Il volume, disponibile da inizio ottobre, non si limita a documentare l’esposizione, ma diventa esso stesso un dispositivo critico. Accanto agli scritti dei due curatori, raccoglie infatti un testo inedito dello stesso Isgrò e un ricco apparato fotografico firmato da Massimo Listri, che restituisce con intensità la dimensione spaziale e installativa della mostra. L’illustrazione del catalogo sarà affidata alla voce diretta dell’artista, in dialogo con i due curatori, trasformando la presentazione in una riflessione corale sul rapporto tra parola, immagine e memoria.

A rendere l’appuntamento ancora più speciale sarà l’esecuzione in anteprima del brano musicale Terra, frutto della collaborazione tra Isgrò e il cantautore Giovanni Caccamo. La canzone, nata come interpretazione dell’opera Ti amo, è un atto di omaggio alla Sicilia, terra d’origine di entrambi. Il singolo sarà successivamente distribuito in un’edizione che prevede anche una serie di incisioni calcografiche inedite realizzate da Isgrò insieme ad Amenta Stamperia d’Arte.

Il catalogo accompagna la mostra L’Opera delle formiche, visitabile fino al 23 novembre, che inaugura il nuovo museo di Scicli con un percorso antologico dedicato al maestro delle cancellature. L’esposizione mette in luce il legame profondo di Isgrò con la cultura mediterranea, evocato in particolare dall’installazione site specific che dà il titolo alla rassegna, ispirata alla laboriosità e alla vita comunitaria delle formiche.

info: sistemamusealescicli.it

Il wall painting DISMANTLE che dà il nome all’intero progetto è una visione della stessa architettura industriale, scomposta e ricomposta dall’artista attraverso molteplici geometrie e una palette nata dallo studio approfondito dei colori dominanti del sito. Una serie di diagonali e il gioco di pieni e vuoti si ispira agli elementi architettonici presenti in tutta l’area industriale e alla modifica del paesaggio circostante. All’interno dell’area che un tempo aveva la funzione di ”insaccamento del gesso” compaiono quattro interventi murali che compongono la serie PRIMITIVE PAINTINGS: segni razionali realizzati in assenza di spazio e tempo suggeriscono all’osservatore l’innata esigenza dell’uomo di controllare ed organizzare la natura. Nello stesso spazio una struttura con la forma di una scala è protagonista di 3 assemblaggi effimeri: la scala è un simbolo ascensionale del profitto che viene privato della sua reale funzione simboleggiando un sistema, quello capitalistico, che fallisce perché contrario a qualsiasi equilibrio naturale. Greg Jager ha quindi prodotto una serie di interventi che si fondono con l’immane archeologia industriale e che, come input visuali, portano a interrogarsi sul tema dell’antropizzazione e sulla diminuzione progressiva dell’efficienza e validità dell’industrialismo che ha caratterizzato la nostra epoca. Il territorio e lo spazio delle aree produttive di A. Ancione sono particolarmente adatti come luogo-simbolo di questo processo. Sono infatti spazi che hanno segnato la storia e sono stati coinvolti nel boom economico del secondo dopoguerra, di cui le imponenti delle strutture di ferro tanto imponenti quanto fragili, simboleggiano oggi il fallimento di un sistema capitalistico. La trasformazione di quest’area in uno spazio artistico simboleggia il tentativo e lo sforzo che nelle mani delle nuove generazioni: la pesante eredità sulle spalle dovrà essere riprogettata in un’idea di futuro sostenibile.

Info: www.ragusafotofestival.com

]]> https://insideart.eu/2016/10/04/finito-festiwall-la-citta-e-un-museo-a-cielo-aperto/ Tue, 04 Oct 2016 13:22:58 +0000 https://insideart.eu/?p=148097 È finito Festiwall, il festival ragusano dedicato alla street art. In programma dal 6 al 27 settembre ha visto lavorare sui muri della città importanti firme nazionali e internazionali. Tra i tanti possiamo citare Evoca1 e Hyuro, SatOne e Agostino Iacurci. Ragusa è stata trasformata in un museo a cielo aperto, in un contesto di riqualificazione che ha raggiunto lo scopo di dare nuova linfa vitale alla città con interventi di live painting che coinvolgono anche i cittadini. L’opera di Iacurci si intitola Ogni bene è mobile, un ricordo del terremoto che nel 1693 distrusse la Val di Noto, e dei più recenti fatti di Amatrice. Il muro di Sat One, invece, si presenta come un dittico astratto sulle pareti del quartier generale, dove si svolgono una serie di eventi, workshop, concerti e mostre. Il murales di Hyuro sarà dedicato a Maria Occhipinti, anarchica e scrittrice ragusana, nel ventennale della sua scomparsa. Qui, invece, l nostra intervista ai curatori del festival, Antonio Sortino e Vincenzo Cascone Info: www.festiwall.it

Il festival è nato soprattutto per realizzare un processo di rigenerazione urbana agendo sul territorio in maniera coinvolgente per la città.
«Uno degli obiettivi principali di Festiwall è proprio quello di agire sul tessuto urbano e segnarne l’identità in modo costruttivo. Il coinvolgimento popolare, poi, è un obiettivo che possiamo dire pienamente centrato. Basti pensare che prima dell’inizio della prima edizione, appena un anno fa, la popolazione cittadina stentava quasi a capire il senso del progetto, ci guardava con una certa diffidenza. Poi gli abitanti hanno iniziato a guardare i cantieri, i professori portavano le scolaresche sotto i muri. Ma la cosa che più dà il senso di coinvolgimento è l’impegno totale e profondo di trenta ragazzi della città che, volontariamente, hanno contribuito alla realizzazione del festival solo per la voglia di riappropriarsi del luogo in cui vivono».

