Ricalca tutto, tutto meno un tombino….Poi inizia a stendere e mischiare colori con pastelli ad olio sulle carte. Nascono orizzonti tra mare e cielo, confini con una grande sensazione di apertura, che improvvisamente possono diventare muro e, in alcuni casi buco nero. Dipende dal suo stato d’animo: li dipinge, poi li guarda e alle volte li capovolge. E cerca sempre l’errore, una piccola sbavatura di pastello che darebbe un senso di continuazione lungo il confine, è una macchia del tutto insopportabile.

Le linee di confine nel corso del tempo diventano sempre più sottili, si trasformano in pallini, piccoli buchi fatti uno ad uno con lo spillo su cartoline che hanno uno sfondo creato con una combinazione di pastelli ad olio e pastelli a secco; e alla fine si trasformano in vere e proprie trame di un tessuto dai disegni ipnotici. Nessuna opera di Laura ha un titolo, parla il colore, si percepisce se il pastello o l’acquerello stick è stato passato sulla carta con più o meno pressione, più o meno passione, più o meno rabbia. Questo fa parte del suo linguaggio che raffigura e trasmette nei suoi lavori. L’avevo conosciuta in bianco e nero, la ritrovo a colori, oltretutto.  Nel frammento 182 della poetessa Saffo si legge ‘… che io possa andare oltre’. Oltre tutto.

Un giorno la confettiera si rompe e viene messa in uno scatolone, perde la sua posizione a centro tavola, perde la sua preziosità. Ma in un attimo la ritrova. Roberta la disegna, nel suo stile iperrealista, una perfetta “riproduzione” a matita su carta, realizzata in tre mesi. La confettiera diventa un’opera d’arte, Empatia – Oggetto smarrito, parte della serie Pandora.

Ora la confettiera è ancora più preziosa, o meglio preziosa in modo diverso. «Speranza, Sogni, Empatia: smarrire queste capacità significherebbe perdere la nostra più intima essenza di Esseri Umani», spiega Roberta. «Se Pandora, nel mito, scoprì che sul fondo del vaso era rimasta Speranza, io con questi lavori ho invitato ognuno a rintracciare, tra riflessi e trasparenze, la propria Speranza, i propri Sogni e l’Empatia verso l’altro».

Speranza, Sogni, Empatia sono i protagonisti del progetto artistico, ideato e realizzato da Roberta e curato da Beatriz Leal Riesco, Sola li rimase Speranza inserito nel programma del progetto di più ampio respiro “MACRO Asilo” di Giorgio De Finis che nel 2019 si è realizzato nel Museo di Arte Contemporanea di Roma (MACRO): il disegno Empatia – Oggetto smarrito da un lato, la confettiera (i.e. oggetto rotto …) sotto una teca, un’azione collettiva in cui ognuno è invitato a rispondere alla domanda “Di cosa è fatta la Speranza?”, lasciando un biglietto nella confettiera diventando cosi di fatto coautore dell’opera esposta.

A fine evento, come atto di restituzione Roberta insieme ai bambini in sala apre la teca e i biglietti raccolti vengono donati a tutte le persone presenti nel museo.  Sul suo biglietto Roberta ha scritto “EMPATIA”, sul biglietto che riceve, estratto a sorte dalla confettiera, trova “ANDARE A MANGIARE A McDONALDS”. 

Anche questo è il bello dell’arte partecipativa e della creazione collettiva di un’opera: centottanta persone hanno contribuito al lavoro di Roberta, tra cui le artiste Tommaso Binga, Paola Romoli Venturi e Silvia Stucky che, racconta Roberta, la hanno sin dall’inizio incoraggiata e sostenuta nella realizzazione del suo progetto artistico per il MACRO.

Empatia – Oggetto smarrito è una delle opere esposte nell’evento “24 Women for Peace”, tenutosi da Spazio Mimesis nell’ambito di RAW for Peace lo scorso 24 aprile 2026. 

Roberta Maola è un’artista visiva, allieva di Mario Di Girolamo, alias Gimar, Lindo Fiore e Rita Mele, si è formata artisticamente presso l’Istituto Statale d’Arte “A. Valente” di Sora, ha poi approfondito studi in psicologia e grafica. Dal 2013 si dedica completamente all’arte visiva, attraverso uno stile iperrealista, utilizza il disegno a matita su carta come medium privilegiato per indagare la percezione, l’identità e il paesaggio interiore della mente, sviluppando un linguaggio tecnico, raffinato e al tempo stesso profondamente concettuale. Le sue opere, spesso costruite attraverso trasparenze, vetri, ampolle e spazi sospesi, evocano una dimensione di attesa, riflessione e silenzio interiore.

L’iperrealismo di Maola non si limita alla resa tecnica, ma diventa strumento per indagare stati mentali, dinamiche affettive e tensioni percettive. Ha preso parte a numerose esposizioni e progetti artistici in contesti pubblici e indipendenti. Tra i più rilevanti si segnalano Glass Ceiling (La Vaccheria – Roma Capitale, 2025); Sola lì rimase Speranza (MACRO, Roma, 2019), installazione partecipativa che ha coinvolto circa 200 persone nella costruzione collettiva di un’idea di speranza attiva; Umanità Dispersa (Archivio Menna/Binga, Roma, 2018) e Natura Bianca (Interno 14 – Spazio AIAC, Roma, 2017). Alcune sue opere sono presenti in esposizione permanente presso istituzioni pubbliche: tra queste la Pinacoteca Comunale d’Arte Contemporanea Antonio Sapone (Gaeta); il MAAM – Museo dell’Altro e dell’Altrove (Roma); due opere conservate nella collezione dell’Archivio Menna/Binga (Fondazione Filiberto e Bianca Menna) e un disegno acquisito dalla Biblioteca Vallicelliana di Roma.

Le sue opere sono state pubblicate in cataloghi, riviste, giornali e copertine di libri, attirando l’attenzione di molti critici e artisti. Tra questi hanno scritto sul suo lavoro: Cesare Biasini Selvaggi, Giulia Del Papa, Roberto Gramiccia, Beatriz Leal Riesco, Simona Marani, Barbara Martusciello, Sarah Palermo, Claudia Quintieri, Raffaella Rinaldi, Ludovica Telesca e Paola Valori, Giorgia Venturini. Vive e lavora a Roma, dove continua la sua ricerca sul rapporto tra materia, visione e interiorità.

info: robertamaola.com

Nel panorama dell’arte contemporanea, sempre più attraversato da pratiche relazionali e partecipative, il lavoro di María Ángeles si distingue per coerenza, profondità e radicamento umano. La sua ricerca non si esaurisce nell’oggetto artistico, ma si espande nella relazione, nella memoria condivisa e nella costruzione di comunità. Per María Ángeles, l’arte trova il suo senso più autentico quando viene condivisa, quando diventa esperienza collettiva e trasformativa.

