Il Film Fund è rivolto a produzioni provenienti da qualsiasi parte del mondo e non pone limiti di genere o linguaggio cinematografico. L’intenzione è quella di sostenere opere caratterizzate da originalità, sperimentazione e qualità artistica, offrendo un contributo economico che può arrivare fino a 250 mila euro per singolo progetto, destinato alla società di produzione principale come supporto strategico alle diverse fasi della lavorazione.

L’iniziativa nasce dall’esperienza maturata da Fondazione Prada nel rapporto con il cinema, un percorso sviluppato nell’arco di oltre vent’anni attraverso mostre, restauri, rassegne, collaborazioni con registi internazionali e la programmazione del Cinema Godard nella sede milanese. Il Film Fund rappresenta l’estensione di questo impegno direttamente ai processi di creazione e produzione delle opere cinematografiche.

La prima edizione del fondo aveva raccolto oltre 1.200 candidature provenienti da tutto il mondo. Al termine della selezione erano stati finanziati 14 progetti, firmati da sei registe e otto registi, con produzioni distribuite in 26 Paesi e cinque continenti, confermando il forte interesse internazionale verso l’iniziativa. Commentando l’apertura della nuova call, Miuccia Prada, presidente e direttrice di Fondazione Prada, ha sottolineato come il progetto confermi la volontà dell’istituzione di sostenere autori e professionisti che perseguono un’idea di cinema «libera, esigente e visionaria», offrendo strumenti concreti a opere capaci di distinguersi per originalità e capacità di sperimentazione.

Anche Paolo Moretti, responsabile del Fondazione Prada Film Fund, ha evidenziato il successo della prima edizione, ricordando come l’elevato numero di candidature e la qualità dei progetti presentati abbiano dimostrato la vitalità del cinema indipendente e la necessità di rafforzare strumenti di sostegno destinati ai cineasti che sviluppano visioni artistiche personali e innovative. Per partecipare al bando, le società di produzione dovranno soddisfare specifici requisiti di ammissibilità, tra cui l’aver già realizzato almeno due lungometraggi presentati in anteprima in festival cinematografici internazionali. Le domande saranno valutate attraverso una selezione articolata in due fasi, con il coinvolgimento di consulenti internazionali e di un comitato finale composto da rappresentanti della Fondazione Prada ed esperti del settore cinematografico.

info: fondazioneprada.org

Al centro si staglia la figura di Marc Jacobs, ritratto nella quotidianità del lavoro, nel momento in cui una nuova collezione prende forma tra prove, scelte e continui aggiustamenti che oscillano tra intuizione e ripensamento. New York, pur restando il nucleo simbolico dell’universo Jacobs, affiora soltanto per frammenti – materiali d’archivio, dettagli di sfilate, scorci dello studio – come una presenza sotterranea che attraversa l’intero film e si deposita nella memoria visiva del racconto, evocando una città che ha profondamente influenzato generazioni di artisti.

L’amicizia tra Coppola e Jacobs, sbocciata nei primi anni Novanta, agisce da trama invisibile e chiarisce perché lo stilista non venga mai ridotto all’icona pubblica che il mondo della moda ha imparato a riconoscere, ma emerga piuttosto come una figura irrequieta, attraversata da tensioni costanti: da un lato la capacità di costruire visioni coerenti e potenti, dall’altro una sensibilità esposta all’insicurezza del dettaglio e al dubbio che accompagna ogni decisione. È proprio in questa oscillazione che il documentario trova il suo baricentro, seguendo Jacobs mentre la collezione prende forma tra correzioni, intuizioni improvvise e ripensamenti continui.

Accanto a questa dimensione più intima, il film allarga lo sguardo sull’impatto che il lavoro dello stilista ha avuto su scala globale nel sistema della moda, soffermandosi in particolare sulla lunga collaborazione con Louis Vuitton, attraverso cui ha ridefinito il rapporto tra moda e cultura visiva. Le collaborazioni con Stephen Sprouse, Takashi Murakami, Richard Prince e Yayoi Kusama vengono così lette come tappe di un percorso coerente, fondato sull’idea di scardinare i codici e i dogmi che tradizionalmente separavano questi linguaggi, mostrando le infinite possibilità di contaminazione tra i due. È proprio su questo concetto che il film insiste: la moda è un territorio poroso, continuamente influenzato e attraversato da discipline differenti e costantemente in dialogo con altri linguaggi.

