Al centro un solo territorio, la Toscana, con le sfumature diverse e complementari della sua cucina capace di spaziare dal pescato e dagli orti affacciati sul mare, all’entroterra dove la tenuta agricola biologica di Villa Petriolo costruisce la propria identità attorno a un ecosistema agricolo. Settembre con il clima ancora dolce che sfuma colori e sapori, è il periodo dell’anno ideale per lavorare sulle ‘affinità’. “E’ un momento particolarmente suggestivo per chi cucina: gli ingredienti conservano ancora la luminosità dell’estate, ma iniziano già a esprimere una maggiore profondità. Con Stefano abbiamo costruito il menu partendo da questo passaggio e lasciando che fossero i prodotti, il territorio e le rispettive sensibilità a indicarci la direzione, ha commentato Francesco Ferretti. La sequenza di piatti, degustati insieme a Roberta Davanzo, area general manager Italia per Miramis, ha incluso dal ‘Rinascimento di Cinta’, dedicato alla Cinta Senese biologica, al gran finale dedicato all’Argentario, dove il pomodoro viene reinterpretato in un equilibrio tra orto, dolcezza e freschezza mediterranea, prima delle praline “Mare, terra e aria”, pensate per racchiudere in un solo piatto i profumi della Toscana. “Ho voluto reinterpretare la classica cucina toscana in chiave moderna avendo sempre un ricordo della tradizione riportandoci al passato con gli ingredienti che rappresentano la tenuta di Villa Petriolo” ha aggiunto, Stefano Pinciaroli. E il giorno seguente? Sole, mare e buona cucina all’Isolotto Beach Club.

Helmut Newton, Elsa Peretti as a Bunny, Costume by Halston, New York, 1975, è stimato 200.000–300.000 dollari. Fotografia, moda, design, gioiello: basta il soggetto per rendere meno nette le pareti. Phillips aggiunge qualche numero. Nel 2025 il 25% degli offerenti nelle sue Luxury sales di New York proveniva dalla clientela Fine Art; il 37% dei lotti fotografici di maggior valore era stato acquistato, o conteso, da clienti Luxury.

Sono dati Phillips, non dell’intero mercato. Ma il segnale c’è. Il collezionismo specializzato resta, mentre gli interessi possono sovrapporsi. Orologi, fotografia, arte, design: le categorie restano, il collezionista può abitarne più d’una.

La settimana del 3–9 ottobre sembra fatta apposta per aprire le porte.

Orologi, fotografie, gioielli, automobili, tappeti. E vino. L’8 ottobre Ansuini 1860 Aste porta a Roma Vini e Distillati. Una bottiglia all’asta viaggia senza muoversi. Catalogo digitale, offerte a distanza, compratori oltre confine. Le fiere portano il pubblico in Italia. L’asta può portare l’Italia al pubblico. Due strade diverse; la seconda merita attenzione anche come strumento di diffusione del vino italiano.

Il’9 ottobre, sempre Ansuini 1860 Aste porta all’incanto gli arredi e le opere d’arte della villa romana di Aldo Gucci alla Camilluccia. Una Open Sale in cui il nome del grande protagonista della moda italiana aggiunge agli oggetti il peso di una provenienza e la memoria di una casa.

Poi c’è una macchina che sembra arrivare da un altro mondo. Mezza auto, mezza carrozza. Elettrica. Ha 117 anni ed è una Detroit Electric Model D, Type K Brougham del 1909, probabilmente la più antica Detroit Electric sopravvissuta e una delle sole due conosciute con la primitiva trasmissione a doppia catena. A Hershey, il 7–8 ottobre, RM Sotheby’s la propone con una stima di 120.000–160.000 dollari. Il futuro? Nel 1909 era già parcheggiato davanti casa.

Intanto l’antico rialza la testa. A Parigi la collezione Graziella Patiño de Ortiz Linares ha totalizzato 38,7 milioni di euro, ma il numero da osservare è un altro: il 64% dei lotti ha superato la stima superiore. Fragonard, con L’Instant désiré, è arrivato a 10,6 milioni; Christie’s indica un risultato superiore a tre volte la high estimate. Watteau, con L’Île enchantée, ha raggiunto 10,37 milioni. Christie’s

Una vendita non basta per proclamare il ritorno dell’antico. Qui siamo davanti a opere di qualità altissima e provenienze importanti. Ma proprio la distanza fra stime e aggiudicazioni merita attenzione. Le stime guardano anche a ciò che il mercato ha fatto; quando i compratori corrono molto più avanti, qualcosa si sta muovendo.

E qualcosa si muove anche a New York. Da Phillips Yves Klein, con Monochrome bleu sans titre (IKB 321), stimato 100.000–150.000 dollari, ha raggiunto 335.400 dollari. Fairfield Porter, da 50.000–70.000, è arrivato a 148.350; Gertrude Abercrombie, da 50.000–60.000, a 109.650. Tre opere molto diverse. Tre scarti importanti dalle stime.

Antico, contemporaneo, fotografia, gioielli, automobili, vino. Le categorie servono alle case d’asta per ordinare il mercato. Il collezionista è più libero: può passare da un orologio a una fotografia, da una bottiglia a un’automobile elettrica del 1909, mentre a Parigi l’antico torna a farsi contendere.

Le stanze restano. Ma le porte sono aperte.

E’ sempre più difficile incontrare una persona che nel raccontarti la sua vita ti fa da subito percepire una qualche affinità, seppur nella completa diversità di età, percorso personale e professionale.

Federico sin da piccolo ha una passione per il mondo dei graffiti, e lo skateboard, si laurea nel 2006 in Scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, senza mai smettere di intervenire sui muri per le strade di Milano e sui vagoni dei treni in movimento, con lo pseudonimo Cruz, per poi passare a fare opere di street art in cui spesso ricorre il simbolo di una iena, fino al punto che il suo nome d’arte da Cruz diventerà iENA CRUZ.