La sua pratica si sviluppa lungo una linea sottile che unisce creazione e pedagogia. Non esiste una separazione netta tra opera e progetto educativo: entrambi nascono dallo stesso impulso, quello di attivare processi.

Da oltre dieci anni, l’artista porta avanti progetti all’interno dell’Istituto Marymount di Roma, dove l’arte diventa uno strumento di esplorazione, crescita e dialogo. Qui il laboratorio non è un luogo di trasmissione verticale del sapere, ma uno spazio aperto in cui bambini e ragazzi diventano co-autori, partecipando attivamente alla costruzione dell’esperienza artistica.

Parallelamente, per cinque anni consecutivi, il progetto Le Scatole Abitate, ideato insieme ad Alicia Herrero, è stato presentato agli Internazionali BNL d’Italia, portando l’arte partecipativa in un contesto inusuale e intercettando un pubblico ampio e diversificato, anche rispetto all’età degli alunni della Marymount. In questa apertura verso contesti non del tutto convenzionali si manifesta una delle caratteristiche più rilevanti del suo lavoro: la volontà di uscire dagli spazi canonici dell’arte per incontrare le persone nei luoghi e nei momenti della loro vita quotidiana.

Un altro capitolo della sua ricerca è rappresentato dai progetti creati in collaborazione con la curatrice Benedetta Carpi de Resmini e Latitudo Art Projects, sviluppati in diverse periferie romane e in Portogallo. In questi contesti, spesso segnati da fragilità sociali, l’arte si configura come dispositivo di inclusione e ascolto. María Ángeles lavora con le comunità locali costruendo percorsi in cui l’espressione artistica diventa occasione per rafforzare il senso di appartenenza, valorizzare le identità individuali e collettive e creare spazi di dialogo intergenerazionale. L’artista non impone forme, ma facilita processi: il risultato finale è sempre il frutto di una costruzione condivisa.

Questo approccio emerge con particolare forza nei progetti realizzati in Spagna, suo paese d’origine, dove da anni le comunità locali la aspettano per avviare nuovi percorsi creativi. Tra questi, Álbum de calle rappresenta un esempio emblematico. Il progetto parte da un gesto semplice ma potente: le fotografie antiche escono dagli album familiari e diventano materia pubblica. Trasformate in murales, queste immagini attivano un dialogo tra passato e presente, tra memoria privata e spazio urbano. Il processo è profondamente partecipativo e intergenerazionale: gli anziani condividono storie e immagini, i più giovani le reinterpretano visivamente, e la comunità intera si riconosce nell’opera finale. L’arte diventa così un archivio vivente e uno strumento di riappropriazione del territorio.

Nel contesto internazionale, María Ángeles Vila Tortosa collabora con Empowering Young Women (EYW), una onlus attiva in Kenya per la valorizzazione del ruolo femminile. La collaborazione nasce dopo aver incontrato la co-founder Esther Martín, a cui l’artista ha proposto il progetto My Magic Plant.

Si tratta di un percorso artistico ed educativo basato sulla creazione di un libro d’artista, inteso come spazio personale di espressione e narrazione, inizialmente avviato a distanza. Al centro del percorso vi è il rapporto tra identità e natura, sintetizzato nella metafora della “pianta magica”. Ogni partecipante è invitata a immaginare sé stessa come una pianta, esplorandone radici, crescita, trasformazioni e possibilità future. Questo dispositivo simbolico consente di affrontare temi complessi — come l’autostima, il ruolo sociale, il desiderio e la resilienza — in modo indiretto ma profondamente efficace, attivando un linguaggio universale e accessibile.

La narrazione personale si intreccia così con elementi visivi e materici: disegni, collage, parole, tracce raccolte nel quotidiano. Il processo di costruzione del libro d’artista diventa un atto di autoaffermazione, in cui ogni gesto creativo contribuisce a definire una presenza. Non si tratta solo di produrre un oggetto, ma di attraversare un’esperienza trasformativa.

Nelle fasi successive, il progetto prevede uno sviluppo in presenza, con l’obiettivo di consolidare le relazioni costruite e ampliare il lavoro verso una dimensione collettiva. In questa prospettiva, i libri individuali possono diventare parte di un archivio condiviso o di installazioni partecipative, restituendo visibilità alle storie e creando nuove forme di dialogo all’interno della comunità.

In un’epoca in cui il sistema dell’arte rischia talvolta di chiudersi in circuiti autoreferenziali, la pratica di María Ángeles ricorda che l’arte può essere — o meglio deve essere — anche relazione, cura e costruzione di un senso collettivo. Il suo lavoro dimostra che l’opera non è solo ciò che si espone, ma ciò che accade tra le persone. E che, in fondo, l’arte ha davvero senso quando riesce a uscire da sé stessa per diventare esperienza condivisa.

Incontro Dusty Eye in Piazza Affari ai piedi di L.O.V.E. di Cattelan e passeggiando alla cieca finiamo in un bar dove un tempo avvenivano gli scambi del mercato secondario della Borsa di Milano, senza avere davanti dita medie con strani acronimi. Ma un tempo quando? Non si capisce, anzi sì, siamo nel Pluritempo. Un giorno fuori dal Cronostudio di Dusty Eye un anonimo lascia un braccialetto, un telecomando e un cartoncino con delle istruzioni, tre componenti di una vera e propria macchina del tempo che li porta direttamente nella Roma del 2379.

Tre corpi, L1P5, bAsIC e LogoS, tre identità disgiunte che grazie a un grande esercizio di diplomazia si incontrano con una quarta mente, con tante esperienze di vita, memorie, indizi che portano a N.44 V864.962, il Primo Androide Emotivamente Avanzato, che il 21 aprile 2410 resettandosi diventa il cybercane multidimensionale Maxtor, con una sua coscienza e una sua memoria (che una volta appartenevano a N. 44), ma soprattutto dotato di una capacità di muoversi nel Pluritempo.

