Il progetto nasce come un viaggio nell’archivio e nella memoria della casa di moda, mettendo in dialogo gli abiti, i disegni, i materiali di ricerca e le immagini che raccontano il percorso condiviso tra il designer tedesco e la famiglia Fendi. Lagerfeld, entrato nella maison nel 1965, ha contribuito in modo decisivo a trasformare il linguaggio della pellicceria e del lusso italiano, introducendo un approccio sperimentale capace di unire artigianato, cultura visiva e contemporaneità. Concepita per illustrare i diversi passaggi che conducono dall’ideazione alla progettazione e alla produzione del capo, si articola nelle sezioni Tavolette, Caleidoscopio, Matrici Progettuali, Teatro, Pettine, Video, Schizzi e Computer attraverso una sequenza narrativa basata su quella studiata dallo stesso Lagerfeld quarant’anni fa. La scelta della GNAMC come sede non è casuale: il museo romano rappresenta da sempre un luogo di confronto tra discipline e linguaggi creativi differenti. Il legame tra Fendi e l’istituzione romana affonda le radici proprio nella storica esposizione del 1985, che celebrava il sodalizio tra la maison e Lagerfeld attraverso un progetto capace di superare i confini tradizionali della moda per entrare nel territorio dell’arte.

«Questa mostra è un tassello della storia del nostro Paese e di quella della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, che è stata pioniera nell’ospitare la moda, anticipando una visione curatoriale multidisciplinare, che oggi si rafforza anche con l’introduzione del design all’interno del museo», dichiara la direttrice Renata Cristina Mazzantini. «La creatività contemporanea, che spesso si fonda sulla cultura del progetto, tende ad assottigliare i confini tra le discipline e vive di contaminazioni. Questa mostra celebra la tradizione del “bello e ben fatto” che insieme danno vita a oggetti di straordinaria qualità».

Il 9 luglio inoltre, le sale museli hanno accolto la sfilata Couture Fall/Winter 2026-2027 della maison e per la direttrice creativa Maria Grazia Chiuri, romana e già legata a Fendi dagli inizi della sua carriera, questo appuntamento rappresenta un ritorno alle origini e insieme una nuova sfida creativa. Tanti i prestigiosi ospiti invitati per l’occasione e presenti all’evento, l’attesissima Sarah Jessica Parker, che ha ovviamente conquistato i flash di tutti i fotografi, Monica Bellucci, Valeria Bruni Tedeschi, Valeria Golino, Eleonora Abbagnato, Anna Ferzetti, Pappi Corsicato, la famiglia Fendi naturalmente e Giancarlo Giammetti. D’altro canto la designer, dopo le esperienze ai vertici di Valentino e Dior, raccoglie l’eredità di una maison costruita sulla contaminazione tra artigianato, sperimentazione e cultura visiva, portando nell’universo Fendi una nuova interpretazione dell’eleganza contemporanea.

After un percorso di lavoro. Fendi/Karl Lagerfeld 1985. After Steps Through Work
A cura di Maria Luisa Frisa
Dal 10 luglio al 25 ottobre 2026
Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma

Roseberry ha raccontato di aver iniziato il processo creativo proprio dall’architettura, dopo un viaggio a Barcellona durante il quale è rimasto colpito dalla capacità di Gaudí di trasformare la natura in costruzione. Lo stesso principio viene applicato alla couture: gli abiti diventano strutture tridimensionali, dove ricami, rilievi e silhouette scolpite evocano colonne ramificate, superfici ceramiche e forme biomorfe. La collezione, presentata in apertura della Paris Haute Couture Week, si inserisce nel percorso di ricerca che Roseberry porta avanti da quando è alla guida della maison Schiaparelli, fondendo il patrimonio surrealista della casa di moda con riferimenti all’arte, all’architettura e alla scultura. In questa stagione l’influenza di Gaudí si intreccia con materiali innovativi e lavorazioni sartoriali che trasformano il corpo in una vera e propria architettura indossabile.