La “vera” formazione di Iena Cruz avviene grazie alla collaborazione con “The Bag Art Factory”, un collettivo di pittori, scultori e scenografi (tra cui Andrea Ravo Mattoni, Omar TDK e Fabio Roncato), con cui elabora un suo stile e linguaggio sempre più urbano ma, soprattutto, acquisisce una vera e propria imprenditorialità: i componenti del collettivo sono manager di sé stessi, collaborano tra loro all’insegna del massimo affiatamento, lavorando ognuno sulla propria arte ma con una continua contaminazione tra diversi stili, tecniche e materiali. E poi allestiscono, si dedicano ad attività che vanno ben oltre al dipingere, allo stampare o allo scolpire, arrivando ad avere una propria “presenza” e posizione molto ben definita nella scena artistica milanese. E non solo.

iENA CRUZ negli anni dell’Accademia fa un viaggio nella West Coast degli Stati Uniti e capisce che il mondo che più gli appartiene è proprio lì, la sua lingua (che ancora non conosce bene) è l’inglese, quello che doveva fare a Milano l’ha fatto, oltre non riuscirebbe ad andare, un po’ perché solo chi vive a Milano sa cosa significa vivere in una città tanto cosmopolita quanto chiusa, un po’ perché Iena Cruz è curioso e particolarmente attratto dalla cultura americana. 

E così nel 2010 si trasferisce a New York City, città a sé stante rispetto agli altri stati, il centro del mondo, in primis il centro del mondo dell’arte.

New York è piena di muri perfetti per un giovane street artist, c’è solo un problema: mancano i soldi.

Ma Iena Cruz non si ferma, si dà l’obiettivo di trovare lavoro nel campo della scenografia, cosi inizia a fare photo shooting di moda, dopo solo un anno ottiene il visto O1 per meriti artistici, cosa non del tutto banale, e dopo solo tre anni la Green Card per “ Extraordinary Ability”.

Un giorno vede un grande muro del cinema di Williamsburg, con una superficie di circa 400 metri quadrati, bussa (letteralmente) alla porta del cinema, si propone come mural artist, i proprietari lo invitano nel loro headquarter dove gli chiedono cosa vorrebbe fare su quel muro e a quali costi. Iena Cruz fa una prima proposta, la prima di quella che sarà una lunga serie di botta e risposte e nuove proposte per accontentare i gusti del cliente,  ma alla fine “cambia i vestiti dei suoi supereroi” rispetto al progetto originario, con un ulteriore diverso dettaglio “di poco conto”: il doppio del budget inizialmente previsto. La proposta viene accettata, e dopo il cinema di Williamsburg gli viene chiesto di realizzare un secondo murale sullo storico “Cobble Hill Cinema”.

Questa è la sua prima commissione a New York, che lo porta “fuori” dal mondo delle gallerie d’arte, permettendogli di dedicarsi alle opere in strada, ma non solo. Federico infatti continua a fare photo shooting di moda come scenografo, dipinge a mano borse per stilisti quali Mark Jakobs, e negli anni a venire collabora con Jan Kath in una linea di tappeti con i disegni Iena Cruz, crea oggetti in ceramica, disegna e produce a Jaipur una linea di vestiti con la tecnica artigianale del wood cutting, estende cosi col tempo la sua pratica artistica nel settore dell’interior design, sviluppa “Zurcanei”, Mindset by iENA CRUZ, un brand che traduce il suo universo creativo in oggetti e prodotti di art-design.

Al suo arrivo a New York trova casa a  Brooklyn nel quartiere di East Williamsburg, in un grande loft abitato da due artisti messicani, che diventa casa e studio e  negli anni Federico continua la tradizione di questo working-living space chiamato “Leonard Codex”, dove organizza mostre e incontri a cui partecipa una comunità internazionale tra cui spicca quella messicana di artisti e registi che vivono a New York. Nasce così un nuova contaminazione con la cultura, il cibo e l’arte del Messico, ulteriore dimostrazione della curiosità di Federico. E in questo momento la figura della iena sparisce dalle sue opere e finisce nello pseudonimo, che da Cruz diventa iENA CRUZ. Nei tre anni successivi la sua arte sarà contraddistinta dalla figura dell’occhio, che rappresenta un mandala contemporaneo, simbolo del controllo e della sorveglianza che può portare a una totale adesione, più o meno inconsapevole, alle varie forme di regime. Un’opera di questa fase sarà messa in copertina nella versione di “1984” di George Orwell illustrata da Federico, edita da Rizzoli BUR.

Inizia a fare viaggi sulla East Coast, Miami per la Fine Art Auction Miami, realizza un suo primo muro a Palm Beach dove l’occhio viene sostituito da una serie di animali che realizza con effetti carta strappata e varie texture, definendo lui stesso questo momento come un vero e proprio “taglio” nel suo percorso artistico, che continua a essere contraddistinto dalla curiosità, la voglia di sperimentare, di evolvere, fare arte in diverse forme. Nel 2015, gli viene commissionato un Murale dall’Audubon Mural Project gli viene consegnata una lista di uccelli in via d’estinzione, Iena Cruz sceglie il Tricolored Heron, un esemplare maestoso e colorato che inspira subito il suo immaginario e  che diventerà figura consistente  nei suoi murales e opere pittoriche.

Il cambiamento climatico  gli animali e loa natura colpiti dai suoi effetti sono stati il fulcro delle sue opere di grandi dimensioni negli ultimi anni, Ma Iena Cruz non è soddisfatto, dal momento che, nonostante la eco mediatica, i suoi muri sono realizzati con bombolette spray, anch’esse fonte di inquinamento, iniziano a creare un contrasto  con la sua sensibilità ed estrema attenzione al tema ambientale e all’emergenza climatica. 

