Parallelamente, molte realtà di medie dimensioni stanno recuperando competitività grazie a una maggiore agilità operativa e a rapporti più diretti con artisti e collezionisti. La crisi del modello non coincide tuttavia con una crisi del mercato dell’arte nel suo complesso. Piuttosto, evidenzia una ridefinizione delle strategie commerciali e culturali. Se negli anni Duemila la crescita sembrava passare inevitabilmente attraverso l’espansione internazionale e l’apertura di sedi sempre più spettacolari, oggi il settore appare orientato verso strutture più sostenibili e meno dipendenti dalla logica della crescita continua. New York resta il principale laboratorio di queste trasformazioni. Qui, dove il fenomeno delle mega-gallerie è nato e si è consolidato, si stanno sperimentando le formule che potrebbero caratterizzare il mercato del prossimo decennio: meno gigantismo, maggiore specializzazione e una nuova attenzione all’equilibrio tra dimensione economica e progettualità culturale.

Il caso Pace Gallery

Emblematica, in questo senso, la decisione di Pace Gallery, tra le più influenti realtà del sistema globale dell’arte, di ridurre significativamente il proprio organico e il numero di artisti rappresentati. Il ceo Marc Glimcher ha definito “non più sostenibile” il modello della mega-galleria fondato su espansione continua e crescita dei prezzi, riconoscendo la necessità di ripensare strutture e strategie in un mercato profondamente cambiato. Una svolta particolarmente significativa perché arriva da uno dei protagonisti assoluti del mercato globale. La galleria fondata nel 1960 da Arne Glimcher ha annunciato una profonda riorganizzazione: il roster degli artisti sarà ridotto da circa 130 a poco più di 80 nomi, con l’uscita di figure come Keith Coventry, Glenn Kaino, teamLab e John Gerrard, mentre il personale subirà una riduzione di circa il 20%. Una decisione che riflette le difficoltà di un mercato sempre più polarizzato, dove i risultati record ottenuti dalle opere più ambite convivono con un rallentamento della domanda nella fascia intermedia. Tra costi di gestione crescenti, sedi sempre più onerose e una struttura organizzativa complessa, Pace sceglie di tornare a una dimensione più sostenibile, concentrando risorse e attenzione su un numero più ristretto di artisti. Un cambio di paradigma che potrebbe anticipare una trasformazione più ampia dell’intero sistema dell’arte contemporanea.

Vallone, partner e direttore finanziario della galleria MASSIMODECARLO, succede ad Andrea Sirio Ortolani in un momento considerato particolarmente delicato per il sistema dell’arte contemporanea italiano. Tra le questioni centrali figurano la pressione fiscale, la circolazione delle opere, l’evoluzione dei modelli economici delle gallerie e il rafforzamento della presenza italiana nello scenario globale.

Fondata a Milano nel 1964 come Sindacato Nazionale Mercanti d’Arte Moderna, ANGAMC ha progressivamente ampliato il proprio ruolo, trasformandosi in un interlocutore stabile per le istituzioni sui temi normativi e fiscali legati al mercato dell’arte. Negli ultimi anni l’associazione ha intensificato il confronto su dossier strategici come IVA, esportazione dei beni culturali, fiscalità del collezionismo e regolamentazione della circolazione delle opere.

L’elezione di Vallone viene letta anche come un segnale della crescente managerializzazione del settore. MASSIMODECARLO rappresenta infatti una delle realtà italiane più strutturate sul piano internazionale, con sedi operative a Milano, Londra, Parigi, Hong Kong e Seoul. Una dimensione globale che riflette l’evoluzione del mercato dell’arte contemporanea, sempre più concentrato attorno a grandi operatori capaci di muoversi su scala internazionale.

Nel suo primo intervento da presidente, Vallone ha ribadito l’intenzione di proseguire il lavoro avviato negli ultimi anni dall’associazione, sottolineando l’importanza del dialogo con le istituzioni e il contributo del Gruppo Apollo sui temi fiscali e normativi. L’obiettivo, ha spiegato, è rafforzare il posizionamento delle gallerie italiane non solo sul piano commerciale, ma anche culturale, valorizzando attività espositive, ricerca curatoriale, archivi e pubblicazioni.

Accanto al nuovo presidente è stato nominato anche il consiglio direttivo dell’associazione. I vicepresidenti saranno Giovanni Bonelli della Galleria Giovanni Bonelli e Claudia Ciaccio di ZERO…. Nel consiglio siedono inoltre Antonio Addamiano di Dep Art Gallery, Federica Barletta di Ncontemporary, Filippo Di Carlo della Galleria dello Scudo e Marco Niccoli della Galleria d’Arte Niccoli. Definita anche la rete dei delegati territoriali, che riflette la varietà geografica del sistema dell’arte contemporanea italiana: Alessandro Luppi seguirà Emilia-Romagna e Marche, Sara Zanin il Lazio e il Centro Italia, Giuseppe Lezzi la Lombardia, Claudia Zunino Piemonte e Liguria, Tiziana Di Caro Campania e Sud Italia, Simone Frittelli la Toscana e Giordano Raffaelli il Triveneto.

Fiere e art week: «Sono eventi complementari»

«Di solito gli eventi di qualità arricchiscono». Così Vistamare (Pescara), pure presente a Paris Internationale oltre che a miart, si esprime sulla coesistenza di più manifestazioni. Dello stesso parere la milanese C + N Gallery CANEPANERI: «La compresenza è un vantaggio. Fiera e Art Week sono complementari e si rafforzano a vicenda: chi arriva per una finisce spesso per visitare anche l’altra. Sono elementi che dialogano bene tra loro». Un fatto, per CANEPANERI, che riguarda anche lo svolgersi di tre manifestazioni contempornaeamente: «Si crea un circuito che tende a rafforzarsi. A volte si è più stimolati a vedere più cose piuttosto che una sola: è un dato di fatto».

