Il riferimento è a Dylan Dog Horror Show, che, nell’anno del quarantesimo anniversario dell’esordio dell’inquilino di Craven Road, a Londra, arriva sul palcoscenico del teatro Eliseo di Roma, dove resterà in scena fino al 6 dicembre. Il primo albo del celebre fumetto, “L’alba dei morti viventi”, uscì infatti il 26 settembre 1986. Sul palco ritornano anche alcune delle espressioni diventate iconiche nell’universo di Dylan Dog, da «Giuda ballerino!» al «quinto senso e mezzo»: piccoli segni distintivi che contribuiscono a ricreare l’immaginario del “nostro” e a far ritrovare al pubblico lo spirito originale del celebre fumetto creato da Tiziano Sclavi. Con la regia di Malosti («questa opportunità mi ha fatto conoscere un personaggio di cui non sapevo moltissimo. La trasposizione passa soprattutto dai corpi degli attori, dall’iconicità di ogni nome che abbiamo scelto, considerando la ricchezza di partenza del fumetto, che può permettersi cambi di modi, di pensiero. Cose ardite che in teatro sono più difficili, ma non impossibili, da realizzare») e la scrittura di Nicola Russo («il palco è il luogo in cui possiamo plasmare il tempo, rivivere il passato, in cui ci è dato di interloquire con i morti, mettere la nostra folle solitudine sotto un riflettore per farci attraversare da paure, incubi e fantasmi»), la pièce ripercorre la storia, i personaggi e le ossessioni dell’Old Boy, restituendo forma e sostanza a uno dei protagonisti più amati del fumetto di casa nostra, diventato nel tempo un vero e proprio fenomeno di costume. Un eroe imperfetto, non sempre vincente, nel quale generazioni di lettori si sono riconosciute.

La messa in scena di Dylan Dog Horror Show procede con ritmo, alternando momenti di tensione, ironia e suggestioni horror. Uno spettacolo che trova con ogni probabilità la sua chiave di lettura più immediata tra gli spettatori che già conoscono, da lettori, l’universo del protagonista: sono loro, infatti, a poter cogliere fino in fondo i riferimenti, i personaggi e i numerosi richiami alla storia del fumetto. Per chi si avvicina per la prima volta all’Old Boy, invece, alcuni passaggi potrebbero risultare meno immediati e di difficile comprensione. In questa produzione inedita, Veronika, una cliente tanto conturbante quanto misteriosa, affida all’indagatore dell’incubo un nuovo caso. Per risolverlo, l’investigatore dovrà intraprendere un percorso che lo porterà a confrontarsi con i fantasmi del proprio passato. Riemergono così le figure più importanti della sua vicenda umana, a cominciare dalle donne della sua vita. Anna Never compare nel quarto albo, “Il fantasma di Anna Never”, mentre Morgana è protagonista del venticinquesimo, intitolato “Morgana”, e torna in momenti significativi della serie, come “La storia di Dylan Dog” (n. 100). Lillie Connolly è al centro di “Finché morte non vi separi” (n. 121), storia fondamentale per ricostruire il passato dell’investigatore, mentre Bree Daniels è legata a “Memorie dall’invisibile” (n. 19), tra gli episodi più amati e malinconici della saga. Accanto a loro, non mancano la nemesi Xabaras e gli amici di sempre: Groucho, l’ispettore Bloch e Madame Trelkovski.

È opportuno sottolineare che il cast di Dylan Dog Horror Show vede Gabriele Graham Gasco nel ruolo del protagonista, Loris Fabiani in quello di Groucho e Marit Nissen nei panni di Veronika. Completano il gruppo degli interpreti Ida Marinelli (Madame Trelkovski), Danilo Nigrelli (un demone multipersonalità), Antonino Iuorio (l’ispettore Bloch), Dario Battaglia (Xabaras), Camilla Nigro (Bree Daniels), Beatrice Vecchione (Lillie Connolly), Annamaria Troisi (Morgana) e Sofia Fusciani (Anna Never). Sul palco anche i performer Fabio Bergaglio, Antonio Carta, Alessandro Pallecchi, Sofia Celentani Ungaro, Cecilia Francesca Croce, Michele Calcari e Giovanni Fasser. La componente musicale è affidata al trio composto da Paolo Spaccamonti alla chitarra, Luca Cavina al basso e Jacopo Battaglia alla batteria. Tra emozioni, paura e ironia, buon compleanno, Dylan Dog. Altri quaranta di questi anni!