E qui si rivela l’anonimo che aveva lasciato fuori dal Cronostudio la macchina del tempo: è il Connettore, che esiste solo grazie a Maxtor. Ma quello stesso giorno (21 aprile 2410) il cybercane scompare. «Ed ecco l’amaro paradosso!”, spiega il Connettore – aver intuito parzialmente la struttura del Pluritempo e dei suoi corridoi, ma non comprenderlo a sufficienza per ritrovare Maxtor al suo interno».

Un vero e proprio fenomeno di canalizzazione, sessanta artisti che partecipano alla creazione di N. 44, Maxtor e il Connettore, una connessione del tutto fortuita che “funziona” fintanto che non intervenga il Pluritempo a far saltare l’equilibrio ciclico. E così accade: il Connettore vive i suoi primi sedici secondi della sua esistenza corale, sedici secondi in cui nasce l’idea, ma passati quei 16 secondi inizia in tutti i modi a cercare di trasformare l’idea in parole, ma più prova e riprova più la impoverisce, ancor più quando cerca di dialogare e interloquire con gli altri. Una vita lunga 269 anni, passati a tentare e ritentare di raccontare la connessione all’altro, in una lunga serie di dialoghi con persone, animali, entità di ogni tipo, tra cui una banca, la Glomegal Bank.

E dall’incontro tra Connettore e Glomegal Bank nasce Ukron, il nuovo conio in vigore dall’anno 2504, pari a € 1123,58, con banconote da 20, 50 e 100 Ukron con in effige tre personaggi che si aggirano nel Pluritempo: N44, Maxtor e il Connettore, e tanto di caveat di ChatGPT (Nota importante: questo “tasso di cambio” non è un valore ufficiale o riconosciuto finanziariamente nel mondo reale, ma parte della narrazione del progetto artistico dei Dusty Eye).

Dalla macchina del tempo al cogitoforo, un apparecchio che Dusty Eye trova nel ceppo di un albero a Dergano il 32.12.2024. Si deve accendere alle 4.44 di ogni giorno di plenilunio per sintonizzarsi qualche secondo in quel flusso di multicoscienza del Connettore che dura 16 secondi per captare un qualche stralcio di concetto. «Immagina una mente collettiva che per sedici secondi avvia un intenso scambio d’idee. Immagina una mente collettiva che nell’anno 2410 dibatte internamente per oltre un quarto di minuto». È il punto di incontro tra sapiens e intelligenza artificiale, nasce un’opera creata dalla collaborazione tra artista e algoritmo. Un’opera che nel 2504 pagheremo con la sola valuta ancora in corso: l’Ukron.

Il 4 dicembre 2025, nello spazio antistante la Chiesa di Santa Barbara dei Librari, viene presentato 150 scintille: le Scatole di Santa Barbara, un progetto che nasce da un’idea di Barbara Lalle e dal suo sodalizio artistico con un’altra artista, sua collega insegnante presso il Liceo Scientifico Statale Nomentano, Barbara Visca, un’altra Barbara senza accento sulla “a”. Entrambe, insieme alla curatrice del progetto Roberta Melasecca, intendono unire creatività, comunità ed educazione, aprendo un dialogo tra arte contemporanea, memoria e valori universali da cui derivano connessioni tra mondo dell’arte e mondo della scuola e giovanile.

I veri protagonisti del progetto sono gli studenti e le studentesse del Liceo Scientifico Statale Nomentano, che sotto la guida della professoressa Barbara Visca, dal mese di ottobre, sono stati impegnati nella realizzazione di 150 scatole: scatole grandi e piccole, di forme diverse, costruite con materiali riutilizzati, che evidenziano un gesto ecologico ma anche simbolico, nel quale il riuso diventa atto creativo, trasformazione e rinascita. Ogni scatola è uno scrigno prezioso, una piccola opera d’arte, un dono che porta con sé parole, segni e simboli: infatti, ognuna al suo interno contiene una frase o un piccolo oggetto che evoca resilienza, protezione e luce, in onore di Santa Barbara.

Le 150 scatole saranno donate dagli studenti ai visitatori, ai turisti, ai passanti, come segno di impegno e responsabilità reciproca, in controtendenza rispetto al mercato dell’arte che neanche prende in considerazione un’opera che viene “donata”, in quanto non produttiva di un qualche beneficio economico (siamo diplomatici). «Non si può non sperimentare una vera commozione di fronte alle opere realizzate dalle studentesse e dagli studenti del Liceo Scientifico Nomentano: il loro impegno nel creare le 150 scatole non è da riferire ad un semplice progetto artistico. In ogni scatola è impressa l’anima profonda del suo creatore, ogni scatola dimostra come i giovani non sono come la società di oggi li dipinge. Ho riso, ho pianto, mi sono incuriosita, sono rimasta stupita. Ogni emozione che ho provato definisce una narrazione differente nella quale i giovani non hanno più timore di mostrarsi nella loro veritarietà. I loro gesti raccontano le loro insicurezze, le loro vulnerabilità ma anche forza interiore, consapevolezza, idee innovative, speranze, voglia di costruire, desiderio di donare la propria visione del mondo, necessità di impegno nella comunità. Sono loro le vere 150 scintille.» Chi passerà il 4 dicembre dalla Chiesa di Santa Barbara dei Librari, avrà modo di condividere questa grande commozione.

L’iniziativa si avvale del patrocinio del Municipio I Roma Centro Biografie Barbara di Nicomedia è vissuta nel IV sec. d.C.: era l’unica figlia del ricchissimo Dioscoro, il più fanatico nemico dei cristiani nella città di Nicomedia. Fu educata da alcuni precettori, tra cui Origene che la battezzò e la istruì segretamente alla religione cristiana. Venne destinata, dal padre, alle nozze con il prefetto di Nicomedia: Barbara rifiutò di sposarsi e il padre, furente, la fece processare, per l’adesione alla fede cristiana, rinchiudere nella torre della fortezza di Nicomedia e condannare a morte. Nella prigione, un giorno, si sprigionò un incendio: Barbara uscì viva dalle fiamme. Dopo questo episodio, il padre stesso la decapitò ma, eseguita la sentenza, un fulmine si abbatté su di lui uccidendolo. Da allora Santa Barbara viene invocata contro il fulmine e i pericoli del fuoco ed è la protettrice di tutti quei lavoratori che operano in condizioni pericolose: rappresenta la capacità di affrontare il pericolo con fede, coraggio e serenità anche quando non c’è alcuna via di scampo.

