A rendere ancora più speciale la struttura è la storia che ne ha accompagnato la nascita. Nel 1948 Seamour e Gerte Shavin cercavano un architetto capace di progettare una casa moderna, prendendo come riferimento l’abitazione realizzata per un loro familiare da un allievo di Wright. Non immaginavano che sarebbe stato lo stesso maestro a raccogliere la richiesta e a seguire personalmente il progetto fino alla sua conclusione quattro anni dopo.

La struttura racconta una fase fondamentale della ricerca progettuale di Wright, orientata a costruire un dialogo armonioso tra l’uomo, lo spazio domestico e il paesaggio circostante. È la filosofia che anima le celebri “case usoniane”, sviluppate tra la fine degli anni Trenta e gli anni Cinquanta come modello di residenza moderna, funzionale ed economicamente accessibile, pensata per integrarsi con la natura anziché imporsi su di essa. La struttura racchiude molti dei principi che definiscono questa visione. Distribuita interamente su un unico livello, presenta corridoi raccolti e rivestiti in legno accompagnano verso ambienti più ampi e inondati di luce, creando una sequenza di spazi che alterna intimità e apertura. La luce naturale diventa un attore principale nell’architettura: le finestre alte e strette, collocate sopra la linea dello sguardo, illuminano gli interni senza rinunciare alla privacy, rafforzando il legame visivo con il paesaggio.

Anche la scelta dei materiali riflette la concezione organica di Frank Lloyd Wright. Pur senza aver mai visitato il sito destinato alla costruzione, l’architetto selezionò elementi profondamente radicati nel contesto locale, come la crab orchard stone, una pietra naturale che richiama le stratificazioni della roccia e il cipresso della Louisiana. A definire l’identità della casa contribuiscono inoltre alcuni tratti distintivi del suo linguaggio progettuale: l’ingresso volutamente discreto, gli arredi fissi concepiti come parte integrante dell’architettura e il grande camino in pietra, fulcro della zona giorno.

Proprio la coerenza di questa visione progettuale ha contribuito a fare della Shavin House un punto di riferimento dell’architettura moderna americana. Nel 1993 la residenza è stata inserita nel National Register of Historic Places e, due anni più tardi, è diventata l’unica proprietà di Chattanooga a ottenere il riconoscimento di monumento storico locale. Oggi, con il suo debutto sul mercato internazionale, si apre una nuova fase nella storia di un’abitazione che continua a incarnare uno degli esempi più autentici della filosofia architettonica di Wright.

Ad aprire i lavori è stato il sindaco Roberto Gualtieri, che ha ricordato come il percorso avviato negli ultimi anni abbia già prodotto risultati concreti. «Fino alla fine del mese è ancora visitabile la mostra Roma Terzo Millennio, che racconta una visione coerente della città», ha spiegato, sottolineando come il Distretto del Contemporaneo non rappresenti soltanto una delimitazione geografica, ma «un sistema urbano che va dall’area dell’ex caserma di via Guido Reni alla nuova piazza del MAXXI, fino alla futura Metro C», caratterizzato da una forte coerenza urbanistica e destinato a diventare «un motore culturale vivo».

La riflessione si è poi spostata sul grande protagonista della giornata: il Tevere. Per Gualtieri il fiume costituisce la vera infrastruttura identitaria della Capitale, troppo a lungo marginalizzata. «Vogliamo restituire il Tevere alla vita urbana, riqualificarlo e farne il grande asse dello sviluppo della città», ha affermato, ricordando il tavolo operativo avviato sul modello parigino con l’obiettivo di rendere balneabile il fiume entro il 2032. Una strategia che guarda anche al mare: «Roma è una città di mare, con tredici chilometri di costa. È inconcepibile che il suo mare venga ancora percepito come una periferia».

Il Distretto del Contemporaneo nasce dalla Farnesina

La dimensione internazionale del progetto è stata evidenziata dall’ambasciatore Umberto Vattani, presidente del Comitato scientifico del Distretto del Contemporaneo, che ha sottolineato la presenza dell’IILA, degli ambasciatori del Giappone, della Repubblica Dominicana e di numerosi rappresentanti dei Paesi latinoamericani, a conferma dell’interesse che il tema della rigenerazione urbana suscita anche fuori dai confini nazionali.