Da qui nasce, ancora una volta, la domanda su cosa stia realmente facendo e verso quale direzione stia conducendo la propria arte: un linguaggio volto a trasmettere un messaggio forte e inequivocabile sull’importanza della tutela dell’ambiente, ma che, paradossalmente, si avvale di spray altamente inquinanti. È proprio da questa contraddizione che emerge l’esigenza di sviluppare una maggiore consapevolezza anche rispetto ai materiali utilizzati, interrogandosi non solo sul messaggio dell’opera, ma anche sull’impatto che il processo creativo comporta.

La risposta arriva nel 2018 quando la non profit “Yourban 2030” gli propone di realizzare un muro a Roma proponendo di utilizzare vernici che assorbono l’anidride carbonica,, superando così il dilemma tra un’arte che incide sull’ambiente ed una pratica artistica più sostenibile,  permettendogli di dedicare tutta la dovuta attenzione al tema ambientale come (quasi) unico protagonista dei suoi ultimi lavori.

Ma le sue riflessioni sul “perché” della sua arte ancora non sono finite: l’utilizzo delle nuove pitture non risolve il dilemma di Iena Cruz nel momento in cui riceve proposte anche da grandi multinazionali al solo fine di promuovere la propria immagine, reputazione e (soprattutto) buona riuscita economica, attraverso canali come la street art e oggi la urban art, sempre più accessibile e apprezzati da tutti. E dice di no, per poi “lacerarsi”, continuare a domandarsi se ne sia valsa la pena rinunciare a grandi opere ben retribuite e con un grande ritorno mediatico (in ogni caso più economico che artistico), rispetto al rimanere coerente con se stesso e il suo pensiero, senza farsi mettere in mezzo a social media e varie polemiche del tutto sterili.

Non a caso, “Libertà o felicità” è una delle sue venti illustrazioni per “1984” di George Orwell, “. Iena Cruz identifica questo passaggio come la chiave di lettura principale di tutto il libro, laddove nella prefazione dal titolo “Arte come resistenza”, Christian Gangitano sottolinea il pensiero che porta Iena Cruz a creare questa illustrazione “scegliere tra libertà e felicità sia un interrogativo che risuona nella vita di ogni individuo e dell’artista stesso, invitando a una profonda riflessione sui valori a cui si desidera aderire”.

“Mind your own business, never lose your compass”, caro Federico.

Avremo modo di vedere le sue nuove opere nella mostra collettiva “Street Art for Planet Earth”, che si inaugurerà il prossimo 28 novembre presso la Galleria Rosso20Sette Arte Contemporanea a Roma, lavori dove si (intra)vedono tracce dei suoi primi graffiti e tag, trasposti nel tempo per proseguire il suo percorso personale e professionale in continua evoluzione.  

Tra i primi a raggiungere la preview Mariolina Bassetti (Christie’s Italia), Federica Formilli Fendi, Fabiana e Federica Balestra, Anna Coliva, Laura Bosetti Tonatto, creatrice di profumi di fama internazionale e Vittorio Sabadin, autore di libri sulla royal family britannica, Antonio Valentino, presidente dell’associazione Giovani Collezionisti, Paolo Tinarelli, collezionista di abiti storici e Roberta Michele, sorella di Alessandro Michele, direttore creativo di Valentino.  

Sostano davanti a un Fontana con sfondo rosso e pietre di vetro e un astratto di Gerhard Richter i collezionisti Alfio Puglisi Cosentino, Laura Emanuele, Federica Pecci Ruggieri, Roberto Lombardi, Maria Sole Vismara Curró, Micol Veller, Sonja Kehl, Roberto e Virginie Haggiag. Arrivano anche gli artisti Alberto di Fabio, Claudia Palmira, Francesca Cesaroni, Giovanni Tommasi Ferroni e Maya Kokocinski, la jewelry designer Giulia Barela, le galleriste Erica Ravenna Fiorentini e Tamara Borghini, Giorgio Starace, ex ambasciatore d’Italia in Russia, e ancora tra gli altri Guglielmo Giovanelli Marconi, Gaia Moncada di Paternò, Maria Fernanda Stagno d’Alcontres, Blasco Notarbartolo di Villarosa, Elettra de Angelis, Caterina Mancinelli Scotti, Maria Cristina Gasche, nipote di Paola del Belgio.

Il risultato arriva mentre la geografia del mercato si allarga. L’arte sudasiatica trova domanda a New York e il 29 settembre torna in sala a Londra. Più a Oriente Hong Kong concentra le grandi vendite, mentre Seoul e Tokyo acquistano spazio nel calendario internazionale. Piazze diverse, mercati diversi, un movimento sempre meno raccolto attorno ai centri tradizionali.

Dal 28 settembre al 4 ottobre il peso maggiore si sposta a Hong Kong. Sotheby’s apre il 28 con The Foujita Lexicon e la Modern & Contemporary Evening Auction. Qui Untitled (Plum and Dark Brown) di Mark Rothko, del 1964, è stimato 78–128 milioni di dollari di Hong Kong. Seguono Christie’s con XX e XXI secolo e Phillips con arte e gioielli. Uno zaffiro Kashmir non riscaldato di 9,86 carati guida questi ultimi con una stima di 7,5–9,5 milioni di dollari di Hong Kong.

Parigi cambia registro. Christie’s disperde il 30 settembre la collezione di Jeanne-Marie de Broglie, figura storica della stessa casa d’aste in Francia. Tra gli oltre 150 lotti compare un pezzo unico di Diego Giacometti: il tavolo Berceau, realizzato intorno al 1981 con Séraphine, il Jack Russell della principessa, al centro della composizione. Per presentarlo de Broglie organizzò una cena in casa con Giacometti e pochi invitati. Stima 400–600 mila euro. (Christie’s)

PIASA guarda al design italiano. Seoul entra con K Auction, Tokyo con Mainichi. Vienna propone design, tappeti e grafica; New York arte del dopoguerra e contemporanea. Libri e manoscritti, strumenti musicali e automobili completano il quadro.

