«Per la mostra – specifica la direttrice dalla galleria – Mezzaqui ha realizzato tre opere che si ispirano a tre libri: Che tu sia per me il coltello, di David Grossman, E disse, di Erri De Luca e alcune liriche di Antonella Anedda contenute nella sezione Cucire di Salva con nome, sua recente raccolta di poesie. I libri di Grossman e De Luca ci parlano della forza performativa e non solo informativa delle parole, del ruolo salvifico o distruttivo che esse possono esercitare. Il dialogo con Anedda si articola attorno a una metafora tessile: cucire assieme immagini e parole per rammendare ferite, rifiuti, assenze. Con lo stile che la contraddistingue, l’artista ha saputo distillare questi temi creando opere di grande poeticità e raffinatezza». Una doppia dimensione che lascia il giusto spazio all’interiorità, alla scintilla umana che nutre i rapporti e le relazioni tra le persone, accettandone le ombre e i lati oscuri, rendendo ogni vissuto un campo aperto, un’esperienza in fieri, paesaggio da far fiorire, o rifiorire, con le parole, o con ciò a cui anche i silenzi riescono a dare immagine econcreta. L’inquietudine interlocutoria che contraddistingue la folle corsa dell’uomo verso l’ignoto, ha bisogno di riconsocersi nell’altro da sè, di attraversare e farsi attraversare, di assentarsi per poi ricucire, di scoprire niovi passaggi per poter fare nuovi incontri. Ecco alcuni suggerimenti che le opere in mostra paiono voler suscitare con delicatezza e attenzione, perchè in fondo, «l’attenzione è la forma più rara e più pura della generosità»(Simone Weil).

Abbiamo contattato Silvana Vassallo, direttrice della galleria per farci raccontare la mostra e il nuovo spazio

Una forma di attenzione: una mostra che vuole porre l’accento sul dialogo tra le arti e tra le anime, dando volutamente voce al femminile?

«Il titolo Una forma di attenzione ha tante sfumature. In primo luogo si riferisce a una forma di corrispondenza tra le procedure compositive di Antonella Anedda e di Sabrina Mezzaqui, che la mostra vuole evidenziare. Anedda, poetessa e saggista, si definisce ”un’adoratrice silenziosa di quadri” e pratica una forma di scrittura lirica i cui tratti peculiari sono riconducibili a una modalità compositiva per immagini; Mezzaqui, artista, traduce libri e parole in opere visive. Entrambe isolano frammenti di parole e immagini e li fanno rivivere in uno spazio nuovo, aperto alla condivisione di epifanie parziali in grado tuttavia di spalancare infinite possibilità di guardare alle cose in maniera impensata. Il fatto che il dialogo avvenga tra due voci femminili non è dunque intenzionale, anche se per formazione e interessi il tema della creatività femminile mi appassiona molto».

Il valore delle parole: estetica vs significato? Come trovare il punto d’incontro?

«La domanda mi riporta al lavoro di Mezzaqui e Anedda. Entrambe attribuiscono un grande peso al significato delle parole e alla funzione etica della poesia e dell’arte. In La luce della cose l’Anedda ci ricorda che la bellezza non basta, poiché: ”se lo sguardo si abitua c’è solo letteratura. Non abituarsi coincide con un tentativo di realtà, con il vedere la realtà anche del proprio male, della propria prepotenza e impotenza. Non abituarsi è non sentirsi innocent”. La Mezzaqui usa la cifra ornamentale in maniera non fine a sé stessa, ma crea inedite associazioni tra la profondità di significato delle frasi e dei testi che utilizza nel suo lavoro e la raffinatezza dei ricami e degli intagli attraverso cui tali citazioni letterarie e filosofiche si trasfigurano in opere visive».

Mostra inaugurale che darà l’impronta. Quale il fil rouge con il futuro programma della galleria?

«Mi piace molto lavorare su progetti, partendo da un’idea per poi vederla crescere. Per ora questo è il fil rouge che intendo perseguire. La prossima mostra sarà con l’artista Mariagrazia Pontorno, su un progetto che sto elaborando assieme all’associazione Multiversum Arte e che coinvolgerà l’Orto Botanico di Pisa».

