Per l’occasione, i bartender di Hotel Eden hanno introdotto in carta il signature cocktail che arriva direttamentedel Bel-Air (sister-property dell’albergo romano), dedicato alla personalità dolce e piccante dell’attrice hollywoodiana, frequentatrice assidua dell’hotel di Los Angeles: le note esotiche del rum si uniscono alla freschezza del lime e dello zenzero, al succo d’arancia, al passion fruit e al mirtillo rosso, con un accento di sciroppo al peperoncino. “Riunire opere di Andy Warhol, Mimmo Rotella e Maurizio Galimberti significa mettere in relazione tre sguardi diversi su uno stesso mito, mostrando come un’immagine possa continuamente rigenerarsi e acquisire nuovi significati” ha commentato il gallerista Fabrizio Bosi durante il vernissage nel salotto de La Libreria, scrigno dorato e segreto ben custodito al piano terra dell’Eden.

L’Episodio V TIBIA, ultimo appuntamento del programma artistico-culturale di attivazione della Stagione V – firmata dall’artista internazionale Alicja Kwade con l’installazione ambientale INFRASUPRA (fino al 29 luglio 2026) – ha portato una nuova energia agli unici resti marmorei colorati della Basilica Ulpia (II sec. d.C.) arrivati ai nostri giorni e custoditi al piano ipogeo del Palazzo del Gallo di Roccagiovine. I MASMAS hanno infatti interrogato l’architettura storica estraendone le frequenze di risonanza per costruire poi una serie di strumenti musicali capaci di dialogare con le vibrazioni del luogo: gli elementi sonori e spaziali si sono influenzati reciprocamente, trasformando il concerto in un’esperienza d’ascolto immersiva, instabile e in continua mutazione.

L’Artflix ideato dalla fondatrice di FOROF Giovanna Caruso Fendi, continua dunque a creare emozioni: hanno partecipato al rituale performativo dei MASMAS, tra gli altri, la creatrice di fragranze Laura Bosetti Tonatto con lo scrittore Vittorio Sabadin, i curatori Maria Alicata e Bartolomeo Pietromarchi con Laura Einaudi, la scrittrice Elisabetta Darida, la cantautrice Amalia Grè, Federica Formilli Fendi, l’artista Sidival Fila. A chiusura dell’Episodio, il djset con Alessandrini, Remiddi e Pappalardo alla consolle. 

Come prevede il format, in dialogo con la performance Rimessa Roscioli ha creato questa volta un percorso gastronomico ispirato al rapporto tra materia, tempo e memoria: dal cocktail ‘Resonanza’ (vermouth collettivo botanico, sciroppo di miele di bosco, acqua tonica secca, scorza d’arancia) alla cecina, dalle mezze maniche all’amatriciana estiva al tiramisù. 

Ed è proprio sulla terrazza del cinque stelle di piazza Augusto Imperatore che, in una dolce serata di giugno, è andato in scena il debutto di una elegante celebrazione dello “stile di vita lento” di cui Roma è maestra indiscussa, complici il celebre maestro pizzaiolo Pier Daniele Seu e il gelato firmato dallo chef stellato Niko Romito.

Un’esperienza che si ripeterà sotto il cielo della città eterna a colpi di otto pizze gourmet e di cart golosi che distribuiscono il dolce refrigerio d’autore chez Bulgari. Alla ‘prima’ del concept hanno partecipato le attrici Sveva Alviti e Vittoria Belvedere, oltre alla coppia Luisa Ranieri-Luca Zingaretti che in questo anticipo di estate romana si divide fra vernissage e terrazze.

La coppia Zingaretti-Ranieri, molto vicina alle tematiche sociali spesso rappresentate dall’artista profondamente legato al Rione Sanità dove vive e lavora, ha scelto per la propria collezione il dipinto Meditazioni al Museo. Al vernissage, sono accorsi tanti appassionati d’arte napoletani e romani d’adozione come il regista Tommaso Mottola di Amato, fondatore di Capalbio Cinema, con la sorella Giuliana e la moglie Gørild Mauseth, Giovanni Diana, l’ambasciatore Paolo Andrea Lombardo di Cumia, lo scrittore Carmine Sorrentino e Paolo de Medici. Attratti dai i lavori “cinematografici” anche i collezionisti Maria Sole Vismara Currò, Federica Pecci Ruggieri, Giampiero Ruzzetti, Jacopo Franzan, Luca Dotti, Claudia Piazza Cidonio, Andrea Ansuini, Maria Cristina Sabbadini, Paolo e Anna de Angelis.