Cosa osservare

La settimana offre due segnali. Il primo è geografico: Hong Kong mantiene il peso economico, ma Seoul, Tokyo e il mercato sudasiatico rendono più articolata la mappa. Il secondo riguarda gli oggetti. Alla grande pittura si affiancano gioielli, design, automobili, manoscritti e strumenti musicali; comparti specialistici con pubblici e dinamiche proprie.

Londra sarà un passaggio interessante. Dopo il tutto venduto di Christie’s a New York, Sotheby’s riporta in asta l’arte moderna e contemporanea sudasiatica. Un confronto ravvicinato, a tredici giorni di distanza, fra due case e due piazze.

Le aste passate

Il segnale più forte resta quello del 16 settembre. Christie’s New York: 100% venduto, 22,57 milioni di dollari, otto record. Untitled (Seated Figure) di Benodebehari Mukherjee ha raggiunto 128.000 dollari, stabilendo il nuovo record d’asta per l’artista.

A Milano cambia la scala. Nell’asta Sport de Il Ponte un cronografo automatico Mercedes dedicato a Rudolf Caracciola, stimato 150–200 euro, è arrivato a 1.430; un libretto della Scuderia Ferrari, stimato 300–400 euro, a 1.170.

Milioni a New York, migliaia di euro a Milano. Mercati lontani per dimensione, accomunati dalla stessa indicazione: quando la domanda riconosce un oggetto, la stima diventa soltanto il punto di partenza.

Si comincia il 22 settembre. Artcurial apre a Parigi un pied-à-terre sul Champ-de-Mars legato al gusto Rothschild. A Milano Il Ponte porta all’asta la collezione di Gerolamo Etro. Cambi entra nella Wunderkammer di Ettore Mocchetti. Libri, curiosità, oggetti d’arte.

Il 23 arriva Patiño. Christie’s porta a Parigi la collezione di Graziella Patiño de Ortiz Linares. Dipinti, mobili, argenti. Secoli di storia raccolti dentro una casa.

Londra risponde con Park View da Dreweatts. Il 24 Aguttes presenta a Neuilly-sur-Seine la raccolta africana di Pierre Redouin. Il 25 Dorotheum apre una collezione Jugendstil viennese. Doyle mette in vendita Boston Collects. Artcurial spalanca le porte del Ritz Paris.

Due settimane fa Guanti Bianchi guardava agli indipendenti dell’orologeria. Da Ginevra arrivano altri numeri. Phillips vende un Berneron Mirage 34 “Chrysoprase” per 406.400 franchi, contro una stima di 50.000–100.000. Un Daniel Roth, calendario perpetuo nato dalla collaborazione tra Roth e Philippe Dufour, parte da 30.000–60.000 e arriva a 203.200 franchi. Il Berneron moltiplica per quattro la stima alta, il Roth per più di tre. Due nomi, due risultati. Gli indipendenti continuano a guadagnare spazio.

Poi c’è un oggetto.

Parigi, 1704. Nicolas Delaunay, orafo di Luigi XIV. Una brocca e il suo bacile in argento dorato arrivano da Christie’s con la collezione Patiño.

Delaunay lavorava per la corte del Re Sole. Di quella produzione resta poco. Christie’s segnala due soli esempi conosciuti in argento dorato. L’altro, datato 1697 e conservato nella cattedrale di Poitiers, ha perduto il bacile. Quello Patiño conserva ancora la coppia.

Tre secoli insieme. Orafo, corte, collezionisti, passaggi di proprietà. La provenienza diventa parte dell’oggetto.

Intanto il calendario continua. Hong Kong mette in fila orologi, gioielli e accessori. Londra passa dalle fotografie alle stampe. Milano attraversa design, modernariato e arte contemporanea.

Il 26 cambia ancora scena. Phillips porta a New York Modern & Contemporary Art. A Zurigo RM Sotheby’s accende i motori di The Zurich Auction.

Quasi quaranta aste in sei giorni.

© Istituto della Enciclopedia Italiana fondata da Giovanni Treccani – Riproduzione riservata

1. Improvvisazione

“Non ho mai cercato di suonare la musica del mio tempo

Ho sempre cercato di pormi al di fuori del tempo”

(Ornette Coleman)

Il primo significato di improvvisazione è “l’atto, il fatto d’improvvisare”, derivante da “frettolosità, mancanza di studio o di meditazione, se non anche faciloneria”.

Quanto è attuale l’improvvisazione? Quante persone improvvisano quotidianamente nella vita professionale e, ahimè, nei rapporti personali? In quello che fanno, dicono e scrivono senza pensare, nel modo in cui si pongono nei confronti dell’altr@, senza considerare che modi e parole hanno conseguenze.

Intanto che problema c’è? E quand’anche ci fosse un problema, non li riguarda. Esempi? Semplice, capi di stato che cambiano orientamento politico, economico e sociale (e in alcuni casi i confini territoriali di certi paesi) a giorni alterni, creando un modello di comportamento seguito dai più, per poi arrivare a lamentarsi della instabilità e incertezza della situazione geopolitica globale, dove vige la legge del più forte e l’economia è contraddistinta dalla massima volatilità.

Si parla di una tattica di c.d. “chaos by design”, ma è improvvisazione pura: più hanno potere più improvvisano, specie quelli che hanno avuto il potere “improvvisamente”, senza saperlo gestire.

E’ iniziata l’Era della Imprevedibilità.

• Free Jazz – A collective improvisation

Il secondo significato di improvvisazione è “arte e uso di comporre versi all’improvviso, senza preparazione e meditazione, o di comporre musica nell’atto stesso di eseguirla”.