Passaggi e paesaggi dell’arte dei nostri giorni. Come si è approdati a questa nuova stimolate realtà toscana? Quale l’elemento distintivo che ne caratterizzerà le iniziative ?

«Vorrei mantenere saldo il rapporto con il territorio e allo stesso tempo fare in modo che questa sia una ricchezza in più per aprirsi a esperienze di collaborazioni a livello nazionale e internazionale. Pisa è una città con un’antica tradizione culturale e sede di prestigiose istituzioni: l’Università, il CNR, la Scuola Normale Superiore, la Scuola Superiore Sant’Anna. Non vi sono grandi esperienze di gallerie di arte contemporanea, mentre credo che ci sia un terreno fertile per iniziative di questo tipo. La mia convinzione è maturata nel corso della mia esperienza di docente (ho insegnato diversi anni come professore a contratto all’università di Pisa) e di organizzatrice di eventi culturali. La mostra Una forma di attenzione si è inaugurata pochi giorni fa e sono stata felicemente impressionata dalla grande affluenza di pubblico. Ritengo che la qualità di quello che si propone sia importante e vorrei che questo fosse l’elemento distintivo delle mie iniziative».

Fino al 19 luglio Passaggi arte contemporanea, via dei Garofani 14, Pisa

A volte però sono le opere stesse a non essere facilmente individuabili, perfettamente integrate come sono alla collezione permanente, per cui la mappa in dotazione è indispensabile per non perdersi nulla – visto che facilmente si finisce catturati dalle meraviglie qui esposte, che vanno dalla preistoria all’antropologia. Giorgio Verzotti – co-curatore della mostra – individua alcuni tratti che confluiscono nelle diverse ricerche poetiche degli artisti selezionati: «è per esempio comune la curiosità verso i processi formali della natura, che vengono presi in considerazione come modelli per i processi creativi dei linguaggi artistici, in una vera e propria tensione all’apprendimento dalla natura che non passa però attraverso la mera imitazione. L’arte ri-crea la natura». Paola Pivi in One cup of cappuccino then I go ritrae un vero leopardo che fa la sua personale performance (tra finte tazze di cappuccino), seguendo una costante del suo lavoro che si incentra sul documentare in maniera analitica situazioni irreali. La freddezza surreale è però poetica e perturbante. Nella stessa sala si staglia al centro la colonna di animali imbalsamati di Maurizio Cattelan, che restituisce un frame della divertente favola dei fratelli Grimm, I rusticani di Brema, che è anche il secondo titolo dell’opera, Love saves life. Un asino, un cane, un gatto e un gallo, arrampicatisi l’uno sulla schiena dell’altro, emettono il proprio verso che all’unisono va a formare una sorta di ruggito, che servirà loro per ottenere una casa, e vivere felicemente insieme.

E qui è eterna la loro azione corale, estremo atto di unione e di amicizia. La sala in questione mantiene l’allestimento ottocentesco della villa privata dell’esploratore Giuseppe De Reali, la cui collezione è stata donata poi dagli eredi, ed è visibile dunque alle pareti. Difatti alcune sale del Museo mostrano l’evoluzione del collezionismo naturalistico, con antiche teche e archivi infiniti, riproduzioni di wunderkammer e pagine di mirabilia. Non passa inosservato l’Ouranosaurus nigeriensis, enorme scheletro quasi intatto di un dinosauro di oltre 100 milioni di anni fa, scoperto alla fine degli anni Sessanta dal paleontologo Giancarlo Ligabue al centro del Sahara, esattamente nel deserto del Ténéré (che in lingua Tuareg significa, appunto, deserto): è solo uno, e ben conservato, dei tanti dinosauri trovati qui – quest’area, infatti, è nota come uno dei più grandi cimiteri di fossili esistenti. Cercando curiosità sull’argomento, mi imbatto in una storia interessante, in cui protagonista è un’antica acacia. La regione di provenienza dell’immenso fossile è stata a lungo famosa per l’albero del Ténéré, un’acacia considerata quasi sacra per essere l’albero più isolato al mondo, a circa 400 km di distanza da qualsiasi altra forma vegetale. (Si dice sia stata investita da un autista ubriaco, nel 1973).

