Tabù. Egon Schiele

Il primo appuntamento, visibile nelle sale il 20, 21 e 22 aprile 2026, è stato diretto da Michele Mally e prodotto in collaborazione con 3D Produzioni. Il docufilm ripercorre il percorso artistico e umano di una delle figure più influenti e radicali del primo Novecento, la cui rappresentazione perturbante e provocatoria del corpo continua ancora oggi ad interrogare lo sguardo dello spettatore. Il viaggio narrativo prende avvio da Český Krumlov, città legata alle sue origini e dove ha vissuto insieme alla compagna Wally Neuzil. Da qui il racconto oscilla tra Vienna e Parigi, restituendo il clima culturale che si respirava al tempo, costantemente attraversato da profondi cambiamenti di carattere artistico e sociale.

Durante tutto il percorso lo spettatore sarà accompagnato dall’attrice Erika Carletto e dalle melodie composte dalla violinista Laura Masotto. Il film alterna così elementi biografici, come il matrimonio con Edith Harms, agli interventi storici affidati a studiosi e curatori di istituzioni come l’Albertina Museum e il Leopold Museum. Tra i passaggi più significativi emerge il racconto del 1910, anno in cui il linguaggio artistico di Schiele raggiunge la sua forma definitiva. Il documentario si conclude con il racconto del 1918, anno segnato dalla scomparsa di Schiele, Gustav Klimt e la fine dell’Impero austro-ungarico.

Lucio Fontana, The Final Cut

Disponibile nelle sale italiane il 25, 26, 27 maggio, il documentario diretto da Andrea Bettinetti e narrato da Miriam Leone, propone un ritratto inedito e potente del maestro che ha trasformato profondamente il modo di concepire spazio e materia. Prodotto da Good Day Films con l’autorizzazione della Fondazione Lucio Fontana, la pellicola abbraccia l’eredità della sua ricerca, restituendola al pubblico attraverso materiali d’archivio, testimonianze internazionali e le sue opere conservate nei musei e nelle collezioni più importanti al mondo. Il film alterna note biografiche, che mettono in risalto la personalità eccentrica e visionaria, a una serie di interviste fatte ad artisti internazionali che hanno avuto occasione di conoscerlo e confrontarsi con le sue opere. Tra questi figurano Doug Wheeler, Alfredo Jaar, Michelangelo Pistoletto e Antony Gormley. Nel film trovano spazio anche gli interventi di Luca Massimo Barbero e Daniela Alejandra Sbaraglia.

Il racconto riporta inoltre elementi più teorici, formulati dal filosofo Padre Paolo Benanti e dall’architetto Norman Foster, in quanto la produzione artistica di Fontana ha definitivamente aperto un varco tra scultura e pittura, giocando con superfici, colori e luci.

Con la mostra Mani-Fattura: le ceramiche di Lucio Fontana, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia dedica per la prima volta un intero percorso alla produzione ceramica di Fontana, restituendo una parte fondamentale ma spesso marginalizzata della sua ricerca. Curata da Sharon Hecker, la mostra – frutto di sette anni di lavoro – riunisce oltre settanta opere, alcune delle quali mai esposte prima, provenienti da importanti collezioni pubbliche e private.

L’esposizione ripercorre la produzione ceramica di Fontana attraverso un percorso che tocca due continenti e quattro decenni cruciali, intrecciando cronologia e temi scultorei in un racconto inedito e dinamico. La sua produzione proteiforme spazia dalle sculture figurative alle forme astratte più radicali, riflettendo i diversi contesti storici, politici e geografici in cui l’artista ha vissuto e operato. Il percorso prende avvio con la Ballerina di Charleston (1926), realizzata al ritorno in Argentina dopo la Prima Guerra Mondiale, per poi approdare all’Italia del periodo fascista, dove nei primi anni Trenta, Fontana crea piccole terrecotte intime e non smaltate con Ritratto di Bambina (1931) e Busto Femminile (1931).