Nel suo intervento Vattani ha ricostruito il percorso che ha portato alla nascita del Distretto, individuandone le radici nella Collezione Farnesina. «Si dice che siano i luoghi a trasformare le persone, ma è vero anche il contrario: sono le persone che possono trasformare i luoghi», ha osservato. Tutto ebbe inizio, ha ricordato, con l’arrivo del primo bronzo di Pietro Consagra nella sede del Ministero degli Affari Esteri, «il passaggio da un prima fatto di vuoti e silenzi a un dopo in cui l’arte ha progressivamente preso il sopravvento sull’architettura».

Da quell’esperienza è nata una riflessione più ampia sul territorio. «Vogliamo contrastare la narrazione che consegna Roma soltanto al suo passato», ha spiegato Vattani, evocando il celebre dipinto di Giovanni Paolo Panini dedicato alla Roma antica e moderna e la visione mazziniana di una “Terza Roma”. «Noi abbiamo cercato di darle una forma. Quella forma è una cometa: nella sua testa nasce il Distretto del Contemporaneo.» Una metafora che sintetizza un sistema urbano capace di connettere il patrimonio architettonico del Novecento, il Tevere, l’EUR, Ostia e infine il Mediterraneo.

La Senna come esempio per il Tevere

Il confronto con Parigi è stato affidato a Marion Waller, direttrice generale del Pavillon de l’Arsenal, che ha ricordato come il recupero della Senna abbia rappresentato prima di tutto un progetto sociale. «L’obiettivo è riportare i cittadini a vivere gli spazi urbani, favorendo l’incontro e la mescolanza», ha spiegato, indicando nel rapporto quotidiano tra abitanti e fiume uno degli elementi centrali della trasformazione della capitale francese.

Lo sguardo storico è stato invece affidato a Claudio Parisi Presicce, sovrintendente capitolino ai Beni culturali, che ha invitato a leggere il Distretto come un territorio dove si concentrano secoli di stratificazioni culturali. Dallo scontro con Veio alla battaglia di Ponte Milvio tra Massenzio e Costantino, quest’area conserva alcuni dei momenti fondativi della storia romana. «Siamo abituati a considerare i monumenti come isole separate», ha osservato. «Esistono una città di sopra e una città di sotto che oggi devono tornare a dialogare.» L’obiettivo non è soltanto ricucire un tessuto urbano frammentato, ma reintegrare il patrimonio storico nella vita sociale contemporanea.

Veloccia: «Il Flaminio tiene insieme contemporaneità e residenzialità»

A completare il quadro sono intervenuti anche l’architetto Franco Purini e Rosalia Vittorini, membri del Comitato scientifico del Distretto del Contemporaneo, che hanno approfondito il valore urbano e architettonico di questo quadrante della città. I loro interventi hanno restituito l’immagine di un sistema in cui convivono grandi architetture del Novecento, istituzioni culturali, spazi verdi e testimonianze storiche, delineando un’area che non rappresenta soltanto una concentrazione di opere contemporanee, ma una nuova chiave di lettura della trasformazione di Roma.

A chiudere l’incontro è stato l’assessore all’Urbanistica Maurizio Veloccia, che ha richiamato la pluralità delle identità urbane della Capitale. «Roma è fatta di tante Rome», ha affermato, sottolineando come il quadrante del Distretto riesca a tenere insieme residenzialità e sviluppo contemporaneo, evitando che la città monumentale perda il rapporto con la vita quotidiana dei suoi abitanti. Anche Veloccia è tornato sul tema del Tevere e del mare. «I fiumi sono il luogo in cui nascono le città e devono tornare a essere i loro assi portanti», ha dichiarato. Da qui l’attenzione verso Ostia, «uno dei grandi luoghi su cui investire». «Oggi non celebriamo il funerale di Ostia, ma la sua rinascita», ha concluso, ribadendo come Roma debba finalmente riconoscersi per quello che, come ha ricordato anche Vattani, è sempre stata: una città affacciata sul Mediterraneo.

Il 25 giugno verrà così inaugurata la Hypha Gallery South Bank, situata in un ex edificio direzionale su Southwark Bridge Road e oggi ripensata come dispositivo culturale aperto. Al suo interno troveranno posto tre gallerie, uno spazio per progetti speciali, una serie di atelier per artisti e un’area showroom dedicata alla dimensione commerciale del progetto, sviluppata attraverso Hypha Curates. Il nuovo centro nasce da una collaborazione con lo sviluppatore HUB e con Bridge Fund Management e si configura fin da subito come un organismo flessibile, pensato per accogliere nel corso di un anno circa 600 artisti.