Comporre musica nell’atto stesso di eseguirla: nell’estate del 1960 il sassofonista Ornette Coleman organizza sedute di registrazione in cui “esprimevamo le nostre idee ed emozioni il più possibile attraverso l’elettronica”, spiega Coleman. E gli “electronics” negli Anni 60 erano più efficienti e diretti nel catturare sentimenti ed emozioni rispetto a quelli di oggi.

Il 21 dicembre 1960 Ornette Coleman incide “Free Jazz” con un doppio quartetto, stereofonicamente: sul canale di sinistra si ascoltano Ornette Coleman, Don Cherry, Scott LoFaro e Billy Higgins, mentre sul canale di destra Eric Dolphy, Freddie Hubbard, Charlie Haden ed Ed Blackwell.

“Free Jazz” viene registrato in un’unica sessione (“take”) di 38 minuti e 23 secondi, senza alcuna interruzione, masterizzata così come è stata suonata dal doppio quartetto, nessuno “splicing or editing”: un disco realizzato in poco più di mezzora di improvvisazione pura che dà inizio a un nuovo stile musicale.

Coleman a inizio registrazione invita il doppio quartetto a cercare di “(…)  riprodurre la musica e non il sottofondo (…) poiché la musica dovrebbe esprimere direttamente e immediatamente le nostre idee e le nostre emozioni, anziché fare da sfondo a idee ed emozioni”.

E continua spiegando che “in musica abbiamo quello che è conosciuto come melodia, armonia, movimenti, ritmo e dinamiche, e quello che normalmente si intende per contrappunto. Ma, di fondo, l’armolodia ha a che fare soltanto con tutto quanto sia uguale istantaneamente. Non hai bisogno di avere una melodia per avere armonia, non hai bisogno di avere un’armonia per avere una melodia, non hai bisogno di avere un ritmo per avere tempo, non hai bisogno di dinamiche per avere una forma. In altri termini, l’armolodia sta al suono come il parlare sta alla lingua. Tu non parli con la lingua: con la lingua ti limiti a formulare le parole”.

• Una musica spontanea e piena di humour

In uno dei suoi “Racconti in Jazz”, Murakami Haruki narra che[1] “All’inizio degli anni Novanta Ornette Coleman è venuto in Giappone insieme alla sua band, di cui faceva parte anche suo figlio, e ha tenuto un concerto all’aperto nel parco di divertimenti Yomiuri Land, nel quartiere di Ta-ma a Tokyo. Era una domenica pomeriggio, e io ho assistito al concerto bevendo tranquillamente una birra. Con mia grande sorpresa, e al tempo stesso con un senso di disorientamento, dovevo constatare che Ornette Coleman suonava in modo spontaneo e pieno di humour. Perché fino ad allora avevo sempre nutrito la ferma convinzione (come probabilmente la maggior parte delle persone) che Coleman fosse invece provocatorio e intellettuale, fondamentalmente difficile da capire”.

Come si fa a ricominciare a improvvisare in quello stesso “modo spontaneo e pieno di humor”, con la stessa sensazione di sorpresa e disorientamento che prova Murakami dovendo ricredersi circa il fatto che la musica di Coleman fosse intellettuale e difficile da capire? Come riuscire a prendere la vita con la leggerezza di Italo Calvino, “(…) leggerezza non è superficialità, ma planare sulle cose dall’alto, non avere macigni sul cuore”?

• Il mistero della creazione artistica

“Fra gli innumerevoli enigmi insolubili del mondo, quello della creazione rimane per sempre il più profondo e il più misterioso. Persino il poeta, persino il musicista, sarà più tardi incapace di spiegare l’istante della sua ispirazione”

(Stefan Zweig, “Il mondo di ieri”)

Altro significato di improvvisazione è “l’opera letteraria o musicale (…), che si compone improvvisando”.

Uno dei migliori esempi di estemporaneità dell’azione creativa nell’arte moderna è “White Light”, la tela di Jackson Pollock del 1954 (oggi nella collezione del MOMA di New York), che Ornette Coleman sceglie per la copertina di “Free Jazz”, perfetta raffigurazione della sua musica espressione di sentimenti ed emozioni.

Quanta parte ha l’improvvisazione nella realizzazione di un’opera d’arte, figurativa, scultorea, letteraria o musicale che sia?

Nella conferenza “Il mistero della creazione” tenutasi a New York nel 1939, Stefan Zweig definisce il processo creativo come un fenomeno divino: “qualcosa viene alla luce all’improvviso per sopravvivere a questo e a tutti i tempi”. Di tanto in tanto possiamo sperimentarlo nell’ambito dell’arte, nel momento in cui una persona qualunque all’improvviso riesce a fare “qualcosa” che a tutti noi è negato, così sconfiggendo il tempo[2].

Il concepimento di un’opera d’arte è un processo interiore, che parte dal “non – essere presente” dell’artista, un vero e proprio distacco da sé stess@ per trovarsi come in uno stato di trance. Dove? All’interno della sua opera.

Zweig definisce questo momento iniziale “inspiratio”, cui segue la trasposizione dell’idea dal mondo spirituale al mondo sensibile, dalla visione alla realtà, attraverso il lavoro preparatorio dell’opera d’arte e un continuo lavoro di ricerca, accompagnato dalla tecnica acquisita negli anni dall’artista.

L’ispirazione improvvisa da un lato, il lavoro intellettuale di studio e tecnica dell’altro, sono i due poli che producono la “scarica creativa”: inconsapevolezza e consapevolezza, ispirazione e tecnica, ebbrezza e sobrietà, due estremi tra i quali l’artista deve trovare un giusto equilibrio creativo, cercando sempre di rimanere totalmente liber@ da vincoli di forma, estetica o mercato.