Barbara Lalle, artista, terapista per la riabilitazione neurologica post‐traumatica e docente impegnata quotidianamente nell’integrazione delle disabilità gravi, mossa da una “emergenza di dire”, attraverso le varie forme delle arti visive e della performance, esplora le modalità in cui disagio, deprivazione, dolore possano essere compresi, narrati, superati. Sperimenta da anni le diverse modalità di arte partecipata, coinvolgendo altri artisti e le comunità locali dove opera.

Barbara Visca, laureata in Decorazione e in Grafica all’Accademia di Belle Arti di Frosinone: carta e filo tengono unite le sue ricerche artistiche, tra disegno e cucito, tra illustrazione e moda, fino al suo incontro con la fotografia. È docente al Liceo Scientifico Statale Nomentano, collabora con laboratori artistici di ricerca e varie realtà artistiche presenti sul territorio.

Roberta Melasecca, architetta, curatrice indipendente, scrittrice, progettista culturale ed esperta in comunicazione per l’arte e l’architettura. Segue il lavoro e le ricerche di numerosi artisti, scrivendo testi critici e promuovendo progetti curatoriali sia in Italia che all’estero. È attivamente coinvolta nell’editoria d’arte e si dedica allo sviluppo di pratiche performative innovative. È ambasciatrice di Cittadellarte Fondazione Pistoletto ONLUS e presidente dell’associazione culturale Blowart.

150 scintille: le Scatole di Santa Barbara (da un’idea di Barbara Lalle, con Barbara Visca e gli studenti del Liceo Scientifico Statale Nomentano, a cura di Roberta Melasecca)
4 dicembre 2025 dalle 10.00 alle 15.00
Cortile antistante Chiesa di Santa Barbara dei Librari Largo dei Librari – Roma

Un signore del mondo di fine Ottocento degno dei nostri giorni: Re Ubu è il protagonista della pièce teatrale che Alfred Jarry pubblica sulla rivista francese Le livre d’Art il 25 aprile 1896, con prima assoluta al Teatro dell’Opera di Parigi il 10 dicembre 1896. Si tratta di un’opera di denuncia della degenerazione del potere economico e politico se esercitato senza alcuna razionalità e giustizia, un tema tanto attuale quanto il suo protagonista. Alfred Jarry è l’ideatore della corrente artistica della “patafisica”¹ ovvero la scienza delle soluzioni immaginarie, per la quale non esistono verità assolute ma solo relative e sempre mutevoli, tutti i principî possono essere al contempo affermati e contraddetti, in nome dell’assoluta libertà creativa dell’artista, fuori da un qualsiasi schema precostituito.

“Secondo la recente teoria dei fisici, alle particelle costitutive della materia, possono corrispondere particelle di “anti – materia”, e nulla impedisce di pensare che questa “anti – materia” formi un “anti – universo” che frequenta il nostro … Non è forse propriamente il mondo scoperto da Alice “dall’altra parte dello specchio” cui noi accederemmo se potessimo operare un cambiamento di segno nei simboli del nostro pensiero e del nostro essere?”.

Non è filosofia, non è arte. È SCIENZA, È COMPORTAMENTO, laddove predomina il gioco del PUER AETERNUS con un approccio ludico e irriverente, ironico ma (soprattutto) auto – ironico, ricco di neologismi, nonsense e giochi semantici. L’artista è dunque scienziato, creatore di realtà alternative prive di finalità o utilità pratica, ma divertenti ed essenziali per il benessere fisico, ‘patafisico e mentale. Con la sua SCIENZA e la sua opera teatrale, Jarry porta in scena una perfetta parodia del denaro, rappresentandolo non solo come fine, ma soprattutto come strumento di controllo politico e sociale. Re Ubu non governa per un ideale, ma solo per accumulare ricchezze, estorcere tasse, appropriarsi di beni.

Gli ultimi dieci anni della vita di Alfred Jarry saranno fortemente condizionati da stenti economici e costante necessità di denaro², ma “la ‘patafisica è nel suo procedere, imperturbabile” (Regola V), e Jarry continuerà a trattare valori d’uso e di scambio con la sua consueta ironia, sempre in cerca di alternative alla logica economica, caratterizzate dalla totale mancanza di regole nonché dalla più scriteriata fantasia.

La parodia del denaro

Dalla SCIENZA al teatro, dal teatro all’arte contemporanea. Marcel Duchamp con la sua anti – arte, la sua ironia e il suo culto del non – sense, è l’artista ‘patafisico che meglio rappresenta il PUER AETERNUS di Jarry, oltre a essere uno dei primi artisti a esplorare il rapporto tra arte ed economia, tra arte e “dio – denaro”. Il 3 dicembre 1919 disegna e firma un assegno della Teeth’s Loan & Trust Company Consolidated, con tanto di ORIGINAL manoscritto in verticale in rosso, per pagare 115 dollari al suo dentista. Il Dott. Daniel Tzank, grande collezionista d’arte, ben sapendo chi è il suo paziente, accetta l’assegno senza (stranamente) mai incassarlo. Vent’anni dopo Duchamp ricompra la sua opera for a lot more than it says it’s worth, racconta in una intervista al critico francese Pierre Cabanne nel 1967, non ricordando se poi la regala o la vende a Roberto Matta, pittore surrealista cileno che incontra nel 1944³.

 Cash, check or artwork?. Oggi il Tzank Check di Marcel Duchamp è considerata una delle opere più importanti del Dadaismo, avente pari dignità di Fountain. Una riproduzione dell’assegno realizzata nel 1938 è esposta nel museo M+ di Hong Kong mentre l’originale (quello con la scritta ORIGINAL manoscritta in verticale in rosso, per intenderci) sembra essere destinato a essere donato al Museo di Israele a Gerusalemme.

Qualche anno dopo, il Collège de ‘Pataphisique, fondato a Parigi nel 1948, inizierà a emettere monete immaginarie, portando avanti la parodia sul valore del denaro di Jarry e Duchamp. La firma di un grande artista su un orinatoio che diventa capolavoro equivale alla firma del presidente di una banca centrale su un pezzo di carta che diventa banconota? Considerando che “La ‘Patafisica è la scienza delle soluzioni immaginarie” (Regola III) e “Al di là della ‘Patafisica, non vi è nulla: essa è la suprema istanza” (Regola VII), la risposta non può che essere positiva, senza alcuna possibilità di replica.