Le undici sale dell’esposizione alternano opere di scala monumentale a terrecotte minute, lisce o ruvide, smaltate o incise. Si incontrano piatti, crocifissi, animali, arlecchini, fino alle ultime Nature, in cui la superficie bucata e tagliata anticipa il gesto spazialista. Una sala intera è dedicata alle figure femminili, omaggio intimo alle donne che attraversano la vita di Fontana: la moglie Teresita Rasini, la scrittrice Milena Milani e la ceramista Esa Mazzotti. Attraverso questi volti e corpi modellati, emerge una relazione quasi affettiva con la materia, che Fontana tratta come una presenza viva, da accarezzare o sfidare.

Le pareti neutre e l’allestimento sobrio permettono alla materia di imporsi con forza visiva e tattile: la creta liscia, ruvida, incisa, grezza o smaltata racconta un artista che trasforma la lavorazione artigianale in un atto di libertà. Fotografie d’archivio lo mostrano al lavoro accanto ai ceramisti di Albisola e agli artigiani con cui ha collaborato per decenni, restituendo il ritratto di un artista collaborativo e curioso. Ad accompagnare l’esposizione, un cortometraggio inedito del regista argentino Felipe Sanguinetti, Le ceramiche di Lucio Fontana a Milano, conduce lo spettatore in un viaggio attraverso i luoghi dove l’artista ha realizzato opere site-specific in ceramica. Questi interventi architettonici, impossibili da trasferire fisicamente in mostra, riaffiorano sullo schermo come testimonianze di una ricerca che supera i confini e si radica nel tessuto urbano.

Nel suo insieme, la mostra invita a riconsiderare Fontana non solo come pioniere dello Spazialismo, ma come scultore della materia viva capace di unire arte, design e artigianato in un unico gesto creativo. Lontano dall’immagine eroica del pittore che incide la tela, emerge un artista terreno, che pensa con le mani e affida alla creta la propria energia vitale.

La mostra sarà aperta al pubblico fino al 2 marzo 2026.

info: guggenheim-venice.it

A rendergli onore è intervenuto lo stesso ambasciatore argentino in Italia, Marcelo Martin Giusto, mentre hanno presentato l’incontro di studi Silvia Ardemagni, Presidente della Fondazione Lucio Fontana e Luca Massimo Barbero, nella doppia veste di Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Cini, nonché curatore dei due cataloghi ragionati dell’opera dell’artista, dedicati alla produzione su carta e in ceramica. Si deve invece al compianto Enrico Crispolti, ripetutamente citato in molti interventi del convegno, il catalogo ragionato di sculture, dipinti e ambientazioni, pubblicato in una nuova edizione da Skira nel 2006.

Dopo aver passato in rassegna i primordi della sua formazione, una parte della quale svolta in Italia e in Argentina con il padre, lo scultore Luigi Fontana, Ester Coen ha esaminato il percorso accademico a Brera con Adolfo Wildt, condiviso con Fausto Melotti, citando alcune importanti commissioni monumentali del ventennio fascista, come il complesso della Vittoria del 1936. La studiosa si è poi concentrata sulle radici futuriste di Lucio Fontana che, soprattutto da Umberto Boccioni, ricavò il dinamismo plastico nel quale spazio, tempo e mondo fisico s’intrecciano in una sintesi a cui non fu certo estranea la conoscenza della relatività di Einstein.

Trattando dei contatti con Arturo Martini, Nico Stringa ha aperto l’esplorazione della scultura in ceramica, tema centrale nella poetica di Lucio Fontana, ripreso anche negli interventi di Valerio Terraroli e Luca Bochicchio. Doveroso e ineludibile il riferimento alle sperimentazioni tecniche ed espressive condotte ad Albissola Marina, in stretta collaborazione con Tullio d’Albisola, pseudonimo di Tullio Mazzotti, figlio del maestro vasaio Giuseppe, nella cui manifattura di famiglia Lucio Fontana svolse ricorrenti sessioni di lavoro fin dal 1936.