Info: www.dylandog40.it

Il volume a fumetti Dracula (brossurato, 96 pagine a colori, 14,50 euro) propone una versione del racconto pensata per essere fruibile e divertente, ma anche dolcemente inquietante per i lettori più giovani. La trama è quella del romanzo originale: il giovane avvocato inglese Jonathan Harker parte alla volta della Transilvania («Cara Mina, sono in viaggio ormai da qualche giorno») per concludere un affare con il misterioso e ricchissimo conte. Il suo cliente è Dracula, il celebre vampiro, che vuole trasferirsi a Londra per «assaggiare» il cibo locale. Tra castelli avvolti nella nebbia, luci fioche, zuppe all’aglio, pipistrelli e ragnatele, Simple e Madama interpretano il romanzo di Stoker con il loro adorabile stile («lo abbiamo coccolato, strapazzato, ridisegnato»), all’insegna dell’ironia rassicurante che contraddistingue la coppia.

Di Sepio è una disegnatrice specializzata nell’animazione 2D, dove lavora come character designer e storyboard artist; Barretta è un videografo, il cui lavoro lo porta a girare il mondo, ed è sceneggiatore di Procrastination, ultimo volume della serie Simple e Madama. Il risultato è un horror immortale trasformato in un’avventura spassosa e irresistibile. Certo, anche il loro Dracula è un po’ pallidino, ma si può davvero avere paura di un principe delle tenebre così rotondo?

La stessa chiave leggera e giocosa caratterizza la rilettura a fumetti di Frankenstein o il moderno Prometeo, capolavoro di Mary Shelley pubblicato per la prima volta in forma anonima nel 1818. «Un fulmine colpisce il laboratorio e il mostro apre gli occhi. Il dottor Frankenstein può finalmente ammirare ciò che ha ricucito e rattoppato da mesi. Ma, oddio, fa più paura del previsto. Meglio scappare e lasciare che quella creatura se la cavi da sé». È quanto si legge sulla quarta di copertina di Frankenstein (brossurato, 96 pagine a colori, 14,50 euro), secondo titolo della collana “Da paura”. Il volume solleva anche una domanda: «Chi dice che un gigante di bulloni e pezzi di ricambio non sia un tenerone, in cerca di un amico?».

Dracula e Frankenstein, ma anche Dimmi di sì (2022) e Ti sblocco un ricordo (2023): sono solo alcuni dei titoli firmati da Simple e Madama, le cui storie sono (indiscutibilmente) disegnate e scritte con il cuore. Dalle prime strisce online ai libri e ai magazine da edicola, i loro fumetti sono perfetti da leggere sul divano, sui mezzi pubblici, sotto l’ombrellone o davanti a un camino acceso. Perché un pizzico di leggerezza e un po’ di sano sarcasmo non passano mai di moda.

Info: www.tunue.com

L’iniziativa, proposta nel 2024 al tavolo di coordinamento del Giubileo presieduto dal sottosegretario Alfredo Mantovano, invita a guardare alla città nella sua interezza, riconoscendo il valore culturale e sociale delle architetture religiose realizzate al di fuori del centro storico. «Il Giubileo non è solo il centro storico di Roma, è la città intera, abbraccia anche le periferie, sia esistenziali sia geografiche», ha sottolineato l’ambasciatore Francesco Di Nitto. «Il volume di oggi racconta specificamente dodici chiese della periferia romana, luoghi di incontro e di dialogo che ci aiutano a comprendere la città nella sua interezza e nella sua complessità». Come ha ricordato Di Nitto, anche fuori dal centro storico si trovano opere architettoniche di grande valore spirituale e culturale, capaci di arricchire il paesaggio urbano e rafforzare il tessuto sociale. «E poi, se non continuiamo a produrre opere e arte, le prossime generazioni ci chiederanno che cosa abbiamo fatto. E quindi vale la pena effettivamente di valorizzare quello che è stato fatto in questi anni».

L’architettura religiosa come presidio urbano

Il progetto editoriale intende offrire uno sguardo diverso sulle periferie, mostrando come la chiesa contemporanea possa diventare non soltanto un edificio destinato al culto, ma anche un punto di riferimento per il quartiere. L’itinerario attraversa aree sorte e cresciute nel corso degli ultimi decenni, talvolta prive di luoghi pubblici capaci di favorire l’incontro e il senso di appartenenza. «Questo libro vuole essere una guida un po’ particolare per guardare le periferie romane da un punto di vista diverso», ha spiegato il curatore Andrea Bruschi. L’obiettivo è divulgare «l’esistenza di un patrimonio di architettura contemporanea di qualità non soltanto nel centro della città dove abbiamo già delle cose importanti, ma anche nelle aree di margine della capitale».