Sulla base di cotanta certezza, arriviamo ai giorni nostri. “Seduto in una tavola calda di Chicago nel 1984, l’artista Stephen Boggs iniziò a scarabocchiare su un tovagliolo di carta mentre consumava un caffè e una ciambella. Ha iniziato con il numero 1, poi lo ha trasformato nell’immagine di una banconota da un dollaro. La sua cameriera, restando impressionata, si offrì di comprarlo. Il signor Boggs rifiutò, ma lo presentò per pagare lo scontrino del suo conto da 90 centesimi. La cameriera gli diede 10 centesimi di resto. Era nata un’idea …”

Questa è l’apertura dell’articolo sul New York Times del 27 giugno 2017 di William Grimes dal titolo J.S.G. Boggs, Artist, Dies at 62; Ha fatto soldi. Letteralmente. E li spendeva anche, letteralmente, ricevendo alcune monete come resto e uno scontrino. Non ha mai venduto le sue banconote, le ha solo spese. I collezionisti che acquistavano un’opera d’arte di JSG Boggs ricevevano poche monete e uno scontrino fiscale, essendo a carico loro cercare dove erano state spese le banconote originariamente disegnate, alcune delle quali sono oggi appese in musei come il MOMA, insieme alle ricevute fiscali e qualche moneta di resto⁴.

Sfortunatamente (o meglio, genialmente), un giorno JSG Boggs inizia a stampare il suo denaro disegnato su cartamoneta del Bureau of Engraving and Printing del Dipartimento del Tesoro degli Stati Uniti (e istituzioni simili nel Regno Unito, in Australia, in Svizzera e in altri paesi), venendo così arrestato per contraffazione con confisca delle sue opere d’arte. Boggs replica che nel definirlo un contraffattore, “non capiscono la differenza tra arte e crimine”. Tuttavia, grazie alla brillante difesa del suo avvocato Geoffrey Robertson QC, viene rilasciato al termine di un lungo processo giudiziario, costato un sacco di soldi “veri” (si dice più di tutti i soldi disegnati nella sua vita), ma precedente giurisprudenziale fondamentale in materia di “riproduzione” e denaro che diventa opera d’arte, che a tutti gli effetti “legittima” la ricerca di Alfred Jarry e Marcel Duchamp sul rapporto tra arte ed economia.

Si può dire che Boggs incassa il “Tzank Check” e “(…) reinveste il nostro interesse per il denaro (a seguito degli interventi di Duchamp), rimandandone l’impatto finanziario solo per riscoprirne il potenziale intellettuale e speculativo di arte”⁵. Il gioco e il senso ‘patafisico dell’ironia (nonché dell’autoironia) sono alla base della collezione di banconote italiane che diventano opere d’arte grazie allo spirito del PUER AETERNUS degli artisti che hanno accettato di reinterpretare la lira all’insegna della massima libertà e soprattutto ilarità, o meglio liralità. “Le parole sono belle, ma le opere parlano”, diceva Goethe. Lasciamo la parola a un primo gruppo di artisti, cui ne seguiranno altri.

[1] ‘patafìṡica s. f. dal fr. pataphysique, formazione scherz. e arbitraria con (é)p(i)- «epi-» e (mé)ta-physique «metafisica», per indicare, originariamente, la scienza di ciò che si sovrappone alla metafisica (Dizionario Enciclopedico Treccani)
[2] Vicenzo Accame, Jarry, Il Castoro, n. 88, aprile 1974, Pag.72
[3] Verity Babbs, Duchamp once paid his dentist with a forged chck, now a Dada masterpiece, Artnet News, May 19th, 2025 https://news.artnet.com/art-world/art-bites-marcel-duchamp-dentist-check-2617453
[4] Su JSG Boggs lif e arte vedi Lawrence Weschler, Boggs, A Comedy of Value, The University of Chicago Press, 1999
[5] Judovitz, Arte ed Economia: i ritorni postmoderni di Duchamp, cit., pagina 216

La prima volta che ho incontrato Lula è stato l’anno scorso a Roma, quando ha partecipato alla mostra collettiva “The (Street) Art of Peace” presso la galleria Rosso20Sette Arte Contemporanea. Durante la cena della serata inaugurale, ha iniziato a raccontarmi della sua infanzia in Galizia, rivelandosi un enfant terrible, nel senso dell’essere “terribilmente” influenzata dal mare e dall’aria salina della costa di Cabo Silleiro e della sua città natale, Baiona. Ha iniziato il suo percorso artistico copiando protagonisti di fumetti classici stile Milo Manara, come Corto Maltese e i suoi amici, e realizzando “di nascosto” schizzi su quaderni durante le lezioni a scuola. E un giorno si è detta: “So disegnare!”, e il disegno ha reso Lula un po’ meno “terrible”…

Knowledge, Montmartre, Paris, France – Supported by United Nations and Manpower Group,
Curated by Street Art Mankind, 2021 

Così, all’età di 20 anni si trasferisce a Salamanca e si laurea in belle arti specializzandosi in pittura su suggerimento di un suo bravissimo professore di “Gallego”. Inizia a partecipare a vari concorsi d’arte e borse di studio in spazi pubblici, musei e gallerie, ottenendo la “matricola d’onore” in pittura. Gli anni a Salamanca hanno dato a Lula le regole e le tecniche di base tipiche di una scuola di belle arti, combinate con l’ambiente tradizionale della città, ma già inizia a “trasferire” il suo lavoro dalla galleria sui muri lasciando pezzi iconici per le strade e gli edifici abbandonati.

Selene, Long Beach, EEUU – Supported by Long Beach Walls – Art Renzei – Curated by Jasper Wong, 2024

Successivamente, si trasferisce a Barcellona dove segue un dottorato di ricerca e un master in creazione artistica presso l’Università di Belle Arti, Graphic Design presso la Pauta Formacio e Illustrazione presso la Escola de la Dona. A Barcellona Lula passa dagli schemi, le regole e le tecniche apprese a Salamanca a una completa libertà nella sua creatività, in linea con il suo essere enfant terrible ma anche con l’atmosfera vibrante e fiorente della città e della sua scena underground di graffiti. Si domanda quale sia il senso della sua arte, “perché lo sto facendo, perché preferisco lavorare all’aperto in un site specific piuttosto che dipingere tele in uno studio?” Lula entra così a far parte di collettivi artistici che nascono in vecchie fabbriche come Hangar, Caminal o La Escocesa a Poblenou. Qui incontra e diventa membro di collettivi di street art e continua a sviluppare la sua tecnica per le strade e i muri di Barcellona.