Bookhouse, la forma del libro, organizzata dalla provincia di Catanzaro con il contributo della regione Calabria, è un progetto del tutto innovativo dove, nell’era dell’e-book, il libro viene indagato come spazio fisico di ricerca, come dimensione segnica e proiezione della memoria collettiva. Sono oltre 50 gli artisti coinvolti con una serie di spettacolari lavori site-specific realizzati per l’occasione come Idiom, la Torre di Babele di quattro metri che con i suoi 8.000 libri s’inerpica tra le architetture del Marca. È un’opera che dà le vertigini quella creata dall’artista slovacco Matej Kren dove il senso di precarietà viene reso tangibile dal sofisticato gioco di specchi che coinvolge la spirale infinita di libri. Prima di entrare nel museo, tuttavia, lo spettatore è avvertito che non si tratta di una semplice passeggiata tra le copertine vintage: ad accoglierlo trova Biografias, la grande cascata di libri voluta dalla spagnola Alicia Martin che sputa fuori dalla finestra del museo tonnellate di volumi provenienti da chissà quale recondito angolo della Calabria. Che ci sia un aspetto inquietante nel caro, vecchio libro definito da Umberto Eco un oggetto perfetto, al pari della ruota, lo dimostra anche l’opera dell’artista inglese Richard Wentworth che propone un’installazione di libri appesi al soffitto con sottili fili da pesca.

Ma una delle maggiori attrazioni della mostra è certamente From the entropic library, la straordinaria scultura di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen di nove metri di lunghezza proveniente dal museo di Saint-Etienne, dove il grande maestro della pop art americana fa esplodere una libreria interrogandosi sul caos linguistico e culturale. Se nel 1970 Germano Celant, nel suo celebre saggio Book as artwork, aveva definito il libro come medium autosignificante, in questo caso lo stesso impone la propria ragione all’opera d’arte che s’interroga sul peregrinare dei segni secondo una prospettiva mai prevedibile, come dimostra il cavallo-libreria di Mimmo Paladino che custodisce i volumi dell’Ulysses di James Joyce illustrati dallo stesso Paladino, o la camera da letto di Peter Wuthrich con i libri che invadono l’ambiente adagiandosi sul letto oppure formando un improbabile tappeto letterario. Ma il gioco d’incastri spazia da Giulio Paolini a Emilio Isgrò; da Enzo Cucchi a Michelangelo Pistoletto; da Anselm Kiefer a William Kentridge; da Jannis Kounellis a Pierpaolo Calzolari; da Candida Höfer a Gary Hill; da Stefano Arienti a Giuseppe Spagnulo; da Robert Rauschenberg a On Kawara; da Sabrina Mezzaqui a Paolo Consorti sino ai libri in tessuto che sembrano imprigionare le parole realizzati da Maria Lai, l’artista scomparsa poco tempo fa quando la sua rivalutazione critica era appena agli inizi.

Non manca nemmeno uno sguardo attento nei confronti della tecnologia e appare preziosa la collaborazione con lo Zkm di Karlsruhe, il centro di arte e media più importante a livello internazionale diretto da Peter Weibel che affronta la sfida imposta da un sistema dove il libro non è più un corpo solido ma liquido, in progressivo movimento, come testimonia l’installazione del coreano Kibong Rhee che fa danzare in un acquario un volume di Ludwig Wittgenstein. Ma, nessun timore, il libro cinguetta e, mentre impazza twitter, Mark Dion sistema nella sua Library for the birds i volumi di scienze naturali in una voliera con una decina di uccellini vivi. Le strade del libro sono infinite.

Bookhouse, la forma del libro, a cura di Alberto Fiz, catalogo Silvana editoriale, fino al 6 ottobre, Marca, via Alessandro Turco 63, Catanzaro. Info: www.museomarca.info