Il percorso si estende nella corona esterna di Roma e, in alcuni casi, oltre il Grande raccordo anulare, raggiungendo zone come l’Infernetto e i quartieri orientali della città. In questi contesti, la parrocchia ha assunto spesso un ruolo centrale nella costruzione dell’identità locale. «Nelle aree sorte spontaneamente, la chiesa, la parrocchia è divenuta una polarità che orienta e struttura l’aggregato, che dà significato ai luoghi e che si candida come il luogo nel quale ci si identifica, dove la comunità ha la possibilità di superare l’isolamento e spesso la solitudine che affligge tante persone», ha aggiunto Bruschi. La funzione della chiesa, in questa prospettiva, supera i confini dell’edificio. Il complesso parrocchiale può contribuire a definire lo spazio pubblico, creare occasioni di socialità e offrire un riferimento condiviso in quartieri dove la crescita urbana non è sempre stata accompagnata da un’adeguata presenza di servizi e luoghi d’incontro.

Nuovi linguaggi per l’architettura sacra

Le dodici chiese raccolte nel volume testimoniano anche l’evoluzione dell’architettura religiosa italiana. A partire dagli anni Sessanta, la progettazione degli edifici di culto è diventata un terreno di sperimentazione, nel quale mettere in discussione le tipologie tradizionali e ricercare nuove forme, proporzioni e relazioni con il contesto. «Dagli anni sessanta, il progetto della chiesa è divenuto un ambito di esplorazione, non solo sul tipo edilizio, ma sulla forma, le relazioni, i linguaggi e il portato comunicativo, producendo esempi di architettura di alta qualità», ha osservato Bruschi.

Agli schemi basilicali longitudinali si sono affiancati spazi articolati e soluzioni che attribuiscono un ruolo centrale alla luce naturale. «Molte delle chiese del 2000 che trovate all’interno del testo sono macchine per controllare la luce e portarla all’interno dell’edificio come elemento evocativo di grande suggestione e spiritualità», ha spiegato il curatore. La ricerca non riguarda soltanto gli ambienti interni. Il progetto della chiesa parrocchiale coinvolge anche le aree circostanti, trasformando l’edificio in un elemento capace di organizzare lo spazio urbano e di instaurare relazioni con il quartiere. «La chiesa si espande all’esterno, forma aree pubbliche dove più sono assenti e necessarie», ha sottolineato Bruschi, richiamando il valore di un’architettura che non si limita a rispondere alle esigenze liturgiche, ma partecipa alla costruzione della città. In questo senso, la pluralità delle soluzioni progettuali rappresenta un aspetto fondamentale: non esiste un unico modello di chiesa contemporanea, ma una ricerca che si confronta con contesti, comunità e linguaggi differenti. Per Bruschi, va quindi riconosciuto «l’importantissimo ruolo culturale della chiesa nella promozione dell’architettura contemporanea e il coraggio di accettare la sfida dell’innovazione».

Dallo spazio al luogo: la bellezza come esperienza spirituale

Il rapporto tra architettura, arte e spiritualità è al centro anche dell’intervento di monsignor Rino Fisichella, che ha evidenziato l’importanza di portare la bellezza nei quartieri periferici attraverso opere capaci di esprimere il significato della presenza religiosa. «Il desiderio è stato quello che anche nelle periferie ci fossero delle opere d’arte, che ci fosse un segno della bellezza che comunicava la bellezza del Vangelo. Non solo, ma anche la bellezza della presenza reale della chiesa», ha affermato l’arcivescovo. Nel suo intervento, il presule ha richiamato il significato della parrocchia come luogo di prossimità: il termine deriva dal greco parà oikia, ovvero una casa che si affianca alle altre case. La chiesa diventa così il segno di una comunità che si raccoglie e si riconosce in uno spazio condiviso. La sfida, ha spiegato, è riuscire a esprimere questa funzione attraverso forme architettoniche nuove, senza rinunciare alla coerenza con il significato profondo del luogo sacro. «Lo spazio è generico, lo spazio va riempito, il luogo no. La chiesa è un luogo, non è uno spazio, è un luogo dove si celebra, è un luogo dove i segni sono simbolo».