L’idea che dall’incontro di due elementi opposti non nasca una semplice somma, ma un terzo elemento completamente nuovo ed evoluto, è alla base della “Formula della Creazione” di Michelangelo Pistoletto, sintetizzato nell’equazione (1 + 1 = 3), i cui tre elementi sono rappresentati dai tre cerchi della sua opera d’arte del Terzo Paradiso[3].

• La parola agli artisti

“Il Terzo Paradiso è il grande mito che porta ognuno di noi ad assumere una personale responsabilità nella visione globale”. A partire dal 2003, Pistoletto invita ogni persona a prendere parte alla sua opera collettiva e in continuo divenire, assumendo il ruolo di “giardiniere”: dal momento che il termine “paradiso” deriva dall’antica lingua persiana e significa “giardino protetto”, tutti noi siamo i giardinieri che devono proteggere questo pianeta e curare la società umana che lo abita[4].

In tal senso, già Joseph Beuys diceva che “ogni persona è un artista”, ampliando il concetto di arte verso una nuova idea di creatività umana, non più circoscritta alla sola manifestazione artistica, ma estesa ad altre discipline, in primo luogo la politica e l’economia, e con esse tutte le problematiche sociali che necessitano di una reale e radicale trasformazione[5]. “Durante i miei studi in Accademia, ho scoperto che la domanda sulla scintilla e sulla fonte dell’arte, sull’esigenza del mondo di progredire ed evolvere tramite l’arte, doveva in definitiva rimanere irrisolta”.

Un po’ di calviniana “leggerezza”? Ecco un suggerimento di Andy Warhol: “non pensare di fare arte, falla e basta. Lascia che siano gli altri a decidere se è buona o cattiva, se gli piaccia o gli faccia schifo. Intanto mentre gli altri sono lì a decidere tu fai ancora più arte”. Nell’esergo del capitolo “Art” in “The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)”, troviamo un’altra preziosa indicazione del maestro della pop art[6]: “Prendi un po’ di cioccolato … prendi due fette di pane … metti la caramella al centro e ne fai un panino. Questa sarebbe una torta”, senza dimenticare che per spiegare cosa  fosse alla base di tutta la sua attività della Factory, Warhol diceva che “far soldi è arte, lavorare è arte e fare affari è la miglior arte possibile”.

Andy Warhol, “Making Money Is Art”

Passando dalla pop art alla musica, David Byrne mette in discussione l’idea che l’opera d’arte possa nascere solo dall’ispirazione divina, considerando la creatività un processo pratico, adattabile e fortemente influenzato dal contesto[7]. “Ho avuto un’intuizione molto lenta a farsi strada sulla creazione. Quell’intuizione è che il contesto determina in gran parte ciò che viene scritto, dipinto, scolpito, cantato o eseguito (…). Sembra che la creatività (…) sia tanto adattiva quanto qualsiasi altra cosa. Il genio – l’emergere di un’opera veramente notevole e memorabile – sembra apparire quando una cosa è perfettamente adatta al suo contesto”. Byrne sostiene che per fare musica “puoi prendere di tutto – suoni della strada, noi che stiamo parlando, quello che vuoi – e renderlo musica organizzandolo. (…) L’atto di fare musica, vestiti, arte o persino cibo ha un effetto molto diverso, e possibilmente più benefico, su di noi rispetto al semplice consumare quelle cose.”

• Una collezione di opere armolodiche

Ispirazione e improvvisazione danno luogo alla “estemporaneità dell’azione creativa”, che non sempre basta a far nascere un’opera d’arte, considerando che studio, ricerca e tecnica, senza dimenticare il “contesto”, fanno parte di quello che Stefan Zweig definisce il “mistero della creazione”, o meglio i “mille misteri” del processo creativo, conclude lo stesso Zweig, in linea con la “domanda sulla scintilla e la fonte dell’arte” di Joseph Beuys rimasta irrisolta.

Goethe diceva che “non si conosce un’opera d’arte se la si vede solamente finita, ma bisogna averla conosciuta anche nel suo divenire”. Solo stando al fianco dell’artista si può veramente cogliere l’atto creativo, “(…) quell’indescrivibile momento in cui, all’interno di noi esseri umani, il limite terreno delle cose effimere finisce e l’eterno ha inizio”, citando Zweig.

Un nuovo “double quartet” di artisti rappresenterà con pittura, scultura, fotografia e performance l’armolodia di Ornette Coleman, in una versione Anni 20.5 non molto diversa dagli Anni 60, raccontando come nasce una loro opera nell’attuale contesto geopolitico e geoeconomico dove libertà, diritti umani e ambiente, convivono (o dovrebbero convivere) con sostenibilità, innovazione e intelligenza artificiale. Da Ornette Coleman, John Coltrane e Sonny Rollins e il Movimento Black Power di Martin Luther King e Malcom X negli Anni 60 fino ad arrivare a oggi con Kamasi Washington e il Movimento Black Lives Matter, il jazz ha sempre accompagnato temi politici e sociali, lotte per i diritti civili e antirazziste in primis, a partire dagli Stati Uniti per espandersi in tutto il mondo.

Goethe diceva: “Le parole sono belle, ma le opere parlano”. La parola agli artisti …

[1] Murakami Haruki – Wada Makoto, “Ritratti in jazz”, Einaudi, pagg. 166 ss.

[2] Stefan Zweig, “Il mistero della creazione artistica”, Pagine d’Arte, 2018

[3] Michelangelo Pistoletto, “La Formula della Creazione”, Cittadellarte, 2022

[4] www.terzoparadiso.org

[5] Joseph Beuys, “Cos’è l’arte?”, a cura di Volker Harlan, (etcetera), Castelvecchi, 2015

[6] Andy Warhol,”The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)”, 1975

[7] David Byrne, How Music Works, Goodreads, 2013

Pechino ha protestato. Seoul ha precisato che la scelta appartiene alla fondazione indipendente che organizza la Biennale e non modifica la politica sudcoreana.