Ha scritto Sylvain Bellenger, storico dell’arte e direttore per otto anni del Museo e Real Bosco di Capodimonte a Napoli (dove ha voluto e curato una personale di Paolo La Motta nel 2021): “Questa dimensione storica è la peculiarità ideale della galleria Paolo Antonacci che per tradizione familiare si dedica da sempre all’arte antica, in particolare a quel neoclassicismo romano e napoletano che, dopo il Rinascimento, ha fatto del passato un’avanguardia per tutta l’Europa, portato dai viaggiatori del Grand Tour e dai dilettanti inglesi. L’incontro tra La Motta e Antonacci era scritto in anticipo e oggi non fa che realizzarsi attraverso questa mostra”.

Il progetto espositivo raccoglie una selezione di lavori che indagano il concetto di equilibrio, inteso come un continuo confronto tra elementi opposti: stabilità e precarietà, gesto e controllo, memoria e presente. Le opere, profondamente legate alla città di Roma, nascono da esperienze personali e professionali dell’artista che, nel corso della sua carriera, ha partecipato a numerose mostre collettive e personali in Italia e all’estero, ottenendo importanti riconoscimenti, tra cui il Premio Città di Lissone (2001) e il Premio Celeste (2004). 

Al vernissage l’attore Edoardo Pesce, gli artisti Enzo Cucchi e Piero Pizzi Cannella, il gallerista e regista Fabio Sargentini, l’attrice Valeria Golino. Mauro Di Silvestre ha esposto in istituzioni e contesti internazionali, tra cui il Victoria Memorial Museum di Calcutta, ed è stato invitato a residenze artistiche in Cina e Azerbaijan. Si ricordano le collaborazioni con la Galleria L’Attico di Roma, la partecipazione alla Quadriennale di Roma e diverse personali in gallerie italiane ed europee. Parallelamente all’attività espositiva, ha condotto workshop e masterclass, collaborando con accademie e lavorando anche in ambito teatrale e cinematografico. La mostra è accompagnata da un catalogo con un testo di Valerio Antonio Federico.

Partiamo dal titolo. Perché «Isole»?

Ogni anno cerco un’immagine, non un’etichetta. L’idea di isola, e soprattutto di arcipelago, permette di pensare la musica non come un continente uniforme, ma come una costellazione di punti distinti, ciascuno con la propria identità e in dialogo con gli altri. Ogni concerto, ogni commissione è un’isola che acquista senso nella relazione con ciò che la circonda. C’è anche una risonanza biografica: Henze, al quale dedichiamo un ampio Focus nel centenario, ha vissuto vita e opera come un arcipelago, da Ischia a Cuba. «Isole» non è solo un titolo: è un metodo. Dal 7 luglio al 1° settembre sono oltre 120 concerti, 8 produzioni d’opera e teatro musicale, più di 800 artisti, 32 corsi.

Lei preferisce parlare di «ecosistema» più che di rassegna. In che senso?

Non una somma di eventi, ma un organismo vivo in cui formazione, produzione, creazione, tecnologia e responsabilità sociale si alimentano a vicenda. La prima linea guida è l’integrazione tra alta formazione e grande produzione: la 95ª edizione dei corsi vedrà oltre 400 giovani da più di 50 Paesi, che non studiano separati dal Festival ma entrano nei processi produttivi reali, sugli stessi palcoscenici dei grandi interpreti. La seconda è la committenza, con oltre 40 prime esecuzioni. La terza è la dimensione territoriale e sociale: il Festival si diffonde in tutta la Toscana, trasformando abbazie, chiostri e piazze in palcoscenici.

La committenza è una scelta di fondo. Quali nuove creazioni segnano l’edizione?