Le superfici irregolari, le linee fluide e i dettagli ispirati al mondo naturale richiamano la poetica del Modernismo catalano senza ricorrere a citazioni letterali. Piuttosto, Roseberry assorbe il metodo progettuale di Gaudí, fondato sull’osservazione delle forme viventi e sulla continua sperimentazione tra arte e tecnica, traducendolo nel linguaggio dell’alta moda contemporanea. Il risultato è una collezione che conferma quanto il dialogo tra discipline continui a essere uno dei motori della creatività contemporanea. Se Gaudí aveva trasformato l’architettura in un organismo vivo, Roseberry compie un’operazione analoga sulla passerella: la couture diventa spazio costruito, materia in movimento e racconto visivo, riaffermando il legame profondo tra moda e cultura progettuale.

L’influenza di Benglis emerge nella costruzione stessa degli abiti. Anderson traduce nella couture l’idea di una materia in continuo movimento: gonne metalliche dall’aspetto fuso, sete plissettate, drappeggi che sembrano modellarsi spontaneamente sul corpo e silhouette scultoree evocano le celebri colate di lattice, poliuretano e cera con cui l’artista americana ha ridefinito il concetto di scultura dagli anni Settanta in poi. La sfilata, allestita nei giardini del Musée Rodin, prosegue una tradizione ormai consolidata per Dior, che negli ultimi anni ha spesso intrecciato il proprio immaginario con quello di artiste e protagoniste della cultura visiva. Anderson sceglie però un riferimento meno narrativo e più formale, concentrandosi sulla fisicità dei materiali e sulla loro capacità di trasformarsi, in un dialogo diretto con la ricerca plastica di Benglis.

L’omaggio non si traduce in una semplice citazione estetica, ma in una riflessione sul processo creativo. Come nelle opere dell’artista statunitense, anche nella collezione il gesto, la gravità e il comportamento della materia diventano elementi progettuali, dando vita a capi che sembrano sospesi tra abito e scultura. Il risultato è una couture che si allontana dall’ornamento per esplorare il rapporto tra forma, corpo e spazio. La collezione rappresenta un ulteriore tassello della direzione impressa da Anderson alla maison francese, orientata verso un linguaggio sempre più sperimentale e multidisciplinare. Se l’attenzione mediatica era inizialmente concentrata sull’abito da sposa realizzato dallo stilista per Taylor Swift, la sfilata ha riportato il focus sul dialogo tra arte e alta moda, ribadendo come la ricerca artistica possa continuare a essere una fonte di innovazione per la couture contemporanea.

La moda incontra il museo in uno dei luoghi più rappresentativi della cultura italiana: Fendi ha scelto la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma come cornice per la presentazione della collezione Couture Autunno/Inverno 2026-2027, la prima firmata da Maria Grazia Chiuri per la maison romana. L’appuntamento della blindatissima sfilata è fissato per il prossimo 9 luglio e segna un passaggio simbolico tanto per il brand quanto per la capitale, riaffermando il legame storico tra Fendi e la città che ne ha visto nascere l’identità. La scelta della GNAMC non appare casuale. Il museo, attualmente guidato da Renata Cristina Mazzantini, custodisce una delle più importanti collezioni italiane di arte moderna e contemporanea e diventa il palcoscenico di un progetto che intreccia patrimonio culturale, creatività contemporanea e memoria storica.

Per Maria Grazia Chiuri, romana e recentemente nominata alla guida della couture della maison, la sfilata rappresenta un debutto particolarmente significativo. Dopo l’annuncio del ritorno della Couture Fendi a Roma, la definizione della location conferma la volontà di costruire un racconto profondamente radicato nella storia culturale della città. L’evento inaugurerà inoltre un più ampio programma dedicato al rapporto tra Fendi e il mondo dell’arte. Alla sfilata seguirà una grande esposizione dedicata a Karl Lagerfeld, figura chiave nella storia della maison e protagonista di una collaborazione durata oltre mezzo secolo. La mostra AFTER UN PERCORSO DI LAVORO. FENDI / KARL LAGERFELD 1985. AFTER STEPS THROUGH WORK, il cui opening è previsto per il 10 luglio 2026 e sarà aperta fino al 25 ottonbre 2026, riattualizzerà anche il legame tra Fendi e la museo, che già nel 1985 aveva celebrato i vent’anni di lavoro condiviso tra Lagerfeld e il marchio romano attraverso una storica esposizione. La volontà di approdare alla GNAMC conferma una tendenza sempre più evidente: le istituzioni culturali diventano scenari privilegiati per la moda internazionale, trasformandosi in luoghi di produzione simbolica oltre che di conservazione. In questo contesto, Roma si prepara a ospitare un evento destinato ad attirare l’attenzione globale, nel segno di un dialogo sempre più stretto tra arte, patrimonio e haute couture.