Un nome, un padiglione, il ritiro della Cina. È bastata una parola per cambiare la Biennale

Intanto, a Frieze Seoul, il mercato corre su due binari. Più di 70.000 visitatori e presenze da 54 paesi e regioni. Un’opera di Yoo Youngkuk è stata venduta per circa 1,6–1,85 milioni di dollari, il prezzo più alto raggiunto da un artista coreano nelle cinque edizioni della fiera. All’altro estremo, piccoli lavori sono stati venduti a partire da 70 dollari. Stessa fiera, due mercati.

E l’Asia non significa soltanto grandi maison internazionali. Il 12 settembre Shinwa Auction, a Tokyo, mette all’asta un Chagal del 1980 stimato 15 – 25 milioni di yen e un Kandisky del 1931 stimato 4 – 6 milioni. Il mercato passa anche da qui.

Da Hong Kong arriva la sorpresa della settimana. Una piccola figura di cane della dinastia Tang scatena 44 rilanci. Stima: 200.000–300.000 dollari di Hong Kong. Aggiudicazione: 5,248 milioni. Nella stessa vendita Sotheby’s una ciotola Jizhou della dinastia Song raggiunge 10,624 milioni, nuovo record d’asta per questa tipologia. Il cane? Oltre diciassette volte la stima più alta. A volte basta un piccolo oggetto per accendere una sala.

A Londra, questa volta, sotto il martello finiscono i dipendenti. O meglio, le loro opere. Studio 1766 porta all’asta 73 lavori realizzati da persone che lavorano per Christie’s. Ne vengono venduti 44. Solo sei vanno oltre le stime. Una piccola opera di Maria Falco fa però il percorso inverso: 343 dollari contro una stima di partenza di 68. Conoscere il mercato non significa poterlo prevedere.

Sempre in Gran Bretagna cambia anche la geografia delle aste. Dreweatts, Sworders e altre case regionali conquistano grandi collezioni provenienti dalle dimore britanniche che un tempo sarebbero passate quasi automaticamente dalle maison londinesi. Internet ha allargato il pubblico. Le major concentrano l’attenzione sui pezzi di maggior valore. Alle case intermedie arrivano collezioni, provenienze, storie.

In Italia Finarte prova un’altra strada. Il 15 settembre Easy Collecting porta online 178 dipinti da una raccolta milanese. Alcune stime partono da poche decine di euro. L’obiettivo è dichiarato: avvicinare una nuova generazione alle aste. Non è ancora una tendenza. È un segnale da seguire.

E mentre qualcuno cerca il collezionista di domani, Christie’s guarda alla memoria della musica.

Il 17 settembre arriva a Londra la collezione di Johnny Marr, cofondatore degli Smiths. Chitarre, amplificatori e strumenti che attraversano oltre quarant’anni di musica: dagli Smiths ai Pretenders, da Electronic a Modest Mouse, fino alle collaborazioni più recenti.

Ci sono la Rickenbacker 330 legata agli inizi degli Smiths, la Gibson ES-355 con cui Marr compose Heaven Knows I’m Miserable Now e la Fender Jaguar utilizzata nelle registrazioni per No Time to Die. Le stime arrivano a 150.000 sterline.

Ma qui il prezzo racconta solo una parte della storia.

Una chitarra ha legno, corde, elettronica. Questa ha anche una biografia.

Di John Snow sono noti pochissimi esemplari. Dreweatts presenta l’orologio come una rarissima testimonianza delle prime fasi dell’orologeria inglese: un oggetto nel quale gioielleria, tecnica e storia si incontrano in pochi centimetri. Ed è forse un buon punto dal quale osservare la settimana che si apre. Perché il mercato non racconta soltanto prezzi, ma anche riscoperte, cambiamenti del gusto e nuovi territori del collezionismo.

Tra il 5 e l’11 settembre il calendario torna infatti ad animarsi dopo la pausa estiva. Le aste attraversano categorie e città diverse, dall’arte agli orologi, dai gioielli agli oggetti da collezione. Il prospetto raccoglie gli appuntamenti principali della settimana.

Ma per capire dove sta andando il mercato bisogna guardare anche a ciò che è appena accaduto. E uno dei segnali più sorprendenti arriva dall’orologeria.

A New York Phillips ha aggiudicato per 13.922.000 dollari un F.P. Journe Chronomètre à Résonance “Souscription No. 007”, realizzato intorno al 2000. È il record mondiale per F.P. Journe, per un orologio di un produttore indipendente e per un orologio del XXI secolo in un’asta commerciale. Impressiona anche il risultato complessivo: 158 lotti offerti, 158 venduti, per 75,8 milioni di dollari. Guanti bianchi, dunque, per Phillips. Ma soprattutto la conferma che l’orologeria indipendente non è più una nicchia laterale del collezionismo.

Il prezzo, tuttavia, non spiega tutto. A Milano Finarte ha venduto per 387.100 euro Niobe del 1921 di Giorgio de Chirico, top lot del primo semestre della casa. Dietro l’aggiudicazione c’è una storia: l’opera appartenne alla collezione di Monica Vitti, è documentata nel catalogo generale ed è passata attraverso importanti esposizioni. Qualità, provenienza e storia espositiva continuano a costituire un valore che il mercato riconosce.

La stessa casa d’aste, questa volta a Roma, ha mostrato quanto i confini del collezionismo si stiano allargando. Dipinti e lettere giovanili inedite inviate da Lucio Battisti alla madre hanno superato complessivamente 80.000 euro nell’esordio del dipartimento Memorabilia di Finarte. Qui ci si allontana dall’opera d’arte tradizionale: è la biografia stessa a diventare materia da collezione.