Reinas, Detroit, EEUU – Supported by Detroit Council – Curated by Street Art Mankind – 2023

Lula ama definire le sue opere d’arte come “interventi murali”, dove rappresenta e condivide i suoi sentimenti, la sua personalità e il suo pensiero di donna che ama particolarmente la natura, creando un dialogo e una relazione immediata con le persone che vivono nella zona in cui il murale è realizzato così come con i passanti. Questo deriva dalla sua capacità di dare un messaggio che va ben oltre la bellezza e l’estetica di qualsiasi opera d’arte, così come dalla sua passione nel dipingere personaggi femminili ed elementi naturali in uno stile unico.

Flowers, Doha, Qatar – Supported by World Wide Walls Doha – Curated by Jasper Young and Qatar Museum, 2023

Negli ultimi anni, Lula ha partecipato a festival di arte urbana in tutto il mondo come Grenoble Street Art Festival, 501 SeeStreet a New York, North West Walls, Waterford Walls in Irlanda, Memorie Urbane in Italia, Zona Maco in Messico, Street Art Summer ad Hannover, Nasimi Festival in Azerbaijan, Poliniza//Dos a Valencia, Twenty Urban Art a Murcia,  Mad Cool Festival a Madrid, Bac a Barcellona, tra gli altri. Ha anche partecipato a progetti in centri d’arte come la Casa de las Conchas a Salamanca; il Centro d’Arte Santa Mónica e il CCCB di Barcellona, Matadero di Madrid; MARCO a Monterrey (Messico); Museo Diego Rivera a Guanajuato (Messico). E mostre in DDR projects Gallery a Long Beach, CA, Inoperable Gallery, Viena. Next Street Gallery a Parigi e Street Art Place in Italia.

The Whisper, Vigo, Spain – Supported by Vigo Council – Curated by Vigo Cidade de Cor Festival, 2020

Ogni volta Lula rientra a Baiona, dove dopo gli anni trascorsi a Barcellona è tornata a vivere e lavorare, di fronte al suo mare e ispirando la sua aria salmastra costiera, ossigeno puro per il suo essere allo stesso tempo un’artista, una figlia, una moglie e soprattutto una mamma di due figli,  senza perdere il suo essere una “enfant terrible“, meno terrible ma sempre enfant.

“(…) Ho sviluppato una pratica radicata nell’impegno della comunità e nei temi ambientali. I miei progetti a Miami, in Messico, in Giappone e in Europa utilizzano spesso potenti immagini figurative per creare connessioni emotive con il pubblico locale, celebrando la natura e la cultura attraverso l’arte monumentale“. 

Quali sono i prossimi progetti?

Lula a settembre sarà a Osaka, in Giappone per la realizzazione di un murales nell’ambito del progetto organizzato da Wall Share Inc. A novembre parteciperà alla prossima mostra di Rosso20Sette Arte Contemporanea, “The Geography of Scrips”, una raccolta di mappe d’epoca e certificati azionari reinterpretati da street artist di varie parti del mondo per rappresentare la attuale situazione finanziaria e geopolitica. Tornerà dunque a Roma, ottima occasione per continuare la nostra chiacchierata con l’obiettivo di scoprire di più su di lei e sulla sua arte. 

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Io e Laika ci siamo conosciuti su una mappa, stavo mettendo insieme gli artisti per la mostra presso la Galleria Rosso20Sette Arte Contemporanea Art makes you travel again nel periodo della pandemia, una proposta per far lavorare gli street artist su cartine geografiche vintage e carte d’imbarco, sostitutivi del muro in quel momento inaccessibile. MAUPAL mi parla di quest* nuov* artista, Stefano manda a Laika il materiale per la mostra e il passaggio dalla strada alla galleria è un attimo, con sold out la sera dell’inaugurazione. “Passavo spesso davanti a spazi espositivi e gallerie domandandomi se mai un giorno un mio lavoro potesse essere messo in mostra. Per combinazione poco prima di ricevere mappe e carte d’imbarco avevo guardato da fuori le opere esposte da Rosso20Sette Arte Contemporanea tra cui c’era un lavoro di MAUPAL”.

Nulla accade per caso. La mappa è per se un’opera d’arte, con i suoi diversi colori a seconda che sia una carta geografica fisica o politica, con linee che indicano i confini, le strisce azzurre dei fiumi e così via. Per non parlare delle carte di imbarco, con il “fascino” di compagnie aeree di diverse nazionalità, percorsi intercontinentali, numeri di voli, posti a sedere, nomi di compagn* di viaggio che alle volte neanche ricordiamo chi sono. Sin da piccol* il viaggio è parte integrante della vita di Laika, non accetta di restare chius* tra quattro mura ma vuole continuamente evadere per conoscere nuove culture, storie, tradizioni, pensieri e personaggi politici. La politica è l’altro elemento fondamentale della sua vita nonché della sua arte.

“È stato un percorso, dalla parola scritta su articoli e comunicati stampa alla grafica digitale per poster e volantini, fino ad arrivare a “sporcarmi le mani”, sperimentando molto di più con colori, bombolette spray, materiali di scarto o da imballo, colla. E mi sono subito res* conto di come attraverso le mie nuove opere, inizialmente da “attacchin*” per strada e poi su tela esposta in galleria, il mio messaggio raggiungesse un numero sempre più alto di persone diventando più accessibile e al contempo più incisivo. Nascono così i ritratti di Angela Davis e Malcom X, una attività iniziata per gioco per finire su muri e spazi espositivi in giro per il mondo”.

Notevole la diversa libertà di espressione tra un’opera “autorizzata”, per strada o in galleria, rispetto a quelli che Laika chiama i suoi “blitz”. Basta vedere le sue opere sui muri di Aielli in Abruzzo o il murales dedicato Michela Murgia in Via Torre Annunziata a Roma, rispetto al suo recente “omaggio” a Orban fatto durante il gay pride di Budapest o i poster Not in my name con cui ha letteralmente tappezzato Roma contestando il ReArm Europe. Il blitz giustifica la volontà di Laika di non togliersi la maschera, che tanti vedono come mera operazione commerciale volta a creare un personaggio stile Banksy, mentre in realtà è mirata a proteggere il personaggio Laika e il suo messaggio che intende continuare trasmettere senza incorrere in nessun tipo di attacco, esattamente come gli asterischi degli aggettivi e dei participi passati.