Non è un ornamento, è una delle ragioni costitutive della Chigiana: dare voce a linguaggi che ancora non esistono. Al centro ci sono sei nuove produzioni dell’Accademia. La prima, fortissima sul piano civile, è il Requiem per Giulia di Andrea Mannucci, che affronta la violenza contro le donne e debutta il 15 luglio. Presentiamo poi Tell me all. Tell me now di Philippe Manoury, per voce femminile e live electronics, con la vocalist Juliana Snapper e Miller Puckette, autore del software MAX, su un testo dal Finnegans Wake di Joyce, in prima assoluta il 24 luglio. Ma ciò che mi emoziona di più è la creazione che nasce dentro i corsi, dai corsi di Sciarrino e di live electronics: è lì che si percepisce il futuro della musica.

Il cuore dell’edizione è il Focus su Henze. Perché proprio lui, oggi?

Non è una scelta soltanto anniversaristica, ma culturale. Gli dedichiamo il Focus più ampio di sempre, 41 composizioni lungo l’intera estate: non una celebrazione museale, ma un attraversamento vivo della sua opera. Henze è stato capace di sottrarsi a ogni classificazione, con una libertà e una tensione etica e politica che ne rendono oggi urgente l’ascolto. Per i giovani l’eredità più fertile è proprio questa: non accettare confini precostituiti, concepire la creazione come spazio di libertà. Il Focus si apre il 7 luglio con il suo Requiem, eseguito dall’Orchestra della Toscana diretta da Kai Röhrig, e si allarga in una piattaforma interdisciplinare di documentari e incontri.

Tra gli appuntamenti più amati c’è il Concerto per l’Italia in Piazza del Campo.

È uno degli eventi più attesi dell’estate musicale italiana e per me un momento di straordinaria intensità. Trasformare una delle piazze più riconoscibili al mondo in un palcoscenico a cielo aperto significa portare l’eccellenza fuori dai teatri e restituirla alla città. Il 18 luglio protagonisti saranno Daniel Harding sul podio dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e Stefano Bollani al pianoforte, con un programma che va dall’Alborada del gracioso di Ravel alla Rhapsody in Blue di Gershwin, fino ai Quadri di un’esposizione di Musorgskij. Sarà trasmesso in diretta su Rai Radio 3 e in prima TV su Rai 3: una condivisione culturale su scala nazionale.

I giovani sono «il cuore di tutto». Come li sostiene la Chigiana?

Dal 1932 Palazzo Chigi Saracini accoglie talenti da tutto il mondo: senza i giovani, la Chigiana non sarebbe la Chigiana. Il sostegno si articola su tre livelli. Il primo è la formazione di altissimo livello, con 400 ragazzi a contatto con alcuni tra i più grandi interpreti del mondo. Il secondo sono le opportunità performative, come la sezione Factor, 23 concerti dedicati agli allievi. Il terzo sono le borse di studio, quest’anno a livelli record: 20 per i giovani del Mezzogiorno e il nuovo programma Resonancias IILA–Chigiana per talenti dall’America Latina. Non è filantropia, ma visione strategica: il 19 luglio gli allievi del Corso di Direzione di Daniele Gatti salgono sul podio in Piazza del Campo il giorno dopo Harding e Bollani. Tra maestri e allievi non c’è separazione, ma continuità.

Verso fine estate arriva la grande stagione barocca, con il Mozarteum di Salisburgo.

Il 27 agosto, nella Chiesa di Santo Spirito, risuonerà la Messa in Si minore di Bach: uno dei capolavori assoluti della storia della musica e uno degli appuntamenti che sento più miei. È il frutto di una delle partnership più consolidate della Chigiana, quella con il Mozarteum di Salisburgo. Sul palco la Barockorchester der Universität Mozarteum si unirà al Coro della Cattedrale di Siena «Guido Chigi Saracini», diretto da Lorenzo Donati, e ai solisti del Chigiana Mozarteum Baroque Program, sotto la direzione di Alfredo Bernardini. Ascoltarla con strumenti originali, da musicisti formati nella prassi storicamente informata, restituisce alla musica la sua dimensione più essenziale.