L’obiettivo è creare un ambiente in cui produzione, esposizione e confronto possano intrecciarsi in modo continuo, favorendo l’incontro tra pratiche diverse e nuovi pubblici. A sottolineare questa dimensione in divenire è Will Jennings, direttore generale ad interim di Hypha Studios, che evidenzia come esista la possibilità di un prolungamento del progetto oltre il periodo inizialmente previsto, anche se legato a variabili esterne ancora imprevedibili. In questa logica, la temporaneità non rappresenta un limite ma una componente strutturale dell’identità stessa degli spazi, pensati per mutare e dissolversi nel tempo.

Per il primo anno, gli studi saranno assegnati a 17 artisti del collettivo emergente Lobby, selezionati attraverso una open call pubblica. Accanto alla pratica individuale negli atelier, il gruppo sarà coinvolto attivamente nella costruzione del programma pubblico della sede, contribuendo a performance, incontri e iniziative condivise. Tra le prime esposizioni previste negli spazi al piano terra figurano una mostra di scultura intitolata Bridging the Gap, un insieme di lavori site-specific e un’installazione sonora immersiva che dialoga con l’architettura dell’edificio.

L’intervento architettonico si ispira a uno dei riferimenti più noti dell’arte contemporanea parigina, il Palais de Tokyo, assunto come modello per un approccio essenziale e non finito allo spazio espositivo. L’ex edificio è stato così trasformato in circa 800 metri quadrati di gallerie e oltre 400 metri quadrati di studi, attraverso un linguaggio materico ridotto all’essenziale: superfici grezze lasciate a vista, nuovi pavimenti in cemento e partizioni inserite per costruire una struttura aperta e modulabile.

Dal 2021, Hypha Studios ha già riconvertito circa 70 edifici vuoti nel Regno Unito, trasformandoli in spazi gratuiti per la produzione e la mostra d’arte, sostenendo oltre 3.000 artisti. In questo percorso, la Hypha Gallery South Bank si configura oggi come il progetto più esteso e ambizioso mai realizzato dalla charity.

La mostra inaugurale, Machine Dreams: Rainforest, introduce questa logica attraverso ambienti immersivi alimentati da modelli di intelligenza artificiale addestrati su grandi quantità di dati ecologici. Le installazioni non rappresentano la natura in modo tradizionale, ma ne elaborano una traduzione dinamica, costruita in tempo reale a partire da flussi informativi e variabili ambientali. Una componente centrale del progetto è l’interazione con il pubblico. Ai visitatori vengono assegnati dispositivi indossabili che registrano parametri fisiologici come frequenza cardiaca, temperatura corporea e risposta cutanea. Questi dati, insieme alle condizioni ambientali, influenzano la configurazione delle opere, modificandone continuamente forma, ritmo e intensità percettiva.

Accanto al sistema di rilevazione biometrica, un ulteriore dispositivo introduce una dimensione olfattiva personalizzata, costruendo per ogni visitatore un percorso sensoriale specifico. L’esperienza museale si sviluppa così come una relazione bidirezionale: non è solo il pubblico a interpretare l’opera, ma è l’opera stessa a reagire alla presenza di chi la attraversa. L’idea alla base di DATALAND è quella di superare la tradizionale separazione tra osservatore e oggetto artistico. Il museo diventa un laboratorio in cui l’arte si comporta come un sistema aperto, capace di apprendere e trasformarsi, mettendo in discussione la stabilità dell’opera e la sua autonomia rispetto al contesto.

In questo scenario, la tecnologia non è solo strumento, ma infrastruttura narrativa e percettiva. Il risultato è un ambiente in cui la nozione stessa di “opera” si sposta verso qualcosa di fluido, continuamente ridefinito dall’incontro tra dati, macchina e corpo umano.

Gli altri tre padiglioni saranno affidati a UHO Architects (Max Turnheim e Max Utech) insieme a 2A+P/A Associates (Gianfranco Bombaci e Matteo Costanzo). Il progetto si concentra sulla riorganizzazione funzionale degli interni, con particolare attenzione all’accessibilità, al miglioramento della luce naturale e all’efficienza degli spazi, attraverso un impianto più compatto e razionale. Elemento di raccordo tra i diversi interventi sarà la nuova linea di arredi progettata da Robert Stadler, pensata come sistema flessibile e condiviso. I mobili accompagneranno la vita quotidiana dei residenti, rispondendo alla duplice dimensione dei padiglioni: luoghi di lavoro e allo stesso tempo spazi di abitazione, spesso condivisi da artisti e ricercatori in residenza.