Come mai avete scelto la formula del live painting?
«È un valore aggiunto dell’arte murale, dà la possibilità di vedere l’artista al lavoro, di dialogare con lui nelle pause e seguirlo durante il work in progress. Crea una bella empatia con i cittadini e con tutti coloro che sono interessati a questa forma d’arte e che vogliono conoscerla da vicino carpendo, magari, qualche segreto».

Nel festival la cultura contemporanea è diffusa a 360 gradi attraverso arte, musica e laboratori formativi. Come si integrano queste sfaccettature della cultura e che cosa viene reso a Ragusa?
«Festiwall è anche una festa. Nella manifestazione convivono tutti gli aspetti dell’arte, in modo particolare quest’anno. Ci saranno workshop per grandi e per bambini; esibizioni di musica live ed esposizioni. Tra queste, le mostre collettive del gruppo catanese Ritmo e quella di Johnny Cobalto, pensata in esclusiva per Festiwall. In più, con l’open call Dis/Fare Rete abbiamo coinvolto 15 artisti emergenti, che dipingeranno una grande parete collettiva».

Come è cambiata la concezione di bene comune in relazione all’arte contemporanea, nello specifico di questa realtà urbana, grazie alla realizzazione di street art promossa da Festiwall?
«Il bene comune e la possibilità di riprenderne piena consapevolezza sono tra i concetti basilari della Street art. Per questo motivo l’arte pubblica ha un alto valore politico. Quello che fa una manifestazione come Festiwall è strappare terreno alla bruttezza, evidenziarla, per migliorarla. I lato interessante è che si crea un corto-circuito fra pubblico e privato. Per semplificare: tutti i permessi che abbiamo chiesto per dipingere sono stati rivolti ai proprietari delle case dei palazzi, cioè sono stati i privati a dare l’ok per la realizzazione delle opere che gli appartengono, ma in realtà i privati stanno offrendo la loro proprietà al pubblico perché la fruizione delle opere è collettiva. Vorremmo far capire che la città intera è un bene comune nonostante sia lottizzata in singoli interessi privati».

Perché per l’edizione 2016 è stato scelto il quartiere che viene chiamato Selvaggio?
«Ogni anno Festiwall sceglie un’area di riferimento e su questa si concentra per evidenziare storia e criticità del quartiere individuato. Abbiamo scelto il Selvaggio per una sua caratteristica peculiare: ha tutti i connotati della periferia, ma di fatto non lo è più, perché è stato inglobato dall’espansione del centro, ma manca di quei minimi servizi che lo possano rendere vivibile. Festiwall, con il suo quartier generale e le attività che là si svolgeranno, vuole contribuire a creare identità e momenti di socializzazione all’interno di quest’area».

In quale maniera avete designato gli artisti che partecipano?
«Gli artisti sono stati scelti in base a diversi criteri, tra i quali la propensione per un tema portante, che quest’anno è l’arte figurativa, e la capacità di cimentarsi con murate molto grandi, cosa che non è da tutti».

Dal 6 al18 settembre; Ragusa, vari sedi; info: www.festiwall.it

Tree/resurrection è l’immagine poetica della rinascita. Come una fenice,  un tronco d’albero appassito si appresta a ricevere una nuova vita. Al centro della galleria, infatti, la radice di un albero, con ancora annessa una piccola parte del tronco, riposa su un letto di cenere. Su alcuni punti carbonizzati della radice si posano delle farfalle dipinte con polvere di carbone, come se nascessero da quelle stesse ferite. I colori delle bruciature sulla radice si confondono con quelli delle farfalle. Dal tetto pendono dei cavi neri che sorreggono alcune lampade Wood che rimandano all’immagine di una corona. L’installazione ha una duplice visione, bianca e nera, dovuta all’alternanza tra luce naturale e black light. Questa luminosità instabile, da una parte accentua la forza del lavoro stesso, dall’altra, drammatizza un contrasto, rimandando alla precarietà della vita, ma anche alla sua tenacia. E’ proprio durante i momenti più oscuri che emerge il mistero dell’esistenza. Le lampade emanano una luce blu/nera che si va riflettendo sui diversi oggetti in maniera differente. La radice, dipinta con una resina fluorescente trasparente, diventa di colore blu ghiaccio, mentre le farfalle assumono una tonalità giallo fosforescente. Sul letto di cenere compaiono, come delle ombre, i prolungamenti di alcune radici dipinte anch’esse con resina fluorescente.

Un senso di sacralità perduta percorre tutta la produzione di Claudio Cavallaro, la cui ricerca si fonda sui concetti di risurrezione, trascendenza, cambiamento e trasformazione. Inoltre la mostra è caratterizzata da un contributo performativo di Sara Petrolito. Col corpo completamente flou, Sara Petrolito interagisce con gli sguardi a distanza del pubblico delimitato dietro le vetrate all’esterno dello spazio espositivo della Galleria. Tale effetto, creato grazie a un apposito cerone, le permette di riflettere come se fosse essa stessa luce. Questo nuovo lavoro si ricollega alla filosofia esistenzialista di Sartre nella quale lo scrittore analizza il tema dell’altro come elemento essenziale per conoscere il proprio sé. Cavallaro e Petrolito hanno, inoltre, collaborato insieme al fine di creare un’originale traccia sonora basata sul suono delle piante.

fino al 9 settembre

Galleria Clou, piazza San Giovanni 33,  Ragusa

info: www.galleriaclou.it