Questa elemento di espansione del linguaggio della moda, parte integrante della ricerca di Jacobs, trova ulteriore espressione nella costruzione delle sfilate, che assumono spesso la forma di ambienti immersivi. I design dei set, sviluppati insieme a Jeremiah Goodman, Rachel Feinstein e Robert Therrien, inseriscono gli abiti in mondi autonomi, sospesi tra realtà e finzione, dove lo spazio diventa parte integrante della narrazione.

È proprio questa figura, così centrale e al tempo stesso difficile da decifrare, a trovarsi ora al centro di un progetto cinematografico che si muove senza autorizzazione ufficiale e fuori dai consueti canali istituzionali. Il regista canadese Barry Avrich ha infatti confermato la realizzazione di Shadow Man: Inside The Secret World of Larry Gagosian, un documentario che sembra voler forzare l’accesso a uno degli ambienti più protetti e influenti dell’arte contemporanea. Il progetto sarebbe nato all’insaputa della galleria, generando così una reazione fatta più di sorpresa che di dichiarazioni ufficiali. Il progetto, rimasto inizialmente nell’ombra, sarebbe emerso senza che lo stesso entourage della galleria ne fosse informato, alimentando sorpresa e cautela negli ambienti vicini all’istituzione.

Il film si costruisce attorno a una rete di testimonianze dirette: ex dipendenti, artisti e insider del mercato pronti a raccontare dinamiche interne raramente rese pubbliche. L’obiettivo non è soltanto quello di delineare la biografia di un mercante d’arte, ma di esplorare le strutture di potere, le strategie commerciali e le relazioni che regolano il funzionamento del segmento più alto del mercato, quello delle opere “blue chip”. Un’indagine ormai nota ad Avrich, che già nel 2017 con Blurred Lines: Inside the Art World aveva messo in scena il dialogo tra creatività e finanza, coinvolgendo figure come Marina Abramović e Damien Hirst. Tre anni dopo, con Made You Look: A True Story About Fake Art, aveva invece ricostruito il caso della frode legata alla galleria Knoedler & Co., uno degli scandali più clamorosi del sistema artistico newyorkese.

Con Shadow Man, il regista sembra ora spostare il fuoco narrativo verso il vertice della piramide: non più soltanto le anomalie del mercato, ma chi ne definisce le regole. Il ritratto di Gagosian che emerge dal dibattito critico internazionale è quello di un intermediario diventato egli stesso attore dominante del sistema che contribuisce a governare. Come ha osservato un celebre profilo pubblicato su The New Yorker, la sua ascesa lo ha portato a un punto in cui la distanza tra chi vende arte e chi incarna il potere economico si è quasi dissolta. È proprio questa trasformazione – da gallerista a magnate globale – a costituire il fulcro interpretativo del documentario.

Attorno a questo asse si sviluppa una narrazione che promette di scavare nelle zone meno visibili del sistema: trattative riservate, rapporti di forza tra artisti e gallerie e logiche che regolano l’accesso al mercato. In un contesto in cui il valore culturale e quello finanziario risultano sempre più intrecciati, il film di Avrich si propone come una lente critica su un universo in cui la trasparenza è spesso l’eccezione, e la segretezza la norma.

Alla tavola rotonda hanno partecipato numerosi protagonisti dell’industria cinematografica italiana, tra cui Beatrice Fiorentino della Settimana Internazionale della Critica di Venezia, Andrea Occhipinti di Lucky Red, Mariella Troccoli della Roma Lazio Film Commission, Andrea Romeo di I Wonder Pictures, Francesco Martinotti dell’ANAC, oltre a produttori, registi, autori e operatori culturali presenti a Cannes.

Tra i temi centrali emersi durante il confronto, particolare attenzione è stata dedicata alla necessità di rafforzare le coproduzioni europee e le collaborazioni internazionali, considerate strumenti fondamentali non solo dal punto di vista economico ma anche artistico. L’obiettivo condiviso è favorire una maggiore circolazione delle opere italiane, dei talenti e delle nuove narrazioni nel panorama globale.