Anche la luce assume un valore centrale, non soltanto come elemento compositivo, ma come parte dell’esperienza spirituale. «La luce deve essere un segno fondamentale in una chiesa, perché è la luce che proviene da quel fonte battesimale che rischiara l’esistenza di una persona», ha osservato il monsignor Fisichella, sottolineando come la ricerca artistica e architettonica debba confrontarsi con una tradizione millenaria, trovando forme nuove capaci di interpretarne il significato. Le architetture contemporanee possono così diventare strumenti attraverso cui percepire il trascendente, facendo dialogare il linguaggio del progetto con la dimensione religiosa e con l’esperienza delle persone che vivono quotidianamente questi luoghi.

Dodici edifici tra ricerca e territorio

Le chiese selezionate dal volume sono distribuite in diversi quadranti della città e raccontano contesti urbani differenti. Tra gli edifici documentati figurano la chiesa di Dio Padre Misericordioso a Tor Tre Teste, Santa Maria delle Grazie nella zona della Bufalotta, Santa Maria Josefa a Ponte di Nona e San Tommaso Apostolo all’Infernetto. A queste si affiancano altre architetture che, tra la fine degli anni Novanta e i decenni successivi, hanno contribuito a definire il paesaggio religioso delle nuove aree residenziali. La pubblicazione riunisce così esempi diversi per linguaggio e collocazione, mettendo in evidenza il ruolo dell’architettura contemporanea nella trasformazione dei quartieri e nella costruzione di luoghi riconoscibili. L’intento non è soltanto documentario: la guida invita a scoprire una parte della città spesso esclusa dagli itinerari culturali più frequentati, mostrando come anche le periferie custodiscano opere di interesse artistico e architettonico.

Un itinerario di 120 chilometri nella Roma contemporanea

Il percorso proposto si sviluppa per circa 120 chilometri e attraversa la corona urbana di Roma, raggiungendo quartieri a nord, a est e a sud della città, anche oltre il raccordo anulare. L’itinerario offre una lettura alternativa della Capitale, nella quale le chiese diventano tappe per comprendere l’evoluzione urbana, le sperimentazioni dell’architettura sacra e il rapporto tra istituzioni religiose e comunità locali. Come ha ribadito monsignor Rino Fisichella, grazie all’iniziativa dell’ambasciatore Umberto Vattani è stato possibile mostrare ai pellegrini «che Roma non è soltanto il suo prezioso centro storico ma anche l’immenso territorio in cui oggi si vive, si lavora, si cresce». Le periferie, dove abitano famiglie, giovani e nuovi cittadini, sono infatti parte essenziale della vita della città e della sua storia recente. Il volume documenta questo volto meno conosciuto di Roma e propone un itinerario che unisce architettura, arte e spiritualità, riconoscendo nelle chiese contemporanee non soltanto luoghi di culto, ma anche presidi culturali e sociali. Un invito a guardare oltre il centro monumentale per scoprire, attraverso dodici edifici, una geografia urbana in cui la ricerca architettonica incontra la vita quotidiana.

Un esempio di questa disponibilità si è avuto recentemente a Roma a Palazzo Rondinini dove è stata presentata un’opera di enorme valore culturale,appassionatamente e scientificamente curata dallo storico dell’arte Andrea Donati che con il volume “Nel raggio di Apollo, scritti di storia dell’arte dal ‘500 al ‘700” racconta la storia della più famosa invenzione pittorica di Tiziano ideata nel 1531 per Vittoria Colonna, in gara con Michelangelo e poi ripetuta per decine di altre volte fino all’ultima Maddalena custodita nella sua casa ed oggi esposta all’Ermitage di San Pietroburgo. Nel corposo volume si ripercorrono le vicende, spesso incrociate, di alcuni dei maggiori pittori italiani dal Rinascimento al Barocco: oltre a Tiziano e Michelangelo, Raffaello, Lotto, Bordone , Caravaggio, Cantarini, Sassoferrato, Pittoni, Magini e tanti altri ancora. Con metodo da detective Andrea Donati intercetta e insegue capolavori nascosti e negletti esplorando archivi, biblioteche, fototeche , musei e collezioni pubbliche e private anche d’oltre Oceano. Fedele al metodo filologico il libro dischiude segreti della storia dell’arte e dipana vicende storiche dalle trame avvincenti.

Un’opera immensa di obbligatorio riferimento non solo per conoscere meglio i maestri del colore di fama conclamata ma “anche gli altri protagonisti”, meno conosciuti ma non meno espressione di valori artistici di quei fantastici tre secoli di storia dell’arte italiana.

