Lo abbiamo intervistato in occasione del suo intervento al Maam cercando di comprendere quali obiettivi sono alla base della sua ricerca stilistica.

Mauro, il tuo intervento al Maam si installa in un contesto effimero e transitorio, queste peculiarità rappresentano la forza di un luogo che sta crescendo nonostante le difficoltà e i dissidi che gli abitanti stanno affrontando. Da cosa è scaturita la tua decisione di voler partecipare a questo ambizioso progetto artistico? «Tutto è transitorio, il nostro percorso di vita, il divenire del giorno, tutto cambia più o meno velocemente, il mio modo di lavorare, nel mio intervento site specific utilizzo un inchiostro Bic su carta, l’inchiostro è un elemento instabile e fotosensibile, l’opera quindi si evolve nel tempo. Trovo interessante il fatto che un lavoro possa mutare senza più dipendere dal controllo dell’artista, è questo che mi ha mosso verso con il contesto del Maam, l’armonia di una metamorfosi».

La matrice tecnica presente nei tuoi lavori è la cifra stilistica che ti caratterizza, la perfezione fotografica contraddistingue i ritratti che componi ma questa non è una ricerca univoca, fine a stessa. Esiste nel tuo lavoro una componente psicologica dove interpreti il soggetto che stai rappresentando. Nei tuoi recenti lavori la tecnica sta evolvendo, quali sono gli elementi che stanno confluendo in questa inedita ricerca? «L’apparente facile leggibilità del mio linguaggio espressivo è fuorviante, la tecnica è un mezzo che mi permette di arrivare a qualcosa di altro, non è un semplice virtuosismo, che pure contribuisce a rafforzare i miei antiritratti. Il mio è un viaggio sull’umanità, sulle angosce, ma soprattutto sulla precarietà dei miei personaggi tratti dalla strada che vogliono restituire con lo sguardo una sincretica analisi sulla società, sperduti e fragili perché antieroi. Un continuo flusso fra superficie e profondità, fra epidermico e psicologico, in un’esplorazione continua sulle nevrosi umane ed anche sulle mie. Questa è la mia direzione».

Recentemente sei stato vittima di un vile attacco di vandalismo che ha avuto il sapore di censura. Nella tua ultima mostra a palazzo Collicola l’opera danneggiata è stata mostrata al pubblico senza alcun intervento di restauro proprio per sottolineare la volontà di denunciare l’ignobile gesto. Che cosa ti ha rammaricato di più in questa vicenda? «L’atto in sé, l’aggressione quasi fisica sulla mia opera, sulla mia ricerca, su di me. Quasi una cartina tornasole su un’indagine della società, talmente vera da farci poi i conti, per i risvolti che il lavoro suscita nel bene e nel male. La censura è sempre una limitazione della propria libertà di espressione».

Il critico Albert Aurier dedica nel 1889 un saggio concernente il nuovo linguaggio pittorico dove afferma: ”Dal momento che nell’arte così concepita, il fine non è più la riproduzione diretta e immediata dell’oggetto, tutti gli elementi del linguaggio pittorico, linee, piani, ombre, luci, colori, diventano elementi astratti che possono essere combinati, attenuati, accentuati e deformati a seconda modalità espressiva, per arrivare all’obiettivo finale dell’opera: l’espressione di quell’idea, quel sogno, quel pensiero”. Quale obiettivo ti prefiggi nel realizzare un’opera d’arte? «Tutto contribuisce alla realizzazione di un’opera, ogni elemento diventa determinante, anche l’umore. Per quanto si possa calcolare la riuscita finale, non sono mai certo di quello che sarà. Bisogna essere dei veri visionari, il pensiero iniziale vuole inseguire un’idea di per sé irraggiungibile, poi però le cose prendono forme inattese e si controlla se funzionano. Per quanto concerne il progetto iniziale, la strada che lo attraversa è una forma di mantra. Lo scopo principale che mi prefiggo è comunicare un pensiero».

Il tuo percorso creativo è sorprendente, la gestazione delle tue opere parte da un progetto che in ultima istanza si compie nel manufatto pittorico. Che cosa vuoi dire quando affermi di odiare la pittura? «Il mio lavoro si compie sul manufatto pittorico, ma i supporti stanno cambiando, interagiscono con l’ambiente, sono in migrazione su nuovi elementi e la mia pittura con loro. Per quanto mi riguarda non basta appendere un quadro. L’arte è un’esperienza e dunque va vissuta e sceneggiata nella sua interezza, lasciandosi andare alla contaminazione che gli spazi suggeriscono. Quando dico che odio la pittura è perché rappresenta un enorme sforzo mentale, sia nel farla che nel comprenderla, così come nel condividerla. Rappresenta qualcosa di complesso, fra amore e odio, una continua impellente faticosa ricerca per capire me stesso rispetto alle superfici bianche, anzi le definirei vuote. Forse del mio lavoro non accetto questa necessità di dover fare i conti con il vuoto».