«Sono inoltre felice di collaborare con la città di Île-Rousse a un progetto di restauro e valorizzazione di questo patrimonio unico. Rilanciare luoghi come questi e contribuire a preservarne l’eredità per le generazioni future è per me particolarmente importante», ha dichiarato Jacquemus. Costruito nel 1857 durante il regno di Napoleone III, il faro segna l’ingresso alla costa nord-occidentale dell’isola.

Il designer conferma inoltre il suo legame con i paesaggi spettacolari, scegliendo un isolotto roccioso al largo della Corsica dominato da un piccolo faro bianco come cornice della nuova sfilata. L’occasione segna un ulteriore capitolo nella ricerca estetica della maison, che da anni costruisce le sue sfilate in luoghi d’eccezione, tra minimalismo, paesaggi naturali e dimensione poetica. Nel corso delle stagioni, Jacquemus ha infatti scelto scenari sempre più iconici e immersivi, trasformando ogni presentazione in un’esperienza visiva tra natura, architettura e orizzonte mediterraneo.

Scenografia mediterranea per la sfilata Primavera/Estate 2027

Dal 2009, Simon Porte Jacquemus sviluppa la propria visione creativa attraverso una strategia che unisce moda e immaginario digitale, dando vita a momenti pensati per circolare e affermarsi online. Le sue collezioni sono attraversate da un forte senso di nostalgia personale, legato ai ricordi d’infanzia, alle estati nel Sud della Francia e alla figura materna, elementi che si riflettono tanto nelle creazioni quanto nelle scenografie dei défilé, concepiti come esperienze visive immersive.

Jacquemus, svelando la location della sua sfilata Primavera/Estate 2027, conferma ancora una volta la sua capacità di trasformare luoghi spettacolari in scenografie narrative. Dopo i campi di lavanda in Provenza, le spiagge delle Hawaii e gli spazi monumentali di Versailles, il designer francese propone un nuovo scenario d’impatto: un’isola rocciosa al largo della Corsica, dominata da un piccolo faro bianco, simbolo di speranza e fulcro poetico della collezione.

Un gruppo selezionato di invitati ha ricevuto un save-the-date per la sfilata, prevista subito dopo la fine della settimana della moda maschile di Parigi. La maison ha precisato che la lista degli ospiti sarà “molto intima” e includerà solo membri della stampa, amici della maison, alcuni buyer e celebrità internazionali e locali. È previsto un casting in Corsica per selezionare modelli locali che prenderanno parte alla sfilata.

Jacquemus: natura, immaginario e costruzione di un linguaggio visivo

Famoso per le sue sfilate “di destinazione” in luoghi immersivi — tra campi di lavanda, saline o grandi giardini francesi — Jacquemus ha recentemente privilegiato anche spazi indoor, come il Museo Picasso di Parigi o l’appartamento privato dell’architetto Auguste Perret. In questo contesto, la maison incarna da sempre un ritorno alle origini e una celebrazione delle radici. Che venga letta come una strategia di comunicazione perfettamente costruita o come una ricerca autentica di freschezza creativa, Jacquemus riesce comunque a lasciare un’impronta costante nell’immaginario contemporaneo. Oltre alle collezioni, sono le scenografie, le campagne e la direzione artistica a definirne l’identità e a rafforzarne l’impatto.

In un’epoca in cui le immagini circolano rapidamente e l’attenzione è sempre più frammentata, questa capacità di catturare lo sguardo assume un valore strategico. Fin dagli esordi, il designer ha integrato il paesaggio naturale come elemento centrale della propria narrazione visiva: scogliere, spiagge e spazi aperti diventano cornici essenziali delle sue presentazioni, contribuendo a costruire un’estetica immediatamente riconoscibile e una firma stilistica ormai consolidata.