Per chiudere: di cosa è più orgoglioso?

Il Chigiana ha una caratteristica che lo distingue in Europa: riunire, nello stesso luogo, le leggende viventi della musica, i grandi interpreti della generazione di mezzo e i talenti emergenti. Il cast 2026 lo conferma: da Daniel Harding a Daniele Gatti, da Tabea Zimmermann a Salvatore Accardo, da Ian Bostridge a Philippe Manoury. Ma accanto a queste presenze ci sono gli oltre 400 giovani della Summer Academy: sono loro il vero motore del Festival. Quando un giovane direttore sale sul podio o un giovane compositore sente per la prima volta la propria musica eseguita, è in quei momenti che la Chigiana esprime la sua natura più autentica. Questa comunità temporanea ma intensissima è la cosa di cui sono più orgoglioso.

Ricalca tutto, tutto meno un tombino….Poi inizia a stendere e mischiare colori con pastelli ad olio sulle carte. Nascono orizzonti tra mare e cielo, confini con una grande sensazione di apertura, che improvvisamente possono diventare muro e, in alcuni casi buco nero. Dipende dal suo stato d’animo: li dipinge, poi li guarda e alle volte li capovolge. E cerca sempre l’errore, una piccola sbavatura di pastello che darebbe un senso di continuazione lungo il confine, è una macchia del tutto insopportabile.

Le linee di confine nel corso del tempo diventano sempre più sottili, si trasformano in pallini, piccoli buchi fatti uno ad uno con lo spillo su cartoline che hanno uno sfondo creato con una combinazione di pastelli ad olio e pastelli a secco; e alla fine si trasformano in vere e proprie trame di un tessuto dai disegni ipnotici. Nessuna opera di Laura ha un titolo, parla il colore, si percepisce se il pastello o l’acquerello stick è stato passato sulla carta con più o meno pressione, più o meno passione, più o meno rabbia. Questo fa parte del suo linguaggio che raffigura e trasmette nei suoi lavori. L’avevo conosciuta in bianco e nero, la ritrovo a colori, oltretutto.  Nel frammento 182 della poetessa Saffo si legge ‘… che io possa andare oltre’. Oltre tutto.

Marshall Vernet rilegge Giovanni Battista Piranesi offrendo un nuovo sguardo, un ponte tra memoria storia e contemporaneità, sulla Città Eterna: dalle opere di Piranesi, la serie settecentesca de Le Vedute di Roma, l’artista ha selezionato trenta soggetti usandoli come ‘specchio’ per immortalare gli stessi luoghi nel contesto urbano della Roma di oggi. In mostra, nella galleria AL Fine Art, ogni fotografia di Vernet in bianco e nero è stata affiancata da una riproduzione dell’incisione corrispondente, stampata sulla stessa carta cotone fotografica, creando una continuità materica e visiva tra le due serie. Curiosità e ammirazione, Vernet durante il vernissage di Vernet incontra Piranesi è stato circondato da decine di ospiti, accolti dai galleristi Francesca Antonacci e Damiano Lapiccirella. Tra i primi ad arrivare, Francesco Rutelli e Barbara Palombelli, Rita Rovelli Caltagirone, Federica Formilli Fendi, Furio Rinaldi, curatore dell’Achenbach Fondation, dipartimento dei disegni, delle stampe e delle fotografie del Fine Arts Museums of San Francisco, Maria Cristina Paoluzzi, direttrice della sede romana della casa d’aste Dorotheum, i galleristi Mauro Nicoletti, Silvia Geddes e Marion Franchetti. Le grandi fotografie di piazza Navona e piazza di Spagna, di Santa Costanza, di Castel Sant’Angelo, che amplificano la dimensione monumentale di questi luoghi iconici, sono state ammirate anche da Luca Dotti, dalla critica d’arte Laura Cherubini, da Charles Antoine e Paola d’Assche e poi la jewelry designer Giulia Barela, gli architetti Fabrizia Frezza, Andrea Truglio, Gaetano Sersale, Alberto Moncada di Paternò, presidente del Circolo della Caccia, Ghilla Gaetani di Canossa, Fabrizio Massimo, Patricia Ruspoli e molti altri.