“Sprofonda l’antro quando gira il tornio,/par che la ruota penetri alle viscere/d’una cava morbida d’argilla/in un vortice che trascina e che solleva!” Questo è l’incipit del testo poetico d’impronta futurista di Tullio d’Albisola L’antro del vasaio, cui fa da pendant il correlato disegno di Fontana, una composizione spiraliforme di cerchi concentrici intorno ad un’entità informe e in divenire, entrambi pubblicati in Racconto da Vanni Scheiwiller nel 1943. La loro associazione simbiotica è il miglior viatico per comprendere che proprio la ceramica costituisce la matrice più esemplare dell’intero processo creativo fontaniano. Infatti, nella sua scaturigine terrestre e insieme espressione tangibile delle leggi universali della fisica, vista la prevalente valenza cinetica della sua manipolazione, la ceramica offre la propria natura fluida per una oscillazione sistemica tra gesto, materia e forma, tra figurazione ed astrazione, fino alla sintesi suprema dello spazialismo.

“Nell’arte spazialista finiremo”, scriveva Lucio Fontana in alcuni appunti del 1948, in risposta alla domanda retorica lanciata da un polemico Carlo Carrà “A furia di purezza, dove andremo a finire?”. Lo ha ricordato Francesco Tedeschi nel suo intervento centrato sui prodromi astratti dello spazialismo, che vedono Lucio Fontana inserito nel gruppo della galleria milanese Il Milione fin dalla prima mostra del 1930, considerato uno dei capostipiti della scultura astratta, non solo italiana, visto l’interesse suscitato dalle sue opere pubblicate sulla rivista parigina “Abstraction-Création: art non figuratif”, come pure sulla rivista tedesca “Zero”, stampata a Düsseldorf. Il passaggio successivo è allo spazialismo, la cui poetica è prima dichiarata nel Manifiesto blanco del 1946, che Fontana porta con sé al suo ritorno dall’Argentina in Italia, poi richiamata e ampliata nelle redazioni successive del Movimento spaziale del 1947 e 1948.

In quell’anno presentò alla prima Biennale del dopoguerra, come ricordato nell’intervento di Sileno Salvagnini, l’opera in bronzo Scultura spaziale, concepita come una configurazione di grumi materici informi, però disposti ad anello intorno ad uno spazio vuoto, vero nucleo catalizzatore dell’opera. Un vuoto perciò denso di rilevanza estetica e semantica, che non a caso susciterà notevole interesse sulla scena artistica giapponese, in virtù di risonanze ancora in essere della cultura taoista. Nel vuoto oscuro dell’ombra precipitano i colpi di punteruolo dei Concetti spaziali, nel vuoto affondano i tagli delle Attese. Nel vuoto oscuro dello spazio sono immersi i corpi materici fluorescenti di Ambiente a luce nera del 1949, che negli anni ’60 si trasformeranno nelle volute dei filamenti al neon, apparizioni luminose di pura energia avviluppate allo spazio architettonico, nel quale mortificano a puro sfondo la finitezza della geometria euclidea.

Per arrivare ai Quanta, costellazioni di parti-particelle, assemblate senza strutture predeterminate di composizione. Il termine è chiaramente desunto dalla meccanica quantistica, alla quale Lucio Fontana si richiama ancora una volta per fascinazione immaginativa verso la scienza e verso le sue immense scoperte delle entità di energia senza materia che vengono rilevate nel cosmo. Ai vuoti che s’interpongono nella distribuzione imprevedibile delle galassie, all’espansione accelerata dell’universo e al vuoto della sua genesi primordiale: a tutto ciò si ispirava poeticamente l’artista-filosofo dei Concetti spaziali? Del resto, che i tagli delle Attese equivalgano al principiante e silente annunciarsi visivo di un Inizio, lo ha di recente richiamato Massimo Cacciari nel suo La passione secondo Maria, associando il gesto-simbolo di Lucio Fontana alla fenditura della veste sulla quale si sofferma, ad indicarla e proteggerla, la mano destra de La Madonna del Parto di Piero della Francesca.

