Maria Lai. A Journey to America è il titolo della mostra newyorkese visibile sino al 28 luglio 2025, che attraverso un variegato corpus di 100 opere esplora il percorso creativo e personale di Maria Lai dagli esordi degli anni ’50 fino agli anni 2000, con un focus sulla sua sperimentazione nell’arte collettiva e relazionale. 

Adam Sheffer, il direttore di Magazzino Italian Art -dove la retrospettiva sarà ospitata- ha sottolineato come Maria Lai sia riuscita a creare «un ponte tra luoghi e culture nella sua arte, e nella sua iniziativa più celebre ha letteralmente legato un villaggio per unire la sua gente così Magazzino crea un luogo singolare dove i visitatori possono incontrare la più grande arte dell’Italia del dopoguerra».

Nel lungo viaggio dell’artista ogliastrina c’è l’America, in particolare Montreal e New York, dove arriva per la prima volta nel 1968: una sezione fondamentale della mostra sarà infatti dedicata ad alcuni dipinti, testimonianza del passaggio di Maria Lai all’arte astratta. Una sezione fondamentale della mostra sarà dedicata ai dipinti-testimoni del suo passaggio all’arte astratta: le opere, conservate in Canada e negli Stati Uniti, e mai esposte prima d’ora, sono presentate in stretto dialogo con un’importante collezione di dipinti degli anni Cinquanta.

La ricerca artistica di Maria Lai

Tra le voci più singolari dell’arte italiana dal secondo dopoguerra in poi, la ricerca di Maria Lai è poetica ed esistenziale, nutrita dalla profonda consapevolezza di un’arte di cui conosce perfettamente le ragioni. Ciascuna delle opere esposte evidenzia il suo rapporto con i materiali e la capacità di traduzione in un forte lirismo essenziale e originario delle sue radici culturali.

Ad essere fondamentale nella sua arte è il processo creativo che abbatte barriere e crea relazioni: è ciò che in qualche modo anticipava Richard Serra, con lavori caratterizzati da una forte presenza fisica e in cui la componente del movimento si traduceva nella processualità delle sue sculture. L’artista sosteneva che «l’arte per essere tale deve farci sentire più uniti. Senza questo non siamo esseri umani». Tra le sue creazioni più importanti, quando l’8 settembre 1981 crea un’opera collettiva che coinvolge tutto il paese di Ulassai, sua terra nativa. Tutte le case del piccolo borgo vengono unite tra di loro attraverso un nastro, poi legate alla montagna sovrastante, in una eterna e continua relazione fra gli uomini e l’ambiente.

Dal 15 novembre 2024 al 28 luglio 2025
info: Magazzino Italian Art, New York

Nome dell’iniziativa è Progetto e Destino, cita lo storico dell’arte Carlo Argan ed evidenzia l’importanza del rapporto che si innesta tra artista, arte e territorio. Il direttore artistico Gianni Murtas ha affermato che l’obiettivo è «capire in che modo alcuni aspetti fondanti del suo percorso siano ancora oggetto di riflessione da parte di artisti che inevitabilmente si trovano a operare in contesti per molti aspetti differenti». Maria Lai, secondo parte della critica prima esponente in Italia del movimento che Nicolas Bourriaud aveva teorizzato come “arte relazionale”, una poetica espressiva che non nasce dall’io dell’artista ma da una forma corale e collettiva, una vita tutta da, scucire, ricucire e tessere insieme.

Risale all’8 settembre 1981 la prima performance di estetica relazionale – Legarsi alla montagna – che coinvolse tutta la comunità di Ulassai. Tutto parte da una storia realmente accaduta nel paese, quando a nel 1861 si staccò un costone della montagna che travolse diverse abitazioni e portò alla morte di alcuni bambini. Il ricordo venne così tramandato di generazione in generazione. L’anno dopo, lo storico dell’arte Filiberto Menna fu tra i primi a riconoscere la grande empatia e capacità ascolto di Maria Lai che «ha saputo restituire la parola a un intero paese e rendersi partecipe della memoria e dei fantasmi della gente comune, aiutandola a liberarsi della parte distruttiva di sé e ad aprirsi con disponibilità nuova al colloquio e alla solidarietà».