Ampio spazio è stato riservato anche alla tutela del cinema d’autore e di ricerca, ritenuto essenziale per preservare la libertà creativa e la pluralità espressiva che storicamente hanno caratterizzato il cinema italiano. I partecipanti hanno sottolineato l’importanza di sostenere i giovani autori attraverso percorsi di accompagnamento, nuove reti produttive e una collaborazione più strutturata tra istituzioni, festival e realtà indipendenti. Dal dibattito è emersa inoltre l’esigenza di creare luoghi permanenti di dialogo tra autori, produttori e istituzioni, con l’intenzione di superare la frammentazione del settore e costruire una visione comune per il futuro.

«Il cinema italiano deve tornare ad avere ambizione internazionale», ha dichiarato Agostino Gambino, evidenziando la necessità di nuove connessioni europee e di un confronto aperto tra generazioni e professionalità differenti. L’iniziativa è stata organizzata da L’Avventura, nuova casa di produzione fondata da Gambino e Abbruzzese, nata con l’obiettivo di sostenere una nuova generazione di autori e sviluppare progetti dal respiro internazionale tra Roma e l’Europa.

A sorprendere è soprattutto la portata del successo del regista bellunese, già indicato dagli addetti ai lavori come uno dei nomi più interessanti della nuova generazione del cinema italiano. Le città di pianura, diventato negli ultimi mesi un piccolo caso cinematografico anche grazie al passaparola, ha conquistato critica e pubblico con il suo racconto sospeso tra provincia, malinconia e ricerca identitaria. Nel corso della serata spazio anche ai premi tecnici e agli omaggi alla carriera. Ornella Muti ha ricevuto il David Speciale, accolta da una lunga standing ovation del pubblico presente in sala. Tra gli altri titoli premiati figurano anche Le assaggiatrici di Silvio Soldini e Fuori di Mario Martone, mentre il cinema d’autore italiano conferma una stagione dominata da opere intime e fortemente personali.

Quattro premi invece per Primavera di Damiano Michieletto, che ha conquistato i riconoscimenti per Miglior compositore, Migliori costumi, Miglior acconciatura e Miglior suono, mentre La città proibita di Gabriele Mainetti ha ottenuto tre David, tra cui fotografia, scenografia ed effetti visivi. Due statuette a testa per Le assaggiatrici di Silvio Soldini e Gioia mia di Margherita Spampinato. Tra i premi agli interpreti, Aurora Quattrocchi ha vinto come Miglior attrice protagonista per Gioia mia, Matilda De Angelis come Miglior attrice non protagonista per Fuori, mentre Lino Musella è stato premiato come Miglior attore non protagonista per Nonostante. Il David per il Miglior film internazionale è andato a Una battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson. Ma il vero nome che esce rafforzato da questa edizione dei David rimane quello di Francesco Sossai, ormai considerato la rivelazione assoluta dell’anno cinematografico italiano.

L’edizione 2026 si apre sotto il segno della memoria. Il festival è infatti dedicato a Edda Billi, figura storica del femminismo e dell’attivismo lesbico italiano, scomparsa recentemente dopo oltre mezzo secolo di battaglie civili e culturali. Poetessa, teorica e militante, Billi è stata tra le protagoniste di esperienze fondamentali come l’occupazione di Via del Governo Vecchio e la nascita della Casa Internazionale delle Donne di Roma. Dedicare a lei questa edizione significa riconoscere una genealogia politica che attraversa corpi, linguaggi e pratiche di autodeterminazione.

Non è casuale che il claim scelto quest’anno sia The Power of Love. Lontano da ogni retorica sentimentale, l’amore viene qui rivendicato come forza trasformativa e radicale, capace di opporsi ai dispositivi di esclusione e alle logiche patriarcali. L’amore tra donne, l’amore come alleanza, cura e solidarietà, diventa così un gesto profondamente politico.

Ad aprire il festival sarà la proiezione evento di When Night is Falling (1995) di Patricia Rozema, presentato per la prima volta in Italia nella versione restaurata in 4K. A trent’anni dalla sua uscita, il film conserva intatta la propria forza dirompente. Rozema raccontava il desiderio femminile senza filtri voyeuristici né mediazioni moralistiche, restituendo alla relazione tra le protagoniste una complessità emotiva allora rarissima nel cinema mainstream. Rivederlo oggi significa anche misurare la persistenza delle immagini che hanno contribuito a ridefinire l’immaginario queer contemporaneo.