Realizzata da Intesa Sanpaolo, sotto l‘Alto Patronato del Presidente della Repubblica e in partnership con la Veneranda Biblioteca Ambrosiana, l’esposizione, visibile sino al 16 marzo 2025, è ospitata nella sede milanese delle Gallerie d’Italia in piazza della Scala e vede la collaborazione delle più importanti istituzioni meneghine, testimonianza di una realtà artistica milanese feconda e sempre pronta a nuove sperimentazioni.

Gallerie d’Italia e la storia dell’arte milanese: dalla Fabbrica del Duomo a Lucio Fontana

La retrospettiva racconta il grande fermento creativo di una città in fermento e aperta alle innovazioni del contemporaneo, culla di tendenze artistiche internazionali che continuano ad influenzare il presente. Ad aprire il percorso, la Veneranda Fabbrica del Duomo che mostra le prime fasi di un cantiere dominato da maestranze tedesche e francesi. Si prosegue con una parte interamente dedicata a Leonardo Da Vinci e al suo genio indiscusso, con l’immensa eredità che ancora oggi vive tra i posteri. “Un altro de’ primi pittori del mondo sprezza quell’arte dove è rarissimo“, scriveva premonitore Baldassarre Castiglione ne Il Cartesiano del 1528.

La terza sezione testimonia il mecenatismo di Federico Borromeo e la sua politica culturale, riflettendo visivamente sull’ermetico seicento fiammingo e sui suoi paesaggi naturalistici. Dallo straordinario monumentalismo di Giambattista Tiepolo, che stupisce, sconvolge e seduce, all’innovatore del Rococò Sebastiano Ricci, il focus si sposta sul periodo neoclassico e su una Milano centro propulsore dell’illuminismo e crocevia intellettuale sotto il governo austriaco, grazie a figure come Giuseppe Piermarini.

L’esposizione esplora poi l’ascesa del Romanticismo tra Francesco Hayez e Giuseppe Molteni, seguita dallo sviluppo del Divisionismo alla fine dell’Ottocento, movimento che avrebbe poi aperto la strada al Futurismo. L’ottava sezione è dedicata al movimento del Novecento e culmine del viaggio artistico è la figura di Lucio Fontana, metafora di un’arte che dalla figurativa concretezza dell’immaginario visivo medievale si esaurisce nell’astrattismo più puro, intersecandosi in un mondo fatto di colore, spazio e forma, dove la luce muore nel momento esatto in cui diventa pura forma materica.

Dal 23 novembre 2024 al 16 marzo 2025
Gallerie d’Italia, Milano

In perfetta sintonia con lo spazio progettato da Carlo Scarpa nel 1958 per la Olivetti, i lavori di Fontana e Gormley si incontrano per la prima volta per ragionare sul tempo e sulla dimensione segnica. Le linee pulite del negozio e la preziosità dei materiali abbracciano sculture, disegni, schizzi che quasi si fondono con l’ambiente circostante, creando un tutt’uno di sensazioni.

A fianco dei segni energici, pieni di fulgore, di Fontana, le sculture di Gormley sembrano delle lance. Dalle passerelle che attraversano il piano primo della Olivetti si possono osservare, come delle punteggiature, queste presenze che completano l’architettura.

La luce, artificiale e naturale, plasma le tridimensioni; le trame del marmo si ritrovano nei disegni a parete; i tratti decisi degli schizzi si affiancano alle macchine da scrivere quasi a tracciare una partitura musicale. Lo spazio è ritmico, ma non ridondante. Tutto è perfettamente equilibrato e leggero. Elegante. Una poesia, che riflette sullo spazio e sulla dimensione corporea in esso.

Queste giustapposizioni senza precedenti quasi sembrano a mostrarci, nelle loro presenze/assenze, la potenza dell’organicità. I tratti e i segni lasciati dal passaggio di chi abita quello spazio si fanno custodi del tempo e della memoria.