info: ulassai.it

Maria Lai è protagonista assoluta di quella che Nicolas Bourriad ha teorizzato come arte relazionale, esperienza che unisce l’arte alla vita, tesse trame e considera l’uomo come autore e fruitore di un qualcosa che riguarda l’intera collettività, ma che sopratutto «prevede la partecipazione del pubblico alla costruzione o alla definizione dell’opera di cui è partecipe». Quella del poliedrico Marcello Maloberti, è una ricerca di connessioni fra luoghi, spazi e tempi, che perdura e attraversa diversi anni. Correva l’anno 2003 quando l’artista presentava – presso la galleria romana Studio SALES – una performance dalla durata di due ore e mezza, accompagnata da un testo critico di Luca Cerizza, fresco curatore del padiglione Italia in Biennale. Gruppi di persone immobili e silenziose accerchiano una persona sdraiata sul pavimento, in una costruzione scenica assolutamente assurda.

info: treccaniarte.com

Di fatto, la tecnica del patchwork manifesta gli studi pittorici e scultorei di Gioe, classe 1981. L’antica perizia con cui Alighiero Boetti intesseva le proprie mappe, in cui la terra e l’esistenza dei suoi abitanti erano soltanto colori che si sommavano nel potere, e la capacità di Maria Lai di cucire la sua identità artistica, sono fonte di ispirazione per Gioe. L’artista riprende tale processo legato, indissolubilmente, all’ago e al filo – durante il suo percorso è stata la madre, sarta, a insegnarle a cucire – scegliendo di fare arte (con tutte le fascinose complessità del caso) per plasmare nuovi universi, sintetizzando dei personaggi che non solo si formano nei tessuti ma, soprattutto, si manifestano con/attraverso questi.

L’arte come “Quarta via” per oltrepassare i propri limiti; la personale di Gioe prende il la proprio dalle riflessioni di Gurdjieff, liberando animali e figure androgine che rievocano il potere e la vita. Tra artigianato e arte contemporanea, l’evoluzione che non ti aspetti.

Info: www.urbanfactoryroma.com

Info: www.museomacro.org

A fare da cotée a quella che si conferma tra le più importanti fiere d’arte del Belpaese il solito trantran: folle di fagocitatori e perditempo che inciampano gli uni negli altri e alcuni sulle opere esposte, bimbetti accasciati nei carrozzini in balìa d’iperattivi genitori, o dimenticati dai suddetti sui divanetti. Gente che pare uscita da uno dei quadri appesi a prendersi una boccata d’aria, lì lì per rientrarci. Altra gente che dichiara sprezzantemente: «No, lì ci sono solo i quadri vecchi, non andiamoci», con buona pace di secoli di storia dell’arte e di paludati galleristi. Entusiasti che smaniano innanzi a ogni macchia di colore, sia pure d’intonaco. Altri a cui non affideresti la busta della spesa e, oplà, tirano fuori dallo zainetto, come ai tempi d’oro, migliaia d’euro in contanti, esentasse e appallottolati come un cartoccio da pizzeria.

E gli artisti? Beh, accanto ai soliti noti, ai Sironi & Boetti come se piovesse, agli immarcescibili ancorché stagliuzzati Burri & Fontana, una fola di proposte che tanto nuove non sono, soprattutto tra gli under 30, al punto che Libero Andreotti, così boterianio nei suoi altorilievi, o l’appena compianta Maria Lai, coi suoi merletti, sembrano avanguardisti. «Giocavo con gran serietà, a un certo punto i miei giochi li hanno chiamati arte», recita una frase dell’artista sarda sul padiglione della Nuova galleria Morone che la espone. Grande Maria, riposa fiera e in pace in quel di Cardedu. Da un punto di vista meramente espositivo premiano le dimensioni, come per il soave Eden di Li Xinping alla galleria Osage di Hong Kong che rivisita gli arazzi rinascimentali in salsa cinese, o le grandi tele materiche di Giuseppe Maraniello; ma anche le minutaglie, come le operette grafiche in bianco e nero del russo Ivan Yazykov (della scuderia Saatchi) da Roza Azora, sorta d’impasto moderrno di Durer e Bosch, o i mattoni di Mirco Marchelli. Una spanna sopra le altre, a quel che è dato vedere, le sculture in metallo di Patrick Alò, i teatrini di legno di Peter Demetz; gli scatti di Yang Yong Hang con le sue bianche geishe perse in fantasmagorici paesaggi, o gli sguardi iranici di Gohar Dashti e di Maziar Mokhtari, fresco finalista al Talent prize. Ma l’elenco è lungo, e insistendo su pochi si fa torto a molti.