Concludiamo parlando della nostra prossima mostra insieme alla Galleria Rosso 27, dove tornano le mappe questa volta accanto a vecchi certificati azionari diventati carta straccia, in inglese “scrip” da cui il titolo The geography of Scrips, prima esposizione di scrip art per rappresentare la attuale situazione geopolitica mondiale, tanto cara a Laika.

Che altro volete sapere?

Oggi indubbiamente la ricerca è molto più semplice e immediata, può avvenire online, mettendo una quanto più possibile dettagliata descrizione dell’oggetto desiderato, per trovarlo spesso dall’altra parte del mondo oppure a prezzi completamente differenti o in diverse varianti. È la fine del collezionismo? Rispondo con un aneddoto di questa mattina, giorno del mio compleanno. Ho pensato alla parafrasi di cogito ergo sum in apertura di questo testo, vado a un mercatino dell’usato e guarda caso trovo Discourse sur la methode, una prima edizione in francese dell’opera di Cartesio, in perfette condizioni e datata 1966, mio anno di nascita. L’avrei potuta trovare uguale, nelle stesse condizioni e allo stesso prezzo su una qualsiasi piattaforma, ma il vero piacere sta nell’”imbattersi” nell’oggetto da cui può iniziare una collezione di chissà che cosa, considerando che la fantasia non ha alcun limite. Forse anche per questo Goethe diceva che “i collezionisti sono persone felici”.

Limes: frammenti di realtà

Alice ha fatto del collezionismo una forma d’arte. “Sin dall’inizio della mia ricerca ho sentito il bisogno di raccogliere, ordinare, osservare e, allo stesso tempo, di lasciare spazio all’intuizione e alla fragilità delle cose”. Uno degli aspetti più affascinanti e ricorrenti nella sua opera è la continua e profonda esplorazione dell’idea di raccolta e conservazione come mezzi per sondare le memorie individuali e collettive. Questo impulso innato verso l’archiviazione va oltre il semplice accumulo di oggetti: è una manifestazione di un collezionismo ossessivo e metodico che trova la sua espressione nella pratica del recupero, della catalogazione e dell’ordinamento. Walter Benjamin sosteneva che “ogni passione confina con il caos, ma la passione del collezionista confina con il caos del ricordo”. E le opere di Alice sono veri e propri atti di memoria, in cui ogni oggetto diventa una testimonianza di un passato vissuto o di una storia da raccontare.

L’artista cerca di stabilire un sistema ordinato e rigoroso, conferendo all’opera d’arte la funzione di misura del passato, quasi come se fosse un’ideale bilancia tra ciò che è stato e ciò che si conserva. Tuttavia, nel processo creativo di Alice, l’immaginazione ha un ruolo predominante rispetto al rigore scientifico. La sua pratica artistica si arricchisce di una serie di abbinamenti inaspettati e, in questo contesto, di accostamenti materici che sovvertono le aspettative tradizionali. La classificazione diventa così un’esperienza poetica ed emozionale, dove la logica dell’archivio si trasforma in un viaggio sensoriale, capace di evocare emozioni e riflessioni profonde. L’opera d’arte non è più solo un contenitore di memorie, diventa invece una porta aperta verso nuove interpretazioni e significati.

Quando Alice visita le prime volte l’azienda tessile Dino Zoli Group a Forlì, nasce immediatamente l’interesse per le collezioni tessili per arredamento, prodotte e commercializzate nel corso di più di 50 anni di attività, “un’immersione in un paesaggio di fibre, trame e possibilità”, spiega Alice. Dal generoso archivio aziendale, composto di articoli entrati in collezione, campioni e studi, vengono estrapolate 1900 referenze, frammenti che diventano protagonisti di un processo di trasformazione nel quale ogni elemento è stato riattivato come forma di memoria da elaborare. Nascono così tre progetti site-specific, a cura di Nadia Stefanel, che riflettono, ciascuno secondo una propria grammatica visiva, il tema della classificazione e della raccolta.

La prima opera, Atlas Hanging specimens, è un’installazione di grandi dimensioni, una struttura composta da gabbie metalliche che contengono una moltitudine di tessuti, e un tappeto sonoro registrato e composto dai nomi dei tessuti stessi: “un atlante fragile, in cui il gesto della raccolta si fonde con quello della sospensione”, la definisce Alice. “Seguono due arazzi destrutturati, esiti diversi della stessa tensione tra trama e dissoluzione: “Ordine laterale” è un arazzo in cui l’assetto geometrico della tessitura viene disarticolato (…), “Linea di marea”, invece, evoca un paesaggio in transizione: tessuti sovrapposti generano l’immagine di una linea di confine tra acqua e sabbia, un orizzonte che si muove e stratifica. In entrambi i lavori il tessuto non è solo materia, ma geografia emotiva, soglia, confine”, prosegue Alice.

Infine, Vials, un’opera composta da ampolle di vetro, contenenti ritagli di stoffa, che agisce come un archivio poetico e criptico. Ogni ampolla diventa un microcosmo: oggetto di studio, reliquia e contenitore del tempo. L’atto della raccolta qui si fa intimo e quasi rituale, trasformando il materiale in segno, in traccia, in memoria sedimentata. A completamento delle installazioni site-specific, è presente una selezione di opere di Alice che esplorano il tema della classificazione nei suoi molteplici aspetti, con teche entomologiche e opere composte da frammenti, che offrono un ricco panorama delle diverse declinazioni del tema della catalogazione. “Ciò che viene serializzato o messo in ordine – ali di farfalla, coleotteri, frammenti vegetali, oggetti, tessuti – viene in realtà restituito a una dimensione affettiva, simbolica, rituale”, spiega Alice. “Ogni collezione è un modo di mettere ordine nel mondo”, altra citazione di Walter Benjamin che trovo particolarmente confacente all’opera di Alice e alla sua mostra in corso presso la Fondazione Dino Zoli.

Alice Padovani. Laureata in Filosofia e in Arti visive, dopo aver lavorato per diversi anni nell’ambito del teatro contemporaneo, sviluppa il proprio percorso di artista visiva che la porta a esporre in mostre personali, collettive, fiere d’arte e a ricevere numerosi premi e riconoscimenti a carattere nazionale e internazionale. I suoi lavori fanno parte di alcune importanti collezioni in Italia e all’estero, private e pubbliche. Attraversando differenti tecniche, materiali e linguaggi espressivi e con uno spirito classificatorio simile a quello neo-settecentesco, Padovani unisce alla spontaneità dell’impulso creativo il rigore del metodo scientifico. Passando attraverso installazioni, scultura, disegni e performance, nelle sue opere propone frammenti di una natura decontestualizzata e crea collezioni che sono, al contempo, cumuli e tracce, dove le memorie si fondono.