Nella nuova ala del LACMA, la sfilata Cruise 2027 d iDior si è aperta in un’atmosfera fatta di lampioni soffusi e decappottabili illuminate dai fari. Ma è stato un cappotto in particolare a catturare l’attenzione: sembrava attraversato dai riflessi della luce dello spazio, finché non si è scoperto che quelle ombre erano in realtà stampate sul tessuto, seguendo direzioni diverse rispetto all’illuminazione reale.

Quel cappotto evocava immediatamente l’estetica del thriller e del film noir: sembrava il capo indossato da un personaggio intravisto dietro le tapparelle socchiuse di una finestra, attraversato da fasci di luce e ombre riflesse sulle pareti della scena. L’intera collezione ha poi sviluppato questo continuo gioco percettivo tra realtà e illusione: dai cappelli firmati Philip Treacy, che proiettavano le scritte “Dior” e “Flow”, fino agli abiti fluttuanti e alle frange in movimento che moltiplicavano ombre e riflessi nello spazio della sfilata.

La moda come scenografia

Questa dimensione cinematografica non è casuale. Christian Dior ha intrattenuto un rapporto profondo con Hollywood, firmando costumi e vestendo alcune delle più grandi attrici del Novecento, tra cui Grace Kelly, Elizabeth Taylor, Ava Gardner e Marlene Dietrich. Celebre la frase pronunciata da Dietrich prima di accettare il film Stage Fright  (1950) di Alfred Hitchcock: «No Dior, no Dietrich». 

L’atmosfera della collezione richiama direttamente il cinema che Christian Dior aveva contribuito a vestire tra gli anni Quaranta e Sessanta, da No Highway in the Sky (1951) fino a Charade  (1963) con Audrey Hepburn. In questa Cruise 2027, le ombre diventano parte integrante degli abiti, trasformando la moda in una vera e propria scenografia cinematografica e richiamando il legame storico tra Dior e Hollywood.

La scelta della Frick Collection conferma la volontà della miason di associare le proprie sfilate a luoghi iconici dell’arte e dell’architettura. Negli ultimi anni la maison ha infatti organizzato i propri défilé in scenari simbolici come il Palais des Papes di Avignone, il TWA Flight Center di New York e la Fondazione Maeght in Costa Azzurra. Con la Frick, però, il rapporto si trasforma in qualcosa di più strutturato: non soltanto una passerella spettacolare, ma un investimento diretto nella vita culturale e scientifica di una delle istituzioni museali più prestigiose degli Stati Uniti.

L’intesa, presentata dal direttore della Frick Axel Rüger, garantirà un sostegno economico a tre ambiti centrali della missione del museo: mostre, attività pubbliche e ricerca storico-artistica. La collaborazione segna un nuovo capitolo nel rapporto tra grandi maison del lusso e istituzioni culturali internazionali, sempre più orientate verso modelli di mecenatismo privato capaci di sostenere programmi scientifici e iniziative aperte al pubblico. La Cruise 2027 rappresenterà il primo grande evento della partnership, ma anche uno dei momenti più esclusivi della stagione moda americana. Per consentire l’allestimento della sfilata e degli eventi collegati, la Frick Collection resterà chiusa per alcuni giorni. Louis Vuitton sosterrà inoltre tre grandi mostre temporanee, una serie annuale di aperture serali gratuite, ribattezzate “Louis Vuitton First Fridays”, e il finanziamento biennale di una figura curatoriale dedicata alla ricerca.

Il primo progetto espositivo sponsorizzato sarà Siena: The Art of Bronze, 1450-1500, in programma dall’autunno 2026 fino al 2027. Curata da Giulio Dalvit, la mostra esplorerà il ruolo di Siena come centro d’eccellenza nella scultura in bronzo rinascimentale, riunendo circa quaranta opere di artisti come Donatello, molte delle quali mai uscite dalla Toscana. Accanto all’esposizione sarà pubblicato anche un catalogo scientifico edito da Yale University Press con nuovi studi e contributi internazionali dedicati alla produzione bronzea senese. Nella primavera del 2027 sarà invece la volta di Painting with Fire: Susanne de Court and the Art of Enamel, prima mostra mai dedicata alla misteriosa smaltatrice francese del Seicento, unica donna conosciuta ad aver guidato un atelier di smalti nella Limoges dell’epoca. Curata da Marie-Laure Buku Pongo, l’esposizione riunirà circa cinquanta opere dell’artista, offrendo una rilettura storica del ruolo femminile nelle arti decorative europee.