Degno di nota, infine, fuori dai cancelli, lo spirito che si respira sotto le Due torri nei giorni della fiera, a prescindere dai tanti eventi in cartellone tra controfiere e notti bianche: uno spirito glocal e una partecipazione davvero urbana. Da evento culturale cittadino, non riservato agli addetti ai lavori. Tra le tante iniziative in giro per la città, forse sotto tono rispetto alle aspettative Il piedistallo vuoto al museo archeologico di via dell’Archiginnasio, a cura di Marco Scotini, che intende fare il punto sull’arte post sovietica a partire dal monte opere nei musei italiani, ma non si spinge oltre qualche mesto sorriso rievocando, nella sedia vuota e giacca appesa del custode nell’opera all’ingresso (vedi foto di Vasco Forconi), la geniale performance di Alberto Sordi in una lontana parodia della contemporaneità. Meglio dirottare i passi, allora, tra le foglie morte dell’installazione di Giulia Manfredi, figlia del più noto Valerio Massimo – presente all’opening del 24 – allo Spazio 9 (via di Val d’Aposa 1/c, fino al 22 febbraio): Orizzonte d’abbandono, curata da Margherita Maccaferri. Se non siete refrattari all’odore di marcito del sottobosco, ne vale la pena.

Bookhouse, la forma del libro, organizzata dalla provincia di Catanzaro con il contributo della regione Calabria, è un progetto del tutto innovativo dove, nell’era dell’e-book, il libro viene indagato come spazio fisico di ricerca, come dimensione segnica e proiezione della memoria collettiva. Sono oltre 50 gli artisti coinvolti con una serie di spettacolari lavori site-specific realizzati per l’occasione come Idiom, la Torre di Babele di quattro metri che con i suoi 8.000 libri s’inerpica tra le architetture del Marca. È un’opera che dà le vertigini quella creata dall’artista slovacco Matej Kren dove il senso di precarietà viene reso tangibile dal sofisticato gioco di specchi che coinvolge la spirale infinita di libri. Prima di entrare nel museo, tuttavia, lo spettatore è avvertito che non si tratta di una semplice passeggiata tra le copertine vintage: ad accoglierlo trova Biografias, la grande cascata di libri voluta dalla spagnola Alicia Martin che sputa fuori dalla finestra del museo tonnellate di volumi provenienti da chissà quale recondito angolo della Calabria. Che ci sia un aspetto inquietante nel caro, vecchio libro definito da Umberto Eco un oggetto perfetto, al pari della ruota, lo dimostra anche l’opera dell’artista inglese Richard Wentworth che propone un’installazione di libri appesi al soffitto con sottili fili da pesca.

Ma una delle maggiori attrazioni della mostra è certamente From the entropic library, la straordinaria scultura di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen di nove metri di lunghezza proveniente dal museo di Saint-Etienne, dove il grande maestro della pop art americana fa esplodere una libreria interrogandosi sul caos linguistico e culturale. Se nel 1970 Germano Celant, nel suo celebre saggio Book as artwork, aveva definito il libro come medium autosignificante, in questo caso lo stesso impone la propria ragione all’opera d’arte che s’interroga sul peregrinare dei segni secondo una prospettiva mai prevedibile, come dimostra il cavallo-libreria di Mimmo Paladino che custodisce i volumi dell’Ulysses di James Joyce illustrati dallo stesso Paladino, o la camera da letto di Peter Wuthrich con i libri che invadono l’ambiente adagiandosi sul letto oppure formando un improbabile tappeto letterario. Ma il gioco d’incastri spazia da Giulio Paolini a Emilio Isgrò; da Enzo Cucchi a Michelangelo Pistoletto; da Anselm Kiefer a William Kentridge; da Jannis Kounellis a Pierpaolo Calzolari; da Candida Höfer a Gary Hill; da Stefano Arienti a Giuseppe Spagnulo; da Robert Rauschenberg a On Kawara; da Sabrina Mezzaqui a Paolo Consorti sino ai libri in tessuto che sembrano imprigionare le parole realizzati da Maria Lai, l’artista scomparsa poco tempo fa quando la sua rivalutazione critica era appena agli inizi.

Non manca nemmeno uno sguardo attento nei confronti della tecnologia e appare preziosa la collaborazione con lo Zkm di Karlsruhe, il centro di arte e media più importante a livello internazionale diretto da Peter Weibel che affronta la sfida imposta da un sistema dove il libro non è più un corpo solido ma liquido, in progressivo movimento, come testimonia l’installazione del coreano Kibong Rhee che fa danzare in un acquario un volume di Ludwig Wittgenstein. Ma, nessun timore, il libro cinguetta e, mentre impazza twitter, Mark Dion sistema nella sua Library for the birds i volumi di scienze naturali in una voliera con una decina di uccellini vivi. Le strade del libro sono infinite.

Bookhouse, la forma del libro, a cura di Alberto Fiz, catalogo Silvana editoriale, fino al 6 ottobre, Marca, via Alessandro Turco 63, Catanzaro. Info: www.museomarca.info