Dopo l’esperienza al Maam che per un artista rappresenta una sfida con l’ambiente circostante e con il contesto che alimenta un luogo fuori da ogni schema, quali progetti ti attendono? «Sono appena partito con un nuovo ciclo di opere, sostanzialmente un progetto inedito che rappresento lo sviluppo e il mutamento del lavoro presentato a Spoleto ed al Maam. Sarò presente in una grande mostra pubblica a Milano e nel mercato europeo ed internazionale attraverso importanti fiere».

 21 marzo, Maam, Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz, via Prenestina 913, Roma
info: www.spacemetropoliz.com 

]]> https://insideart.eu/2014/02/18/lillusione-dei-romanzi-rosa/ Tue, 18 Feb 2014 14:11:55 +0000 http://www.insideart.eu/?p=85902 Chiamateli romanzi rosa, letterature romantiche, libri Harmony (collana storica di narrativa femminile), sta di fatto che il genere letterario ha sempre riscosso un gran successo, specie tra il pubblico femminile. Le storie, per la maggior parte scritte da donne, si sviluppano su trame intricate, incentrate su passioni amorose, tradimenti e amori rigorosamente eterosessuali. Considerato un genere di romanzo leggero e di consumo, di sicuro, un tempo, quando ancora non esistevano le riviste di moda, gossip e costume, il romanzo rosa costituiva un appiglio per molte donne e una maniera per rifugiarsi dietro a una grande illusione, celata dietro agli stereotipi divulgati da questa letteratura.

Tutte queste riflessioni sono alla base della mostra che inaugura alla galleria The gallery of art di Roma, intiolata, per l’appunto, La grande illusione/The great illusion. All’origine dell’esposizione c’è una storia che potrebbe anch’essa sembrare oggetto per un racconto. La curatrice Manuela De Leonardis, nel 2013 ha trovato accanto ad un cassonetto per i rifiuti una pila di romanzi d’amore in formato tascabile, scritti in inglese e pubblicati negli Stati Uniti tra il 1984 e il 2012. Da lì l’idea di dare una funzione costruttiva a questi objets trouvés. Difatti la curatrice ha deciso di utilizzare i testi come punto di partenza per 124 artisti, italiani e stranieri, ognuno dei quali è stato chiamato a interpretare uno di quei testi in chiave artistica, riflettendo sul tema dell’amore. Il titolo della mostra dai toni ironici richiama evidentemente il contenuto della narrativa femminile, sempre intrisa di vane speranze e di caratteristiche poco fedeli alla realtà.

Come viene precisato nel comunicato stampa della mostra, le opere realizzate e messe a disposizione dagli artisti hanno come obiettivo il fund raising a sostegno del progetto Cake per Bait al Karama women centre, la prima Scuola di cucina Palestinese e primo convivio Slow food a Nablus (Palestina). Il senso del progetto è di ridare nuovo valore a un vecchio oggetto dimenticato e gettato tra i rifiuti, ricontestualizzandolo in un nuovo amibito fertile.
Tra i nomi degli artisti Francesca Romana Pinzari, Franco Profili, Pupillo, Claudia Quintieri, Quraish (Mohammed Quraiseh), Rita Vitali Rosati, Michele Welke, Fiorenzo Zaffina e Luca Zampetti.

Gallery of Art, Temple University Rome Campus, Lungotevere Arnaldo Da Brescia, 15, Roma

Ultima chiamata per visitare la mostra XXL nello studio Terra!, giovedì 5 luglio, dove una serata-concerto si protrarrà fino alle 2 di notte sulle note di Ratamacue. In mostra 1362600 cm2 di tela dipinta da quattro giovani allievi dall’accademia di Roma: Davio, Renato Della Poeta, Serj e Michele Welke. Quantità e non qualità? Fil rouge che lega questi nomi, a garanzia della solidità dei lavori presentati, è il professor Gianfranco Notargiacomo, loro severo maestro.

Dopo anni di lavoro sulla pittura, alla ricerca di cromie e sperimentazioni stilistiche, i quattro ragazzi hanno fatto squadra riuniti in uno spazio condiviso Terra!, seguiti dall’occhio vigile del proprio mentore. XXL – Extra extra large, è un percorso espositivo tra tele di grande dimensione, che offre allo spettatore, posto dinanzi a vaste distese di colore, lo spunto per una riflessione tout court sulla pittura contemporanea, e sull’influenza del novecento sui giovani.

Dal testo di Giusto Puri Purini che accompagna la mostra, si legge “Una mutazione continua, ci ha portato alla percezione di altri mondi, allora semisconosciuti, a sancire il trapasso culturale da un secolo ad un altro. Questo altalenante essere e non essere che ne deriva, avvinti finalmente da un filone culturale avvincente, ha allargato il nostro subconscio, portandoci a rianalizzare i grandi maestri del 900, liberi da ingorghi di plastiche e resine, dirigendoci lontano, verso una zona dell’anima creativa, un luogo del nostro essere non contaminato, dove il tumultuoso dibattito che ne scaturisce, generi semini ”.

fino al 5 luglio

Studio Terra!, piazza della marina 26/27, Roma

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