Il programma riguarda alcuni degli spazi più significativi della residenza di Villa Medici, costruiti nel dopoguerra e collocati nella cosiddetta area della “braccheria”, storicamente legata alle attività agricole della Villa. Oggi questi edifici vengono progressivamente aggiornati per rispondere alle esigenze contemporanee della ricerca artistica, mantenendo però la loro autonomia e il rapporto diretto con il giardino. I nuovi allestimenti saranno presentati a partire dal 2027. Nel frattempo l’Accademia prosegue il percorso di selezione per il completamento del progetto, con un ulteriore bando destinato al riallestimento degli ultimi tre padiglioni rimasti esclusi da questa fase.

Il 18 giugno inaugura a Roma la nuova piazza del MAXXI, segnando l’inizio concreto di uno degli interventi più attesi nel panorama della rigenerazione urbana contemporanea della capitale. La trasformazione riguarda piazza Alighiero Boetti, lo spazio antistante il museo progettato da Zaha Hadid, completamente ripensato secondo il progetto del paesaggista belga Bas Smets, vincitore del concorso internazionale promosso dalla Fondazione MAXXI.

L’intervento si inserisce all’interno del più ampio disegno del Grande MAXXI, un masterplan che punta a rafforzare il ruolo del museo come polo culturale e ambientale, ampliandone le funzioni e migliorando la qualità degli spazi aperti. In questo contesto, la nuova piazza rappresenta il primo tassello visibile di una trasformazione che coinvolgerà progressivamente l’intero comparto, includendo il futuro MAXXI Hub e nuove aree verdi. Il progetto di Smets si distingue per un approccio radicale alla gestione del suolo e del clima urbano. L’attuale distesa minerale, caratterizzata da superfici impermeabili e scarsa ombreggiatura, sarà sostituita da un sistema paesaggistico in grado di assorbire acqua, ridurre l’effetto isola di calore e migliorare il comfort ambientale. Alberature selezionate, superfici drenanti e una nuova topografia leggera contribuiranno a creare un ambiente più vivibile, in cui la dimensione naturale dialoga con l’architettura iconica del museo.

Al centro del progetto c’è l’idea di una piazza come “infrastruttura climatica”, capace non solo di accogliere eventi e flussi di visitatori, ma anche di rispondere alle sfide ambientali contemporanee. L’introduzione di nuove specie vegetali e di dispositivi per la gestione sostenibile delle acque piovane trasformerà lo spazio in un ecosistema urbano, aumentando la biodiversità e offrendo nuove modalità di fruizione quotidiana. La riqualificazione non si limita a un intervento estetico, ma ridefinisce il rapporto tra il MAXXI e il quartiere Flaminio, restituendo alla città uno spazio pubblico più inclusivo e accessibile. La piazza diventerà così un luogo di sosta, incontro e attraversamento, capace di attivare relazioni tra il museo e il contesto urbano circostante.

Il progetto complessivo del Grande MAXXI si svilupperà su un orizzonte temporale più ampio, con ulteriori interventi previsti fino al 2027. Con l’apertura del cantiere, il MAXXI inaugura dunque una nuova stagione in cui architettura, paesaggio e sostenibilità si intrecciano, proponendo un modello di spazio pubblico capace di rispondere alle esigenze climatiche e sociali della città contemporanea.

info: MAXXI

Come già suggerisce il nome, la struttura – che aprirà al pubblico il 19 giugno nel South Side di Chicago – si allontana dall’accezione tradizionale di “biblioteca”, presentandosi più come un campus articolato e diffuso. Il progetto si basa sull’idea di un luogo aperto, che trasforma la memoria in esperienza viva. Così, oltre a custodire materiali ufficiali, oggetti personali e dossier governativi, l’Obama Presidential Center accoglie persone, attività, incontri e forme diverse di partecipazione. La scelta del luogo incrementa il valore collettivo del progetto: il centro infatti si trova nel South Side di Chicago, quartiere profondamente intrecciato con la biografia dell’ex Presidente.