L’intero programma si muove lungo questo asse che intreccia memoria e nuove forme di rappresentazione. Tra i lungometraggi spicca Des preuves d’amour di Alice Douard, presentato al Festival di Cannes 2025, che affronta il tema dell’omogenitorialità interrogando le ambiguità giuridiche e sociali che ancora attraversano il riconoscimento delle famiglie queer. In Hot Milk di Rebecca Lenkiewicz, tratto dal romanzo di Deborah Levy, il viaggio della protagonista verso la liberazione personale si intreccia a una riflessione sul corpo, la dipendenza affettiva e il desiderio. Mentre The Queen of My Dreams della regista pakistano-canadese Fawzia Mirza affronta il rapporto tra identità queer, diaspora e tradizione familiare attraverso il registro della commedia drammatica.

Grande attenzione anche al documentario, territorio privilegiato di ricostruzione di memorie sommerse e contro-narrazioni. A Culinary Uprising: The Story of Bloodroot di Annie Laurie Medonis ripercorre la storia del celebre ristorante lesbico-femminista del Connecticut, spazio di comunità e resistenza rimasto attivo per quasi cinquant’anni. Sally di Deborah Craig restituisce invece visibilità alla figura di Sally Gearhart, teorica e attivista centrale per il femminismo lesbico statunitense oggi quasi rimossa dalla memoria collettiva. Accanto a questi lavori, Bulletproof – A Lesbian’s Guide to Surviving the Plot di Regan Latimer riflette con ironia sull’influenza delle serie televisive nella costruzione dell’identità LGBTQ+.

Uno degli aspetti più interessanti di Immaginaria resta però l’attenzione dedicata al cortometraggio, formato spesso marginalizzato ma qui riconosciuto come laboratorio privilegiato di sperimentazione linguistica e politica. Il panel Senza chiedere il permesso: i female gazes nel cortometraggio italiano contemporaneo riunirà registe, attrici e professioniste del settore per interrogare nuove possibilità dello sguardo femminile nel cinema italiano.

A incarnare lo spirito di questa edizione è stata scelta Federica Rosellini, artista capace di attraversare teatro, musica e performance con una ricerca radicale e visionaria. La sua presenza come testimonial restituisce perfettamente la natura di Immaginaria: un festival che interroga le forme stesse della creazione artistica, della libertà e del desiderio.

info: immaginariaff.it

Tabù. Egon Schiele

Il primo appuntamento, visibile nelle sale il 20, 21 e 22 aprile 2026, è stato diretto da Michele Mally e prodotto in collaborazione con 3D Produzioni. Il docufilm ripercorre il percorso artistico e umano di una delle figure più influenti e radicali del primo Novecento, la cui rappresentazione perturbante e provocatoria del corpo continua ancora oggi ad interrogare lo sguardo dello spettatore. Il viaggio narrativo prende avvio da Český Krumlov, città legata alle sue origini e dove ha vissuto insieme alla compagna Wally Neuzil. Da qui il racconto oscilla tra Vienna e Parigi, restituendo il clima culturale che si respirava al tempo, costantemente attraversato da profondi cambiamenti di carattere artistico e sociale.

Durante tutto il percorso lo spettatore sarà accompagnato dall’attrice Erika Carletto e dalle melodie composte dalla violinista Laura Masotto. Il film alterna così elementi biografici, come il matrimonio con Edith Harms, agli interventi storici affidati a studiosi e curatori di istituzioni come l’Albertina Museum e il Leopold Museum. Tra i passaggi più significativi emerge il racconto del 1910, anno in cui il linguaggio artistico di Schiele raggiunge la sua forma definitiva. Il documentario si conclude con il racconto del 1918, anno segnato dalla scomparsa di Schiele, Gustav Klimt e la fine dell’Impero austro-ungarico.