Proprio come accade nell’arte visiva, molti look hanno richiesto uno sguardo più attento e meno immediato. Diversi riferimenti, infatti, si sono rivelati talmente criptici da risultare, in alcuni casi, difficilmente decifrabili. Per altri, invece, l’ispirazione è apparsa subito evidente, chiara e leggibile fin dal primo sguardo. In questo complesso intreccio di letture e interpretazioni nasce spontanea una domanda: quali sono i look che hanno colto a pieno lo spirito del tema?

L’abito di Heidi Klum – creato in collaborazione con il suo make-up artist Mike Marino – è stato uno dei più coerenti e didascalici della serata. La modella ha infatti scelto di trasformarsi in una statua vivente, ispirandosi alla Vestale velata di Raffaele Monti. Il risultato è un look che ha annullato qualsiasi distinzione tra corpo e abito: la silhouette appare scolpita nella materia, come se il tessuto fosse stato modellato direttamente nella pietra, con drappeggi rigidi e continui che avvolgono la figura fino a renderla quasi immobile, sospesa tra movimento e fissità. In questo senso, il suo look si spinge oltre i confini della serata, passando da semplice ispirazione ad incarnazione del tema.

Rachel Zegler invece ha deciso di muoversi lungo una linea più narrativa e teatrale, vestendo un abito firmato Prabal Gurung, ispirato al dipinto L’Esecuzione di Lady Jane Grey di Paul Delaroche, portandone al centro la tensione emotiva. Il look si presenta come essenziale, costruito su tonalità chiare e fredde che amplificano la sensazione di sospensione della scena raffigurata, mentre il velo sugli occhi diventa l’elemento centrale della composizione, trasformandosi in una chiave interpretativa immediata e fortemente evocativa.

Considerato uno dei look più eterei e rarefatti della serata, quello di Hunter Schafer – firmato Prada – si è distinto per la sua costruzione stratificata e apparentemente semplice. L’ispirazione sembra nascere soprattutto dallo sfondo del Ritratto di Mäda Primavesi di Gustav Klimt, più che dal ritratto in sé. Il look gioca infatti su una doppia superficie: un tessuto plissettato color carta da zucchero attraversato da motivi floreali bianchi fa da base a un abito superiore più netto, bianco, costruito con maniche corte a sbuffo e un taglio sotto il seno. Sul busto, applicazioni floreali tono su tono, quasi come rose scolpite nel tessuto, riprendono direttamente l’ornamentazione presente nel ritratto di Klimt.

L’abito di Madonna ha riletto il tema in chiave neo-gotica, portando sul Red Carpet una visione che sfuma i confini tra arte, moda e performance. Il look, creato da Saint Laurent, si ispira a The Temptation of Saint Anthony di Leonora Carrington e rilegge, attraverso uno sguardo contemporaneo, un immaginario medievale e simbolista. L’abito è un lungo vestito nero a colonna, con scollo profondo a V, che richiama la verticalità austera delle forme gotiche. L’impatto visivo si completa grazie alla presenza di sette figure femminili, vestite in tonalità pastello e disposte a sostegno di un ampio velo trasparente che culmina in un copricapo a forma di nave pirata, trasformando l’intero ensemble in un’installazione performativa.

Sul fronte maschile invece, la serata ha lasciato un’impressione decisamente più debole. Tra l’assenza del sindaco Zohran Mamdani – spesso notato anche per la sua immagine pubblica e il suo stile distintivo – e una predominanza di look piuttosto convenzionali, l’ispirazione artistica è decisamente rimasta in secondo piano. Proprio a partire da questa mancanza, vari utenti online hanno immaginato delle versioni alternative agli abiti presentati sul Red Carpet dal concept sicuramente più audace.