È nel South Side infatti che Obama ha mosso i primi passi della sua carriera politica ed è lo stesso quartiere dov’è nata e cresciuta sua moglie. La costruzione del centro in questo contesto assume così il valore di un ritorno, quasi di una restituzione simbolica a un territorio che ha avuto un ruolo decisivo nella loro storia. Per questo il centro appare come una costellazione di spazi differenti, in cui un museo e le sue sale espositive si affiancano ad auditorium, ad aree per eventi, laboratori, strutture sportive e giardini, in una continua alternanza tra ambienti chiusi e aperti, tra luoghi del racconto e luoghi della vita quotidiana. L’intenzione non è quella di separare la memoria dalla realtà presente, ma di farle convivere, di renderle permeabili l’una all’altra.

A dare forma a questa visione è stato lo studio newyorkese Tod Williams Billie Tsien Architects, che ha immaginato il centro non come un edificio unitario e monumentale, ma come un insieme di architetture distinte, distribuite all’interno di un ampio paesaggio verde e collegate tra loro da un sistema continuo di percorsi e spazi aperti. Più che concentrarsi sulla costruzione di un unico volume iconico, i progettisti hanno scelto di articolare il programma in una serie di corpi autonomi, tutti radicati nello stesso piano pubblico, trasformando il campus in un luogo da attraversare e scoprire progressivamente.

In questo senso, l‘Obama Presidential Center segna un passaggio significativo nell’evoluzione di questa tipologia architettonica. Più che un monumento dedicato a una presidenza, appare come un’infrastruttura civica pensata per il futuro, un luogo in cui il racconto di un’esperienza politica diventa il punto di partenza per costruire nuove relazioni con la città e con la comunità. Se le biblioteche presidenziali sono nate per custodire il passato, il progetto di Chicago sembra voler dimostrare che la memoria può essere anche uno strumento per immaginare ciò che verrà.

L’evento assume un significato ancora più speciale perché coincide con il centenario della morte di Antoni Gaudí, figura simbolo dell’architettura catalana e autore di alcune delle opere più celebri al mondo. Le celebrazioni culmineranno con il completamento delle torri centrali della Sagrada Familia e con l’inaugurazione della Torre di Gesù, uno degli interventi più attesi nel lungo percorso costruttivo della basilica.

Dal 28 giugno al 2 luglio, Barcellona ospiterà il congresso internazionale dell’Unione Internazionale degli Architetti, che porterà in città circa 10.000 professionisti e oltre 250 relatori provenienti da numerosi Paesi. Gli incontri si svolgeranno in diverse sedi distribuite sul territorio urbano, coinvolgendo spazi iconici e strutture civiche rappresentative della trasformazione della metropoli catalana.

Il programma prevede più di 1.500 iniziative tra conferenze, mostre, installazioni, visite guidate e attività aperte al pubblico. L’obiettivo è diffondere gli eventi nei dieci distretti cittadini, favorendo una partecipazione capillare e valorizzando il patrimonio architettonico e culturale dei quartieri oltre i tradizionali percorsi turistici.

L’edizione 2026 offrirà inoltre l’occasione per mostrare alcuni dei principali interventi urbanistici in corso. Tra questi figurano il rinnovamento delle Ramblas, la riqualificazione di aree strategiche della città e l’espansione di importanti istituzioni culturali, come il Museu Nacional d’Art de Catalunya e il Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Accanto a questi progetti si affiancano nuove iniziative museali dedicate sia all’arte tradizionale sia alle tecnologie digitali.

Particolare attenzione sarà riservata alla storica Rambla, uno degli assi urbani più conosciuti della città. Il vasto progetto di recupero punta a restituire centralità agli spazi pubblici e a valorizzare edifici storici, tra cui il Teatre Principal, considerato il più antico teatro di Barcellona.

Tra le novità più significative figura anche la nascita della Casa dell’Architettura, che ospiterà un grande modello urbano dedicato al Piano Barcellona 2026-2035. La riproduzione, realizzata attraverso centinaia di elementi modulari assemblati come un gigantesco puzzle, offrirà una rappresentazione dettagliata dell’area metropolitana e delle sue prospettive di sviluppo.

Il complesso è composto da due architetture radicalmente opposte, che emergono nel paesaggio come presenze enigmatiche. La prima, Prairie Ark, è una struttura destinata a ospitare esposizioni, incontri, performance e momenti collettivi. Adagiata nel terreno, appare come una grande massa orizzontale che affiora dalla terra con l’ambiguità di un relitto antico: un’astronave silenziosa che sembra essere rimasta lì da sempre oppure pronta, da un momento all’altro, a sollevarsi e scomparire all’orizzonte.