Lucio Fontana, The Final Cut

Disponibile nelle sale italiane il 25, 26, 27 maggio, il documentario diretto da Andrea Bettinetti e narrato da Miriam Leone, propone un ritratto inedito e potente del maestro che ha trasformato profondamente il modo di concepire spazio e materia. Prodotto da Good Day Films con l’autorizzazione della Fondazione Lucio Fontana, la pellicola abbraccia l’eredità della sua ricerca, restituendola al pubblico attraverso materiali d’archivio, testimonianze internazionali e le sue opere conservate nei musei e nelle collezioni più importanti al mondo. Il film alterna note biografiche, che mettono in risalto la personalità eccentrica e visionaria, a una serie di interviste fatte ad artisti internazionali che hanno avuto occasione di conoscerlo e confrontarsi con le sue opere. Tra questi figurano Doug Wheeler, Alfredo Jaar, Michelangelo Pistoletto e Antony Gormley. Nel film trovano spazio anche gli interventi di Luca Massimo Barbero e Daniela Alejandra Sbaraglia.

Il racconto riporta inoltre elementi più teorici, formulati dal filosofo Padre Paolo Benanti e dall’architetto Norman Foster, in quanto la produzione artistica di Fontana ha definitivamente aperto un varco tra scultura e pittura, giocando con superfici, colori e luci.

Le tenebre sono calate anche all’esterno quando prende avvio la cerimonia di apertura: Antonio Termenini, direttore artistico del festival, coglie l’occasione per ringraziare tutte le ambasciate – Filippine, Indonesia, Thailandia, Corea del Sud, Giappone e Malesia – che hanno reso possibile la 23ª edizione. Nel presentare i lungometraggi che aprono il festival Termenini ne ricorda le origini: nel 2002 infatti la manifestazione era nata proprio come Taiwan Film Festival. Il ruolo preminente della cinematografia cinese nella genesi dell’evento è celebrato attraverso le proiezioni della prima giornata, in particolare con il film in concorso di Shu Qi, Girl (2026).

L’esordio alla regia di Shu Qi

La taiwanese Shu Qi, attrice e modella di fama mondiale nel panorama cinematografico, viene celebrata con un breve montaggio che ripercorre i suoi ruoli più inconfondibili: segue la proiezione della sua prima composizione registica, intitolata Girl.

Il film, premiato come miglior regia al 30° festival di Busan, esplora l’universo intimo di un’indigente famiglia cinese attraverso gli occhi di due personaggi in particolare: la bambina Hsiao-lee, schiacciata dalle pressioni della spinosa situazione domestica, e sua madre, vittima a sua volta di una società caratterizzata da sfruttamento lavorativo e controllo patriarcale. Tra la rabbia della moglie e l’alcolismo del padre, il film si carica fin da subito di una forte tensione emotiva che esplode grazie a un mirato utilizzo delle scene – ad esempio, un docile ragno osservato da Hsiao-lee a inizio film, diventa un crudele cacciatore nelle sequenze finali. Nonostante lo sguardo principale sia diviso tra due figure femminili, il titolo è posto al singolare, facendosi rappresentante di una condizione femminile univoca che intercorre generazioni diverse, da madre a figlia.

Focus sulle Filippine: Moonglow

Un percorso di formazione in piena evoluzione è anche al centro del film Moonglow (2025) di Isabel Sandoval. Per la prima volta nella storia del festival, una giornata è dedicata interamente alla cinematografia filippina: la nuova collaborazione è suggellata dalla presenza dal vivo di Isabel Sandoval – attrice, regista e sceneggiatrice originaria di Cebu City – che introduce al pubblico il suo ultimo film, un coinvolgente noir che si sviluppa con l’affascinante sinuosità del fumo di una sigaretta nell’aria.

La storia si svolge negli anni ’70 a Manila, capitale delle Filippine, dove una detective è divisa tra la propria morale e un insistente passato che riaffiora quando deve lavorare al fianco di un vecchio partner. Amore, politica ed etica professionale si intrecciano nel lungometraggio: ce lo racconta proprio Isabel Sandoval, che in occasione della proiezione ha risposto ad alcune domande dei giornalisti e di Termenini. L’intervista, svoltasi in inglese, è riportata in italiano. 

Qual è il suo rapporto con la cinematografia italiana?
È stata davvero molto importante negli anni della mia formazione, specialmente i film di Fellini con sua moglie Giulietta Masina, come Le Notti di Cabiria e La Strada. Sono stati fondamentali per lo sviluppo della mia sensibilità drammatica: l’umanità che emerge in personaggi visti come outsiders, fatti oggetto di ridicolo ed esclusione da parte della società, li rende speciali e credibili. Faccio tesoro di questo senso di compassione presente nei film di Fellini.