Nata a Genova nel 1931 e romana d’adozione, Montessori ha costruito un percorso artistico indipendente, attraversando pittura, disegno, ceramica, mosaico e libri d’artista. Una pratica in continuo movimento, alimentata dalla letteratura, dalla filosofia, dal pensiero orientale e dall’osservazione della natura. Il tempo, nella sua opera, non segue necessariamente una progressione lineare: si accumula, ritorna, si stratifica, lasciando emergere corrispondenze tra immagini realizzate in epoche lontane. È proprio questa dimensione a guidare il percorso espositivo di Villa Torlonia, concepito dall’artista stessa come una sorta di autoritratto. Oltre cento opere, tra dipinti, disegni, installazioni, libri e interventi site specific, ricostruiscono non tanto una successione di fasi stilistiche, quanto una costellazione di interessi e intuizioni. Tra i temi ricorrenti emergono la metamorfosi, il rapporto tra mito e scienza, la scrittura come immagine e il paesaggio come spazio mentale prima ancora che fisico.

Il catalogo amplia questa prospettiva, proponendosi non soltanto come documentazione della mostra, ma come strumento di studio di una delle figure più originali dell’arte italiana contemporanea. Accanto a un’ampia intervista biografica, il volume raccoglie saggi critici, materiali documentari, apparati bio-bibliografici e un’antologia di testi dedicati all’artista. Ai contributi delle curatrici si affiancano quelli di Cecilia Canziani, Claudio Crescentini, Massimo Ferrario, Laura Iamurri, Alessandra Lavagnino, Santa Nastro e Carla Subrizi, con gli apparati bio-bibliografici di Claudia Verdat. La pluralità degli sguardi riflette la natura stessa del lavoro di Montessori, difficilmente riconducibile a una sola disciplina. Storia dell’arte, letteratura e scienza diventano così chiavi di lettura complementari per avvicinarsi a una produzione che ha saputo mantenere, nel corso dei decenni, una sorprendente libertà espressiva L’appuntamento si inserisce nel ciclo di incontri promosso dalla Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, dedicato all’approfondimento delle figure artistiche del Novecento. La presentazione è a ingresso gratuito fino a esaurimento dei posti disponibili e si svolgerà al Casino Nobile di Villa Torlonia, in via Nomentana 70.

Adattamento del romanzo di Philippe Claudel – affermato scrittore e regista, nel 2003 ha raggiunto il successo internazionale con “Le anime grigie”, tradotto in trenta Paesi e vincitore del Prix Renaudot e del premio per il miglior libro dell’anno di “Lire” – il graphic novel (cartonato, 336 pagine in bianco e nero, 36 euro), dal “taglio” assai accattivante (il formato è 30×20), offre al lettore un racconto poetico e funesto, ipnotico e affascinante. La storia prende il là in un piccolo villaggio di montagna sul confine franco-tedesco, alla fine della Seconda guerra mondiale. Qui uno straniero è stato ucciso in circostanze poco chiare. Per comprendere cosa è accaduto, gli abitanti convocano Brodeck, un ex deportato scampato ai lager e tornato al paese, incaricandolo di ricostruire i fatti. Comincia così la sua indagine (“tutto quello che sto raccontando, il momento in cui mi hanno incaricato del rapporto, è avvenuto alla locanda Schloss, subito dopo l’Ereigniës”).

Coscienzioso e pronto a tutto, Brodeck diventa la cattiva coscienza della piccola comunità che gli ha affidato il delicato incarico. “Io sono semplicemente capitato lì nel preciso istante in cui ti aggrappi al primo che apre la porta. Per farne il tuo salvatore, o per massacrarlo”. E poco alla volta si spinge nell’abisso del Male, rivelando l’insospettabile (ma non per lui) capacità dell’uomo di commettere i crimini più efferati per le ragioni più disparate: dall’ignoranza al razzismo, dalla crudeltà alla paura. “Gli uomini possono commettere l’irreparabile, ma poi sono incapaci di vivere con la consapevolezza di ciò che hanno fatto”. Dopo “Lo scontro quotidiano” (2003), graphic novel prodigioso sullo sforzo, la precarietà e la gioia di vivere, “Blast” (2012), il racconto a fumetti di uno scrittore obeso e tormentato che si lascia tutto alle spalle per vagabondare, e “La strada” (2024), dove un padre e un figlio attraversano le rovine di un mondo post-apocalittico ridotto in frantumi, Larcenet affronta un altro viaggio, magnetico e affascinante, nel lato oscuro dell’anima.