L’idea è quella di arricchire gli spazi del Six Senses Rome, già caratterizzato da una forte identità e dalla presenza di opere d’arte, trasformandolo in un luogo aperto alla ricerca contemporanea attraverso una serie di installazioni semestrali pensate per dialogare con l’architettura e con l’identità stessa dell’hotel. L’arte, in questo caso, non si inserisce nello spazio come semplice elemento decorativo, ma come presenza capace di modificarne la percezione e il modo in cui viene attraversato.

Senses of Art è pensato come un appuntamento ricorrente, il cui scopo è valorizzare la scena artistica contemporanea e aprire un dialogo diretto con la città e con chi gravita negli spazi dell’hotel. L’arte diventa strumento di connessione, parte integrante dell’esperienza di soggiorno e, allo stesso tempo, occasione di incontro con il contesto urbano che circonda il Six Senses Rome.

L’opera inedita di Guglielmo Maggini ha inaugurato il progetto il 13 maggio. Titano Mio (#2) nasce dalla rielaborazione di antichi stampi in gesso recuperati durante una residenza presso la storica famiglia di artigiani eugubini Fumanti, da cui l’artista sviluppa una riflessione sulla possibilità di riportare alla luce forme e oggetti appartenenti a una tradizione ormai scomparsa.

Ombrelliere, mascheroni, caminiere e bugnati vengono decontestualizzati dalla loro funzione originaria e ricomposti attraverso ceramica smaltata e resina in strutture finite, ma allo stesso tempo in continua mutazione. Il blu intenso della maiolica conserva il legame con la tradizione decorativa italiana, mentre la presenza della resina introduce una componente più fredda e contemporanea, creando un costante slittamento tra passato e presente, tra elemento artigianale e linguaggio industriale.

Questa tensione attraversa la pratica artistica di Maggini, da sempre interessato alla trasformazione della materia e alla costruzione di forme sospese tra memoria archeologica e dimensione organica. Le sue sculture si sottraggono a qualsiasi rigidità monumentale: superfici ceramiche, elementi decorativi e materiali sintetici convivono in strutture instabili, quasi attraversate da una lenta mutazione. Le opere sembrano così invadere lentamente lo spazio, instaurando con l’architettura un dialogo fatto di tensioni, allineamenti prospettici e presenze che emergono quasi silenziosamente lungo il percorso.

In Titano Mio (#2) queste presenze ibride sembrano provenire da un tempo indefinito, conservando tracce della decorazione classica senza mai diventare nostalgiche. Le sagome appaiono deformate, alterate, percorse da una movimento interno che le rende vive, come se stessero ancora attraversando un processo di trasformazione. «Il titolo — racconta Maggini — è collegato alla cosmogonia dei titani, antichi padri imprigionati nel Tartaro, sottoterra. Riportare alla luce forme silenti: questa è stata l’intenzione».

Muovendosi nell’area lounge-ristorante, si scopre un’altra opera: La solitudine del satiro e il rumore del tempo, secondo lavoro dell’artista romano, di dimensioni ridotte rispetto la prima, ma altrettanto impattante. Le due sculture restano in un dialogo costante. Dalla sala più interna, lo sguardo continua a intercettare la grande opera collocata all’ingresso, lungo un asse prospettico che sembra unirle attraverso un filo invisibile.

Anche questa seconda presenza riprende la stessa tensione materica e visiva della scultura principale: frammenti ornamentali, superfici ceramiche e forme instabili convivono in una struttura sospesa tra reperto archeologico e organismo contemporaneo. Più discreta nelle dimensioni, l’opera aumenta quella sensazione di emersione lenta e silenziosa che attraversa l’intero intervento pensato da Maggini per gli spazi del Six Senses Rome. Le due opere continuano così a guardarsi da estremità opposte dello spazio, unite da una tensione quasi invisibile che attraversa l’architettura del Six Senses Rome. Come presenze emerse lentamente dalla materia e dal tempo, le sculture di Maggini sembrano abitare il palazzo senza mai fermarsi davvero, restando sospese in una continua possibilità di trasformazione.