Alice Padovani
Limes: frammenti di realtà. Fino al 31 luglio 2025

All photos Luca Baciocchi

“Trasformare l’ordinario in straordinario, un pezzo alla volta, ispirando gli altri a vedere il mondo come una tela per un cambiamento positivo”.

Ovidiu Solcan

Ogni volta che sono a Bucarest bevo una birra con Ovidiu, parliamo di Romania, diritto, architettura, jazz, arte e sostenibilità. Ci siamo incontrati per la prima volta quando l’ho invitato a partecipare a una mia mostra a Roma qualche anno fa, rimanendo poi buoni amici.

Ovidiu Solcan è un “art – chitect”, la perfetta combinazione tra architetto urbano professionista e artista di collage pop-art. Crea opere spettacolari strappando, tagliando e incollando pezzi di riviste.

Ha iniziato questo percorso durante il liceo, quando per caso ha trovato in casa un cd dei suoi genitori con alcuni software. Durante l’università, ha affinato e ampliato le sue competenze digitali, e ora è molto bravo a dipingere, fare collage, scattare foto, fare musica, girare e montare video. Parallelamente, continua a fare l’architetto perché gli piace. “L’architettura, anche se si chiama arte, non lo è davvero. Principalmente perché è molto limitata dalle leggi, soprattutto nel nostro paese. Mentre nell’arte non ci sono limiti, nessuno può dirti cosa puoi fare e cosa no”.

Lavorare come architetto nel suo studio a Bucarest ed essere un artista ben noto ha portato Ovidiu a comprendere l’importanza di condurre una vita equilibrata. Il suo studio d’artista è a casa, dove la sera dopo cena lavora spesso con sua moglie. Il processo creativo inizia solitamente da un layout digitale, trasferito su tela. Poi strappa, taglia e incolla pezzi di riviste, la maggior parte delle quali regalate dai suoi amici che sanno non aver alcun senso buttarle via, essendo la migliore materia prima per i collage di Ovidiu: una dimostrazione del suo impegno nella sostenibilità e nell’economia circolare.

“Uno schizzo, tante riviste (ma proprio tante) e molta colla. Prima viene l’idea. Nascono tante idee. Poche si materializzano. Dopo l’idea, segue il servizio fotografico. Può essere fatto da solo ovvero da un team. Di solito voglio scattare la foto il più lontano possibile. Purché la foto stessa sia bella. Fondamentalmente, dovrebbe essere una foto che degna di essere pubblicata su una rivista. Dopo la foto, arriva la parte di rielaborazione al computer. Una volta fatto lo scatto, inizio a pensare al collage, a quale idea voglio realizzare, se utilizzare direttamente la foto o aggiungere elementi digitali”.

Semplice a dirsi, non altrettanto semplice a farsi: ogni ritratto richiede dalle 100 alle 200 ore di lavoro, ma ogni opera è un pezzo unico. “Un collage fatto da me è praticamente impossibile da copiare. Sai che ce l’hai solo tu. E che non ce ne sarà mai un altro esattamente uguale. È praticamente impossibile capire da quale rivista è stato preso ogni pezzo, per poi strapparlo allo stesso modo”.

Il vero dramma che ho scoperto parlando con Ovidiu davanti alle nostre birre è stato che il suo primo ritratto, Louis Armstrong che suona la tromba, è andato perduto. Cos’è successo? Lo ha buttato, perché non gli piaceva una volta finito. Un vero dramma, ma la decisione degli artisti di distruggere una loro opera deve essere rispettata, essendo la distruzione di un’opera d’arte una forma d’arte stessa.

Pezzi di riviste colorate, colla, collage pop realizzati ascoltando jazz, sottofondo perfetto dei suoi ritratti di grandi musicisti, realizzati con lo spirito tipico dei migliori giochi d’infanzia. “Picasso diceva: “Siamo tutti nati artisti. Solo pochi rimangono tali per tutta la vita”. Da questo punto di vista, spero di essere ancora un bambino. Sì, è un gioco. Dovrebbe essere strappare fogli di carta e incollarli insieme cercando di rappresentare qualcosa. L’abbiamo fatto anche all’asilo, quindi… È sicuramente un gioco”.

Ovidiu trae la sua ispirazione dal potere e dall’influenza di personaggi famosi che hanno formato la nostra cultura e la nostra società. “Il mio lavoro è prevalentemente caratterizzato da ritratti pop, per dare il messaggio che il cambiamento inizia da noi. Proprio come le icone della mia arte hanno avuto un impatto significativo sul mondo, spero di ispirare gli altri a fare cambiamenti positivi nella propria vita”.

I ritratti pop sono dedicati principalmente a musicisti come Louis Armstrong (“The Lost Masterpiece”), Miles Davis, Prince, Ray Charles, David Bowie, Bono così come ad artisti, essendo una delle sue opere d’arte preferite un ritratto dello scultore rumeno Brancusi, per il quale Ovidiu ha realizzato il progetto “The Endless Brancusi”, un manifesto contro la scarsa considerazione dell’arte rumena, essendo lo scultore unodei grandi artisti che hanno subito questa forma di ignoranza. 

Next?

Ovidiu esporrà due dei suoi ritratti, Miles Davis e Prince, al NN North Sea Jazz Festival che si terrà a Rotterdam a metà giugno 2025. Il festival celebra e rinnova la ricca tradizione jazzistica, dallo swing al free jazz e alla fusion, rappresentata da grandi jazzisti come Herbie Hancock, Branford Marsalis e Lee Ritenour. 

Una perfetta combinazione tra arte e musica, tenendo presente che “L’arte è il modo in cui decoriamo lo spazio. La musica è il modo in cui decoriamo il tempo”, Jean Michel Basquiat dixit.

info: ovidiusolcan.com

* Edoardo Marcenaro lavora da venticinque anni come giurista di impresa in società multinazionali e ha come hobby l’arte moderna, contemporanea e post-contemporanea. È collezionista e curatore di mostre, essendosi negli ultimi anni concentrato su opere realizzate su banconote americane rigorosamente originali, dai dollari che Andy Warhol firmava alla fine delle sue feste alla Factory, fino ad arrivare ai dollari distribuiti da Edoardo a tutti i suoi amici artisti per trasformarli in opere d’arte