Il film ha l’atmosfera onirica di un’opera di Wong Kar-wai, mentre sono molte le persone che vi hanno visto delle somiglianze con Secret Agent (2025) del brasiliano Kleber Mendonça Filho. Cosa pensa a riguardo?
Sono cresciuta guardando i film di Wong Kar-wai, è stato davvero formativo per la mia cinefilia. Ma sento che la sua influenza è stata così profonda che è diventata un tutt’uno con il mio DNA, così ora questa influenza emerge inconsciamente. Per quanto riguarda Secret Agent, entrambi i film hanno a che fare con le ramificazioni politiche che possono scaturire da una storia, anche se il messaggio in Secret Agent è più propriamente politico che in Moonglow: sono atmosfere cinematiche diverse, il primo è un thriller politico mentre il mio film è un melodramma romantico visto attraverso il noir.

Perché ha scelto di ambientare il film proprio negli anni ’70?
I miei film sono sempre situati in specifici momenti storici, e in effetti si svolge sotto la dittatura di Marcus. Questo è il mio secondo film ambientato in quegli anni: il primo, Aparisyon (2012), parlava di cattolici durante la legge marziale e ho voluto rivisitare questo momento nella storia filippina, ma con un approccio formale diverso. 

Come riesce a conciliare diversi generi, culture e influenze nel film?
Nei miei primi film sono stata fedele a un realismo sociale, in questo invece è la prima volta che porto un’idea di cinema come artificio. In superficie tutte le premesse lo fanno sembrare un noir, un crime drama: ma non ha un genere preciso, è una meditazione sul crescere e sull’invecchiare. Parla di persone che da giovani erano idealiste ma che poi si ritrovano in un sistema corrotto, molto diverso da quello che si era immaginato e per cui si era combattuto, dando vita a una forte disillusione. Di proposito ho voluto rielaborare una classica atmosfera hollywoodiana, perché attraverso questi generi, e in quel periodo, l’America divenne una superpotenza globale e Hollywood era il suo principale motore, una fabbrica di miti e sogni. Quello che è più importante in questo film è porsi invece agli estremi dello schermo, per scoprire quanto questi limiti possano essere superati.

A illustrare l’edizione del festival, una conferenza stampa di presentazione. «La manifestazione si attesta ormai come una delle più autorevoli per intercettare l’inarrestabile ascesa e affermazione del cinema asiatico, una realtà che domina con forza crescente lo scenario internazionale sia su piattaforma che al cinema» dichiara Federico Mollicone, presidente della commissione cultura della Camera dei deputati.

Culture a contatto

Mollicone definisce il festival una «grande manifestazione di diplomazia culturale»: il rinnovo delle partnership con le ambasciate conferma il valore dell’evento come inestimabile punto d’incontro tra culture. Accanto alle collaborazioni consolidate si aggiungono nuove presenze: quest’anno per la prima volta partecipano le Filippine, protagoniste della giornata dell’8 aprile. Per l’occasione sarà ospite la regista Isabel Sandoval per presentare il suo film in concorso Moonglow (2025).

Altri ospiti internazionali sono il sudcoreano Lee Kwang-kuk e Fukada Koji: stella luminosa nel firmamento cinematografico giapponese, il regista presenterà in anteprima italiana il film Love on Trial (2025) il 10 aprile, in una proiezione gratuita presso l’Istituto Giapponese di Cultura, seguita da un Q&A con il pubblico.

Cosa vedremo sullo schermo

Asian Film Festival ha inizio il 7 aprile con il film Girl (2025), prima regia della taiwanese Shu Qi, in concorso alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia 2025, e si chiuderà il 15 aprile con la cerimonia di premiazione: segue la proiezione di She Has No Name (2024) di Peter Chan e The Ugly (2025) di Yeon Sang-ho, acclamato regista di Train to Busan (2016).

Le proiezioni in programma spaziano tra tematiche differenti, senza «paura di confrontarsi con il genere e anche di reinventarlo» dice il direttore artistico del festival, Antonio Termenini. È un thriller ambientato tra i fornelli Morte Cucina (2023), il film che segna il ritorno del regista thailandese Pen-ek Ratanaruang, mentre Nawapol Thamrongrattanarit presenta Human Resource (2023), un’attuale narrazione del mondo lavorativo contemporaneo.

