste del ‘900, parte dell’altra metà dell’Avanguardia teorizzata da Lea Vergine negli anni Ottanta, la Klein è stata una delle esponenti più interessanti del movimento del Cinetismo, fondato a Vienna da Franz Cizek dopo la Grande Guerra.

Il Cinetismo delle origini si sviluppa attorno a un’educazione all’arte capace di liberare le energie individuali dei e delle giovani dalle incrostazioni della tradizione: si tratta di un’avanguardia umanistica, che collega il dinamismo con il movimento sensoriale e psichico, rinunciando al mito aggressivo della velocità e del movimento incarnato invece dal Futurismo.

Bird Flight mette in dialogo opere dell’artista austriaca con alcune opere di luce e cinetiche della collezione di Museion, tra cui quattro lavori giovanili della Klien, con l’obiettivo di rendere visibile il suo personale contributo all’Avanguardia, facendone emergere l’attualità e l’influenza sulle generazioni successive. Accanto a prestiti dalle collezioni del Belvedere Wien, dell’Università di arti applicate di Vienna, del Wien Museum e del Museo Eccel Kreuzer di Bolzano, Bird Flight espone opere degli anni Venti di Max Oppenheimer, Ludwig Hirschfeld-Mack, Elisabeth Karlinsky e Fortunato Depero, degli anni Sessanta di Dadamaino, Mark Adrian, Otto Piene, Günther Uecker e Alberto Biasi, e opere di Eva Schlegel, Spencer Finch, Ceal Floyer, Benjamin Tomasi e Liliana Moro realizzate dalla fine degli anni Novanta.

Info: https://www.museion.it

Bird Flight, Erika Giovanna Klien in dialogo con posizioni artistiche contemporanee
8 aprile – 7 settembre 2022
Museion
Piazza Piero Siena, 1, Bolzano