Nel caso de “Il rapporto di Brodeck”, l’autore francese si cimenta con l’adattamento a fumetti di un romanzo. Ne nasce un’opera intima e personale, una parabola nera e a tratti kafkiana. A questo proposito, consigliamo di recuperare anche un altro volume edito da Coconino Press e Fandango, “Il cacciatore Gracc”o, realizzato da Martoz a partire da un racconto incompiuto dello scrittore ebreo boemo di lingua tedesca. Le tavole dominano – ma non oscurano – i violenti contrasti tra bianco e nero, mentre lo splendore di una natura selvaggia fa da cornice alle miserie delle azioni umane. Un contrasto che restituisce tutta la forza di una storia in cui la violenza va ben oltre quella fisica. Come recita la quarta di copertina di questa edizione integrale, arricchita da una nuova copertina e da una gallery di illustrazioni e ritratti: «Ho imparato come la paura può trasformare gli uomini».

Info: www.coconinopress.it

La sua scrittura nasce da una conoscenza profonda della cultura greca, ma si sviluppa attraverso una continua sperimentazione. Per Carson, i classici non rappresentano un patrimonio immobile da conservare, bensì una materia viva da reinterpretare, capace di dialogare con il presente. È proprio questa libertà formale, insieme alla capacità di attraversare linguaggi e discipline differenti, ad aver reso la sua opera un punto di riferimento per diverse generazioni di scrittori. Tra i suoi lavori più conosciuti figura Autobiografia del rosso, pubblicato originariamente nel 1998, un romanzo in versi che rielabora il mito greco di Gerione, il mostro alato ucciso da Eracle, trasformandolo in una storia contemporanea di formazione, amore e scoperta di sé. Un’opera emblematica del suo metodo, nel quale la tradizione viene smontata e ricomposta attraverso prospettive inattese.

Un altro titolo fondamentale è Eros il dolceamaro, pubblicato nel 1986, in cui Carson esplora il desiderio attraverso la poesia e la filosofia greca, soffermandosi sulle contraddizioni dell’amore e sulla distanza che separa chi ama dall’oggetto del proprio desiderio. In Vetro, ironia e Dio, invece, poesia e riflessione critica si intrecciano in una costruzione letteraria che sfugge alle classificazioni tradizionali. La sua produzione comprende anche traduzioni e riscritture dei grandi autori dell’antichità, da Saffo a Sofocle ed Euripide. L’interesse per la parola, per la sua origine e per le possibilità di trasformazione del significato attraversa l’intero percorso dell’autrice, che ha spesso utilizzato frammenti, interruzioni e soluzioni tipografiche insolite per mettere in discussione la struttura stessa del testo. Il riconoscimento a Carson rappresenta anche una scelta a favore di una letteratura che supera i confini tra le arti. Alcuni suoi lavori si avvicinano infatti al teatro, alla performance e alla sperimentazione visiva, mostrando come la pagina possa diventare uno spazio nel quale convivono linguaggi differenti. È il caso di Nox, pubblicato nel 2010, un’opera dedicata alla morte del fratello e costruita come un oggetto editoriale a fisarmonica, tra fotografie, documenti, frammenti poetici e riflessioni sulla memoria.

Con questa assegnazione, Anne Carson diventa la diciannovesima donna a ricevere il Nobel per la Letteratura, raccogliendo idealmente il testimone della sudcoreana Han Kang, premiata nel 2024, mentre lo scorso anno il riconoscimento era andato allo scrittore ungherese László Krasznahorkai. La cerimonia ufficiale di consegna si terrà a Stoccolma il prossimo 10 dicembre, anniversario della morte di Alfred Nobel. Il premio consacra così una scrittrice che ha fatto della contaminazione e dell’invenzione formale la propria cifra distintiva. Un’autrice che, anziché limitarsi a rileggere il passato, ha dimostrato come la tradizione classica possa continuare a generare nuove possibilità espressive, restituendo alla letteratura la sua capacità di sorprendere e di mettere in discussione le forme attraverso cui raccontiamo il mondo.

Con i testi di Andrea Capra, professore ordinario presso il Dipartimento di Studi letterari, filologici e linguistici dell’Università degli Studi di Milano, “Odissea” (cartonato con dorso in tela, 416 pagine, 25 euro), disponibile in libreria e online, prende il là dal luogo dove Odisseo smarrì la via di casa per intraprendere il suo viaggio tra sogno e realtà: il promontorio di Capo Malea. Tra isole misteriose, creature leggendarie, dèi volubili e mari sconfinati, le pagine accompagnano, o meglio ancora guidano, il lettore in un viaggio che non smette di parlarci e stupirci. Come scrive Aurélien Police in coda al volume: «Se tantissimo è già stato detto e scritto sull’Odissea, sono convinto che resti ancora un gran numero di fessure da esplorare».