L’Indonesia intreccia il racconto di storie personali con le dinamiche sociali globali – è il caso di Siapa Dia (2025) e Whisper in the Dabbas (2025) di Garin Nugroho –, a cui si aggiunge la componente musicale in Rangga & Cinta (2025) di Riri Riza. Le proposte filippine alternano approcci storici e intimisti, mentre stupisce la Corea del Sud, che con i suoi otto titoli in programma stabilisce un nuovo record: tra i lungometraggi proposti ci sono sia thriller, sia visioni private e introspettive come Beautiful Dreamer (2025) di Lee Kwang-kuk.

La giornata dedicata al Giappone, il 12 aprile, vedrà la proiezione di due titoli particolarmente attesi: Love on Trial di Fukada Koji e Sham (2025) di Miike Takashi. L’interesse all’attualità è sottolineato da Mollicone, che spiega come «attraverso lo sguardo dei cineasti asiatici veniamo messi a confronto con quelli che sono i grandi temi all’interno del nostro tempo: dalle ferite del cambiamento climatico, alle sfide poste dall’evoluzione tecnologica fino alla lotta contro le disuguaglianze».

Occhio ai giovani

Ancora Mollicone dichiara che «questi racconti sono un focus universale capace di mostrare come le inquietudini e le speranze dell’oriente coincidano con le sfide globali che l’occidente stesso è chiamato ad affrontare, anzi molto spesso, le anticipano»: in quest’edizione la cinematografia asiatica suggerisce di far particolare attenzione alle nuove generazioni.

In questa direzione, già il film di apertura del festival «affronta uno dei temi fondamentali della cultura dell’estremo oriente, quello del passaggio generazionale, del coming of age» evidenzia Termenini: l’adolescenza è argomento centrale, oltre che in Girl, anche in Flat Girls (2025) di Jirassaya Wongsutin, e in Amoeba (2025) di Siyou Tan. La valorizzazione del potenziale dei giovani esce fuori dallo schermo e si traduce nella composizione delle giurie. Tre realtà studentesche – LUMSA, RUFA (Rome University of Fine Arts) e UNINT – si affiancheranno alla giuria principale formata dal produttore cinematografico Gianluca Arcopinto, dal giornalista del TG1 Francesco Maesano, e da Martina Barone, selezionatrice del Torino Film Festival e critica cinematografica. In particolare, LUMSA assegnerà il premio per la sezione Newcomers, dedicata agli astri nascenti del cinema contemporaneo asiatico.

«Per noi è particolarmente importante cercare di creare un interesse da parte dei giovani per un cinema lontano e non scontato come quello dell’estremo oriente» ribadisce Termenini. Il festival si conferma così non solo come una vetrina cinematografica, ma come uno spazio di dialogo capace di avvicinare pubblici e culture diverse attraverso il linguaggio universale del cinema.

Presentata ieri al Cinema Troisi – e già disponibile su Prime Video -, Uncovered Rome è divisa in quattro episodi che ruotano attorno al concetto di memoria culturale. Il progetto infatti mette in luce la bellezza di Roma abbandonando i tipici racconti di siti archeologici già conosciuti e abbracciando percorsi inattesi: la memoria della città viene ricostruita attraverso la storia di monumenti meno noti, mostrando il volto quotidiano e più intimo della capitale. Al centro della vicenda c’è un giovane content creato interpretato da Giuseppe Lino a cui viene affidato il compito di raccontare sui social la storia di cinque siti archeologici poco conosciuti di Roma.

Grazie a questo stratagemma, la serie intreccia realtà documentaristica e finzione, aprendosi ad una narrazione che abbraccia materiale d’archivio, interviste, testimonianze e coinvolge addirittura i cittadini stessi, abbandonando completamente l’approccio didascalico tipico dei documentari. Ad accompagnare il pubblico in questo viaggio quindi sono una molteplicità di voci, diverse tra loro, che insieme restituiscono la stratificazione sociale e culturale dei luoghi esplorati.

Il progetto non ambisce quindi a tracciare una mappa completa della città: Uncovered Rome segue invece un percorso inevitabilmente parziale e situato, capace però di sollecitare nello spettatore una riflessione sul legame tra memoria, racconto e presente. Così Roma smette di apparire come un semplice catalogo di monumenti e si rivela piuttosto come un organismo vitale, continuamente attraversato da nuove interpretazioni e riscritture.