La copertura inclinata prolunga idealmente il terreno e diventa un percorso da attraversare. Salendo lungo i diversi terrazzamenti, i visitatori possono osservare la prateria da punti di vista diversi, instaurando un rapporto diretto con l’ambiente circostante. Gli accessi, distribuiti tra il livello interrato, il piano terra e la copertura, eliminano una chiara distinzione tra interno ed esterno, rendendo più fluido il passaggio tra architettura e paesaggio. All’interno, lo spazio si sviluppa come un grande ambiente aperto e flessibile. Una serie di lucernari distribuiti sulla sommità lascia entrare la luce naturale, che durante la giornata modifica continuamente l’atmosfera degli ambienti attraverso giochi di ombre e variazioni luminose.

A poca distanza si trova la Nomads’ Beacon Tower, che rappresenta il contrappunto verticale del progetto. Se Prairie Ark si estende orizzontalmente e sembra radicarsi nel terreno, la torre si sviluppa verso l’alto come un punto di riferimento visibile da lontano. Situata su una piccola isola lungo la sponda orientale del lago, cambia funzione e percezione a seconda delle stagioni. Durante il periodo secco, un percorso pedonale collega la torre a un teatro all’aperto e a uno spazio di incontro organizzato attorno al nucleo centrale della struttura. Una scala conduce poi fino alla sommità, da cui si apre una vista panoramica sulla steppa. Nei mesi estivi, quando il livello dell’acqua si alza e il sentiero viene sommerso, la torre diventa invece raggiungibile soltanto in barca, assumendo il carattere di un luogo più isolato e contemplativo.

Più che oggetti conclusi, le due architetture sembrano concepite per evolvere insieme al paesaggio che le ospita. I loro usi rimangono volutamente aperti, mentre il passare del tempo e l’azione degli agenti atmosferici contribuiranno a modificarne l’aspetto. In questo modo il progetto non si impone sul territorio, ma accetta di essere parte di un processo continuo di trasformazione, lasciando che siano anche il contesto e il tempo a completarne il significato.

Particolare attenzione è stata riservata all’identità degli spazi. Gli interni, progettati dall’interior designer Andreas Neudahm, interpretano l’estetica del brand NYX attraverso colori intensi, materiali ricercati e un linguaggio visivo che unisce comfort e sperimentazione. A caratterizzare ulteriormente il progetto è la presenza dell’arte contemporanea, integrata non come semplice elemento decorativo ma come componente strutturale dell’esperienza di soggiorno. Grazie alla collaborazione con Spazio Taverna, gli ambienti dell’hotel sono stati trasformati in un vero e proprio percorso espositivo permanente. Otto artisti under 40 legati alla città di Roma sono stati invitati a realizzare interventi site-specific capaci di dialogare con l’architettura dell’edificio e con il contesto urbano circostante. Le opere affrontano temi che spaziano dalla memoria alla trasformazione della città, mettendo in relazione archeologia e contemporaneità, identità locale e visione internazionale.

Tra gli artisti coinvolti figurano Kim Isul, Giulia Mangoni, Cecilia Caporlingua, Lihi Turjeman, Genuardi & Ruta, Diego Miguel Mirabella e Federica Di Pietroantonio, autori di interventi che contribuiscono a costruire una narrazione diffusa all’interno della struttura. L’hotel assume così i contorni di uno spazio ibrido, in cui l’ospitalità si intreccia con la produzione culturale e con il sostegno alle nuove generazioni artistiche. A completare il dialogo tra passato e presente contribuisce anche il recupero di un’opera di Nerone Ceccarelli rinvenuta durante i lavori, reinserita all’interno del progetto come testimonianza della storia del luogo. Un elemento che rafforza l’idea di un intervento capace di mettere in relazione memoria, innovazione e produzione culturale contemporanea. Il progetto si distingue inoltre per l’attenzione ai temi della sostenibilità ambientale. Attualmente in fase di certificazione Green Building e orientato al conseguimento della certificazione BREEAM – Very Good, l’intervento ha previsto l’utilizzo di materiali sostenibili, sistemi avanzati di gestione energetica e soluzioni tecnologiche per il controllo centralizzato dei consumi. Un approccio che affianca alla qualità dell’accoglienza una riflessione più ampia sul futuro degli spazi urbani e sulle possibilità offerte dalla rigenerazione del patrimonio esistente.

NYX Hotel Rome