Info: www.ippocampoedizioni.it

Fumettista, animatore, illustratore e graphic designer, Zezelj – che ha studiato pittura classica, scultura e stampa presso l’accademia di Belle arti di Zagabria, è tornato con un graphic novel «potente e necessario», come lo descrive Eris Edizioni. Con la casa editrice torinese l’artista croato ha già realizzato sette volumi a fumetti: Babilon (2017); Cappuccetto Rosso Redux (2018); Days of Hate, atto primo e Days of Hate, atto secondo (entrambi pubblicati nel 2019); Fractalia: frammenti di Vincent Van Gogh (2020) e Il capo dei cervi (2022). Quattro anni dopo è la volta di Guerra giusta (cartonato, 104 pagine in bianco e nero, 25 euro) che conferma la sua innata capacità di fondere, con estrema abilità, narrazione e ricerca visiva. Ambientato in un territorio di guerra, in un tempo sospeso, la vicenda raccontata da Zezelj per immagini e parole segue la storia segue Vanja e Vanja, un ragazzo e una ragazza con lo stesso nome, che affrontano i rischi del conflitto in atto come se fosse un gioco.

In questo scenario tanto instabile quanto frammentato, tra i calcinacci di edifici distrutti (“bello è il brutto e brutto è il bello. Voliamo nella nebbia e l’aria sporca”) l’autore del volume – che vive e lavora tra Brooklyn e Zagabria – tratteggia la sopravvivenza come una sfida costante, tra realtà ed evasione dalla stessa. Così, con la leggerezza (incoscienza?) della loro gioventù, sia in senso fisico sia emotivo, i due protagonisti di “Guerra giusta” attraversano il mondo in decadenza. Fugaci, ma non per questo poco profondi, momenti di condivisione, di tenerezza, di divertimento ed evasione (“ho sempre desiderato essere una farfalla”) nonostante tutto, saltando sulle macerie attorno a loro. È solo una “guerra giusta” (appunto), una delle tante di un presente caratterizzato da conflitti che devono essere portati avanti. Ma anche di genocidi giustificati (ci ricorda qualcosa?), di realtà virtuale, di democrazia selettiva, di grida che faticano a farsi udire.

L’intera opera di Zezelj – maestro indiscusso del bianco e nero, i suoi lavori sono stati pubblicati in tutta Europa e in America, con case editrice di prim’ordine, ruota attorno alla figura dell’ossimoro, chiave concettuale che attraversa ogni livello della narrazione (“sono una tigre buona. Un ossimoro. Ladro onesto. Piccolo gigante. Sorriso triste. Villaggio globale”). Il titolo stesso del graphic novel simbolizza la tensione tra opposti, restituendo al lettore una riflessione profonda sul tema, decisamente attuale, della guerra e del linguaggio con cui la si racconta. Nella postfazione del volume, la webmaster e graphic designer Marianne Dubacq scrive: «Forse la natura di quest’opera, in fondo, ci provoca mettendoci di fronte al nostro riflesso sociale, che contiene fonti inverificabili, molteplici voci che si annullano a vicenda. Come uscire dal prisma attraverso il quale la verità ci viene raccontata». Una lettura come Guerra giusta può essere un buon punto d’inizio per trovare le risposte che cerchiamo.

Info: www.erisedizioni.org

Durante il festival verranno insigniti del prestigioso Romics d’Oro Paola Barbato, scrittrice e sceneggiatrice nota per il suo apporto alle storie di Dylan Dog, pubblicato da Sergio Bonelli Editore, e per la sua carriera nella narrativa thriller; Stefano Bessoni, regista, illustratore e maestro della stop-motion, rinomato per il suo stile visionario, che coniuga fiaba, scienza, entomologia e anatomia; e Max Bunker, una delle colonne portanti del fumetto italiano, celebre per aver creato personaggi e serie entrati nella storia del fumetto come Alan Ford, Kriminal e Satanik. Il Romics d’Oro verrà assegnato anche ai già citati Takeshi Koike e Simone Legno, oltre che a Ian Livingstone, rinomato autore e game designer britannico, pioniere dell’entertainment interattivo e dei giochi di ruolo. Co-fondatore di Games Workshop ed Eidos Interactive, Livingstone ha contribuito alla diffusione di Dungeons & Dragons in Europa e al lancio di franchise storici come Tomb Raider e Warhammer.