Tra i vari interventi spicca quello di Rick Dick, artista digitale noto per le sue sperimentazioni che uniscono moda, cultura visiva e intelligenza artificiale. Le sue versioni “alternative” dei look del Met Gala spingono il concetto di “Fashion Is Art” verso una dimensione ancora più diretta, trasformando gli abiti in traduzioni quasi letterali delle opere di riferimento oppure in costruzioni fortemente simboliche, quasi museali. Il risultato è visivamente più immediato e d’impatto rispetto a quanto visto sul red carpet, ma anche più esplicito, sicuramente al limite del didascalico.

Nel complesso, questa edizione del Met Gala ha messo in scena un equilibrio instabile tra interpretazione e leggibilità, tra citazione artistica e intuizione personale. La scenografia iniziale, con la sua eleganza misurata e quasi pittorica, aveva promesso un dialogo serrato con l’arte, gli abiti però, hanno seguito traiettorie diverse, alternando momenti di forte coerenza a scelte più difficili da decifrare.

Il cambio ai vertici si inserisce in un contesto complesso per il settore del lusso e, in particolare, per Dolce & Gabbana, alle prese con una fase finanziaria delicata. Il gruppo starebbe negoziando con le banche la gestione di un debito stimato intorno ai 450 milioni di euro, valutando al contempo nuove strategie di rilancio e rafforzamento del capitale. In questo scenario si colloca anche l’arrivo di Stefano Cantino, ex amministratore delegato di Gucci, indicato come figura chiave per il futuro assetto manageriale della maison. Un segnale chiaro: accanto alla continuità familiare, si apre la porta a competenze esterne e a una possibile ridefinizione della governance.

Resta da capire quale sarà il ruolo di Stefano Gabbana. Lo stilista, che insieme a Domenico Dolce ha costruito un immaginario estetico riconoscibile in tutto il mondo, non sembra destinato a scomparire dalla scena creativa, almeno nel breve periodo. Tuttavia, il fatto che stia valutando il futuro della propria quota societaria – pari a circa il 40% – lascia intravedere scenari più profondi, che potrebbero includere anche cambiamenti nell’assetto proprietario. La vicenda segna un momento di svolta non solo per il marchio, ma per l’intero sistema moda italiano. Dolce & Gabbana è sempre stata un’azienda fortemente legata alla personalità dei suoi fondatori, impermeabile alle logiche dei grandi conglomerati internazionali. Oggi, però, tra pressioni finanziarie e trasformazioni del mercato globale, anche questo modello sembra entrare in una fase di ridefinizione.

Il progetto mantiene il cast originale con John Glacier, Levon Hawke, Nicholas Hoult, Damson Idris, Carey Mulligan, Hunter Schafer, Liu Wen, ma lo attraversa con uno sguardo radicalmente personale, trasformandone la presenza e il ruolo all’interno del racconto: una sequenza di immagini introduce il momento centrale, un video in cui artisti, attori e modelli scandiscono il mantra “I, I, I, I am…”, una formula che si configura al tempo stesso come affermazione identitaria e interrogativo aperto, volutamente sospeso e incompiuto. Accanto ai protagonisti reali, si muovono nello spazio creature digitali, figure ibride e inquietanti che sembrano emergere da un immaginario post-umano: alter ego, proiezioni, doppi che destabilizzano la percezione e mettono in discussione l’idea di autenticità.

Attraverso la sua estetica riconoscibile e perturbante, Wolfson ridefinisce queste figure, sottraendole alla dimensione puramente rappresentativa per collocarle in uno spazio più ambiguo e stratificato. Ne emerge una visione complessa, in cui identità e immagine si moltiplicano e si rifrangono, restituendo in forma visiva quella pluralità che costituisce uno degli elementi fondanti dell’universo Prada. Sotto la direzione creativa di Miuccia Prada e Raf Simons, il progetto si inserisce in una traiettoria ormai consolidata per il brand, che da anni utilizza la comunicazione come terreno di sperimentazione culturale. Tuttavia, con Wolfson questa strategia sembra compiere un ulteriore passo, spingendosi verso territori più radicali e meno concilianti, dove l’immagine pubblicitaria si avvicina sempre più a un’opera d’arte contemporanea.