E ancora più lontano dai confini tradizionali dell’arte porta una Hermès Birkin Faubourg Rouge Sellier, edizione limitata del 2024, aggiudicata da Christie’s a Parigi per 635.000 euro, nuovo record mondiale nella categoria. L’intera vendita ha totalizzato 5,84 milioni di euro, con il 98% dei lotti venduti, l’83% sopra la stima massima e compratori da 47 Paesi. La borsa non è più necessariamente soltanto moda o lusso: rarità ed edizioni limitate possono trasformarla in un bene da collezione internazionale.

È un mercato che tende ad allargarsi anche oltre le sale d’asta. Dal 4 all’8 settembre Vicenza torna al centro internazionale della gioielleria con Vicenzaoro September: oltre 1.300 espositori e l’intera filiera, dall’alta gioielleria alle pietre, dall’orologeria alle tecnologie. In parallelo, fino al 7 settembre, VO Vintage apre al pubblico il mondo degli orologi e dei gioielli vintage. E dal 4 al 6 settembre VIOFF – Golden Road porta nel centro storico mostre, artigianato, spettacoli e incontri. Non sono aste, ma luoghi nei quali produzione, mercato e collezionismo si incontrano prima che molti oggetti arrivino, un giorno, sul mercato secondario.

Nella stessa settimana Parigi guarda oltre l’Europa. Dall’8 al 13 settembre Parcours des Mondes riunisce gallerie, specialisti e collezionisti delle arti d’Africa, Oceania, Asia e Americhe. Quasi contemporaneamente Artcurial propone la collezione Jean-Jacques Rotthier: fiera, gallerie e asta diventano così facce diverse dello stesso collezionismo internazionale.

E mentre gli oggetti cambiano proprietario, il mercato discute anche di se stesso. Il 9 settembre The Art Business Conference London riunisce professionisti del settore per affrontare le trasformazioni dell’art business. Case d’asta, gallerie, consulenti e operatori si incontrano non davanti a un lotto, ma intorno ai cambiamenti di un sistema chiamato continuamente a ridefinire regole, strumenti e strategie.

Forse, però, il modo migliore per chiudere il giro della settimana è tornare a un singolo oggetto. Nel 1957 un manifesto serviva a portare il pubblico al cinema. Oggi entra da Sotheby’s come oggetto da collezione. È il manifesto britannico originale di The Bridge on the River Kwai, il film di David Lean vincitore di sette Oscar, proposto a Londra il 10 settembre con una stima di 3.000–5.000 sterline. Gli originali britannici del film sono molto ricercati e compaiono raramente sul mercato.

È proprio la sua origine effimera a renderlo interessante. I manifesti venivano stampati per accompagnare l’uscita di un film, affissi, sostituiti e spesso eliminati. Quelli sopravvissuti conservano la grafica, il costume e l’immaginario di un’epoca.

Dall’orologio di John Snow, costruito quattro secoli fa per misurare il tempo, a un foglio di carta nato per durare poche settimane, la distanza sembra enorme. Eppure il meccanismo del collezionismo è anche questo: riconoscere in ciò che sopravvive qualcosa che il tempo ha trasformato. Un oggetto d’uso diventa testimonianza, una testimonianza diventa memoria e, qualche volta, la memoria entra in asta.

Una coppia di visionari, Jeanette e Claus Thottrup, ha creato nel cuore della Toscana più verde e riservata (a Chiusdino, tra Firenze e Siena) una destinazione sofisticata in sintonia con le energie della terra e con le sue infinite qualità e possibilità. Borgo Santo Pietro è un luogo di rara bellezza, armonia e sostenibilità. Un ecosistema dove ogni elemento, dalle risorse naturali a quelle umane, si esprime in una condizione di perfetto equilibrio. E dove la creatività è la benvenuta, con le residenze di artisti che si passano il testimone mese dopo mese per nutrire il proprio talento dell’energia del Borgo: in un padiglione dedicato – l’Artist’s Pavillon – immerso nella quiete del parco di fronte allo specchio di un lago, si tengono costantemente sedute di pittura anche condivise con gli ospiti.

Nella lista, di taglio rigorosamente internazionale, figurano i nomi degli artisti Nebojsa Bogdanovic, Lena Lencek, Kathy Miller, Nick Todhunter, Marisa Curatolo, Ulrika Westenber, Bianca Alongi, e l’elenco continua ad arricchirsi di nuove presenze. Dal 2001, l’anno della scoperta, ad oggi i Thottrup sono costantemente impegnati nella trasformazione di quella che una volta era una villa secolare circondata da campi incolti fangosi, intrecciando i loro background professionali: design, moda, progettazione. Al ‘pellegrino’ del 2026 sorprende come, dopo sette anni di cura tenace, l’idea originaria dei Thottrup di realizzare una casa di famiglia, diventata nel 2008 una tenuta di 200 acri e un lodge di lusso con fattoria biologica (https://borgosantopietro.com/it/), sulla rotta della via Francigena e nelle vicinanze dell’Abbazia Cistercense di San Galgano, sia stata sviluppata ‘sublimando’ le caratteristiche e i valori del territorio.

Nel lento e incisivo percorso di mutamento della tenuta è inclusa la rinascita dell’attigua frazione di Palazzetto (Siena) dove è stato implementato il laboratorio per la produzione di prodotti skincare (Seed to Skin) sviluppati dalla fondatrice di Borgo Santo Pietro e naturalista Jeanette Thottrup insieme alla cosmetologa Anna Buonocore, e basati sulla Green Molecular Science, nuova frontiera della cosmesi naturale. Gli ingredienti – dalle erbe officinali agli estratti botanici- ovviamente provengono dalla tenuta di Borgo Santo Pietro (120 ettari) dove vengono coltivati biologicamente e trasformati al momento della massima potenza: seguire i passaggi di questo processo è una tra le tante esperienze legate ad una realtà dove si entra in contatto diretto con i ritmi della natura, e si torna a sentire con nitidezza il proprio respiro e i propri pensieri.