Restando in tema di premiazioni, nell’edizione autunnale 2026 di Romics (che conta oltre 400 espositori, con eventi in contemporanea distribuiti nei cinque padiglioni e in uno spazio espositivo di oltre 70.000 metri quadrati) il riconoscimento “Romics Special”, dedicato alle nuove frontiere creative, viene assegnato a Laura Pérez e Dan Walker. La prima è un’illustratrice spagnola e autrice di graphic novel, famosa per il suo stile evocativo e raffinato, che ha firmato opere come “Ocultos” (Astiberri Ediciones) e “Nocturnos” (Oblomov Edizioni). Walker è invece un concept designer britannico per il cinema e la televisione, autore dell’immaginario visivo di oltre 75 produzioni, da Star Wars a The Dark Knight Trilogy e Doctor Who. Romics a Fiera Roma è anche sinonimo di mostre: dalle personali alle collettive, fino agli approfondimenti dedicati agli artisti premiati. Tra queste, “T’immagini Pinocchio”, un viaggio attraverso le creative interpretazioni del burattino più famoso al mondo, nato dalla penna di Carlo Collodi, raccontate attraverso il lavoro di illustratori, registi, costumisti, marionettisti e scenografi. E ancora, “Paolo Barbieri: trent’anni di immaginazione”, per conoscere o approfondire le creature, i miti e le visioni di uno degli illustratori italiani più riconoscibili e stimati anche oltreconfine. In rassegna ci sono tavole originali, studi, matite, illustrazioni, copertine, stampe e materiali d’archivio.

Si prosegue con la mostra “Villains: le radici del male”, che spazia nei principali universi narrativi del fumetto made in USA, mettendo al centro antagonisti, antieroi, supervillain e semplici “cattivi”. Completano il percorso espositivo “L’arte di Dan Walker”, “Takeshi Koike e Lupin III” e “Stefano Bessoni tra illustrazione, animazione e cinema”. Ampio spazio, poi, agli incontri con artisti italiani e internazionali: dal fumettista statunitense Darick Robertson al nordirlandese John McCrea, fino a Mikel Janin ed Elena Casagrande, due tra i disegnatori più affermati in ambito europeo nel fumetto americano dell’universo DC Comics. E ancora, l’incontro con Mirka Andolfo, tra le disegnatrici e autrici italiane più poliedriche e innovative, apprezzata anche all’estero e premiata con il “Wacom Visionary Artist Award”; e l’appuntamento con Mark Coulier, maestro britannico del make-up e degli effetti speciali, vincitore di tre premi Oscar e tre Bafta awards per “Povere creature!”, Grand Budapest Hotel e The Iron Lady, oltre che più volte candidato per il suo lavoro nella saga di Harry Potter e in altri grandi franchise. Zerocalcare torna a Romics per una chiacchierata guidata dal giornalista Riccardo Corbò. Tra gli altri protagonisti ci saranno Barbara Canepa, firma di universi cult come W.i.t.c.h. (Giunti Editore), Monster Allergy (Tunué), Sky Doll (Tunué) e Greenwood (Tunué); Paola Barbato, sceneggiatrice di Dylan Dog (Bonelli Editore) e autrice di romanzi per ragazzi; i fumettisti Leandro Fernández e Otto Schmidt, tra i maggiori talenti del fumetto targato DC Comics e Marvel; e il fumettista R. M. Guéra.

Spazio anche al gaming, ai concerti e ai minifestival, come “Heroes International Film”, dedicato alle “maestranze” del cinema e della serialità. Sul fronte musicale, per la prima volta saliranno sul palco di Romics i fratelli Guido e Maurizio De Angelis, che proporranno alcune delle loro più celebri e indimenticabili colonne sonore, dai film con Bud Spencer e Terence Hill alle sigle cult come Sandokan. A loro si affiancherà l’intramontabile Cristina D’Avena, iconica voce delle sigle dei cartoni animati amata da generazioni di spettatori. E tanto altro ancora, con il programma completo disponibile su romics.it, per un’edizione, quella di ottobre 2026, che rappresenta al tempo stesso un momento di festeggiamento e un’occasione per guardare al futuro: tra nuove connessioni, valorizzazione del talento artistico e condivisione della passione per l’immaginario in ogni sua possibile declinazione.

Info: www.romics.it