Ogni scorcio è un ricettacolo di memoria e uno squarcio sul presente: i disegni del Maestro, fondatore dello Spazialismo, realizzati tra il 1946 e il 1968, recano con loro tutta l’eleganza dell’energia vitale e della ricerca. Le forme sinuose delle sculture di Fontana accolgono la luce dorata di Venezia e la diffondono a spirale attorno ad esse. Le sculture, sia di macro che di micro dimensioni dell’autore inglese, invece, disegnano delle griglie, sulle quali si inseriscono, come funamboli, quadernetti da schizzo precisi, puliti, netti. Un bianco e nero marcato, puntuale.

Un dialogo a tre voci, che si proietta oltre le vetrate, nella suggestiva piazza, fino al mare. Un bell’esempio di come le idee si trasformano in forme concrete e alimentano altre idee, altri modi di sentire lo spazio, in armonia. “Il segno (o marchio) diventa quindi anche una registrazione del tempo”

Info: https://fondoambiente.it/luoghi/negozio-olivetti

Dal 13 febbraio al 12 aprile. Public opening: sabato 15 febbraio, 3 – 7 pm
Hauser & Wirth Los Angeles – North A, B, and East Galleries

Lucio Fontana torna a Roma, questa volta alla Galleria Borghese. Il 20 maggio la mostra Lucio Fontana. Collezioni di terra e d’oro, un progetto dedicato in particolare a una produzione di Concetti spaziali in oro e crocifissioni in ceramica. Fontana è il primo artista italiano del Novecento esposto nel Museo dopo le rassegne dedicate a grandi figure internazionali quali Bacon, Giacometti, Picasso. Presenta una quarantina di opere, fra dipinti a olio in oro e ceramiche, realizzate principalmente nel decennio tra il 1958 e il 1968. La mostra si inserisce nel programma di ricerca che il museo conduce da anni sulla propria eccezionalità di luogo, che è altamente significativo quale concentrato e identità combinata di collezione e spazio.

L’inserimento delle opere di Fontana all’interno della collezione, in particolare fra i dipinti del Rinascimento e del Barocco, aiuta a porre in risalto la costante attualità di un problema cruciale nella ricerca pittorica di ogni tempo: il rapporto con lo spazio, la sua definizione, l’ansiosa ricerca del suo superamento. Per rendere pregnante l’apice inventivo di Lucio Fontana la concentrazione sarà sulla produzione in oro del grande artista. L’oro quale astrazione massima e antinaturalistica e come componente spaziale che, come nell’antichità classica, paleocristiana, medievale e rinascimentale, è la sintesi di luce e spazio.

Dal 20 maggio al 18 luglio
Galleria Borghese, Piazzale Scipione Borghese 5, Roma
Info: www.galleriaborghese.beniculturali.it

Un 2019 nel segno di Lucio Fontana ad Aosta. Dal 12 aprile fino al 22 settembre il Museo archeologico regionale (MAR) del capoluogo valdostano ospita la mostra Lucio Fontana. La sua ombra lunga, quelle tracce non cancellate. Una selezione di importanti opere di Fontana (1899-1968), con cui si tenta di evidenziare la profonda influenza che il maestro ha esercitato su generazioni di artisti italiani. Molti i nuclei tematici dell’esposizione, curata da Giovanni Granzotto e Leonardo Conti: lo spazialismo della pittura, i buchi, i tagli, i teatrini, Fontana e il barocco. In mostra anche opere degli Spazialisti veneziani e lombardi, del gruppo Azimut, dell’Arte programmata e della Pittura Analitica. Tra gli artisti presenti: Guidi, Parmiggiani, Deluigis, Morandis, Bacci, Crippa, Bonalumi, Castellani, Dadamaino, Manzoni, Biasi, Colombo, Santomaso, Picenni e Radi.

]]> https://insideart.eu/2018/02/18/gli-articoli-piu-letti-5/ Sun, 18 Feb 2018 10:26:42 +0000 https://insideart.eu/?p=166616 Solo grandi nomi questa settimana per gli articoli più letti su Inside Art, dal realismo barocco fino allo Spazialismo. Cominciamo.

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