Sulla questione abbiamo sentito anche IPERCUBO (Milano), che ha sottolineato come tutto dipenda dalla qualità delle proposte. «In questo periodo, ad esempio, ci sono eventi come Paris Internationale, che ha appena debuttato qui, o altre iniziative nate negli ultimi anni – spiegano – un collezionista realmente interessato ha comunque la possibilità di visitarle tutte. Esistono anche diverse tipologie di collezionisti: alcuni sono più inclini a esplorare contesti alternativi rispetto alle fiere più istituzionali come miart». «È chiaro però – aggiungono – che, in molti casi, sono le fiere più piccole a beneficiare della presenza di un evento consolidato come miart, più che il contrario».

Una città, tre fiere: «Sovrapposizione negativa»

C’è chi individua un potenziale dispersivo nell’insieme di eventi che popolano le Art Week. Su questo si è espressa la Galleria Paola Verrengia (Salerno): «Non vedo una reale necessità di operazioni di questo tipo. Per quanto riguarda le fiere, la situazione di quest’anno è piuttosto insolita, tuttavia non credo che abbia danneggiato una manifestazione come miart». «Penso che non sia un bene avere troppe fiere. Milano, tra l’altro, non è una megalopoli: ha senso – si chiedono – concentrare così tante iniziative?».

Più netta la posizione della romana Ex Elettrofonica: «Avere tre fiere contemporaneamente crea una sovrapposizione negativa. Diverso è il discorso del gallery weekend: che la città si attivi intorno a una fiera è naturale e positivo, perché significa che una parte significativa del sistema contemporaneo la sostiene, rendendola più attrattiva». Diversa la prospettiva nei confronti dell’Art Week: «Dovrebbe essere un elemento attrattivo, soprattutto per il collezionismo internazionale. Quando una città si presenta con un programma ricco, diventa più interessante da visitare: si viene per la fiera, ma anche per le altre mostre e iniziative. Naturalmente non parliamo della cittadinanza locale, ma di un pubblico globale. Sta poi agli organizzatori fare in modo che questa ricchezza non penalizzi la presenza in fiera. È una sfida, ma se funziona è sicuramente positiva».

Essere in fiera: «Vale la pena partecipare»

Se la saturazione divide, il motivo stesso della partecipazione alle fiere continua invece a raccogliere un consenso più compatto. Per molte gallerie, l’evento resta innanzitutto un dispositivo di accesso: «è l’unico momento in cui possiamo esporci a collezionisti che non conosciamo» afferma CANEPANERI, sottolineando come il pubblico fieristico intercetti tanto i non frequentatori locali quanto i visitatori internazionali. Una funzione ribadita anche da Verrengia, per cui la manifestazione «rappresenta un’occasione unica per mostrare il nostro lavoro a un pubblico ampio e qualificato», soprattutto per chi, come nel caso della galleria salernitana, opera lontano dai grandi centri.

A questa dimensione si aggiunge quella relazionale e strategica: per Ipercubo «non si tratta solo della possibilità di incontrare nuovi collezionisti, ma anche di entrare in contatto con istituzioni, curatori», fino a configurare la fiera come uno spazio di «posizionamento nel mercato», dove si costruisce visibilità e riconoscibilità. Anche Ex Elettrofonica insiste su questa centralità, pur con cautela: «resta sicuramente un momento importante», sebbene «non tutte le fiere riescono ad avere lo stesso potere attrattivo».

Tra i temi, anche i costi di partecipazione: «L’impegno economico iniziale è alto e rientrare non è facile» ammette CANEPANERI, sintetizzando una condizione diffusa: la partecipazione è un investimento rischioso, il cui ritorno non è mai garantito. Eppure, nonostante la moltiplicazione delle fiere e la competizione crescente, la presenza continua a essere percepita come necessaria: «vale comunque la pena partecipare», si ribadisce, anche quando i margini sono incerti. Insomma, una sorta di passaggio obbligato, che a Milano porta le gallerie a confrontarsi con i rischi di un mondo in proliferazione.

Ha lavorato per sette anni presso la Galleria David Zwirner, ricoprendo diversi incarichi e successivamente ha svolto il ruolo di direttrice delle vendite da Salon 94 per quattro anni. Approdata in Gagosian nel 2019, ha contribuito all’organizzazione di molte esposizioni nelle sedi di New York, Beverly Hills, Parigi, Londra e Atene. Larry Gagosian, In una dichiarazione diffusa via e-mail, ha ricordato la direttrice come una figura di grande determinazione e dedizione nei confronti degli artisti che rappresentava. “Era una sostenitrice appassionata e una professionista profondamente stimata dai colleghi”, ha affermato. “La sua perdita è enorme e il nostro pensiero va al marito, alla famiglia e agli amici”.

La galleria l’ha inoltre descritta come una consulente affidabile, una collega preziosa e una professionista dallo spirito collaborativo. Stewart Rödder è sempre stata attivamente impegnata nella comunità artistica: faceva parte del Comitato Diversità, Equità e Inclusione di Gagosian, coordinava il Contemporary Council ed era membro del consiglio di amministrazione della Children’s Art Guild e di Performa, un’organizzazione artistica no-profit statunitense. Anche Salon 94 le ha reso omaggio con un post su Instagram, ricordandola come una collega molto amata e una presenza fondamentale per gli artisti.

Un messaggio di sostegno è arrivato anche dall’artista statunitense Marilyn Minter, che ha ricordato Stewart Rödder come un “Talento raro scomparso troppo presto”, menzionando il periodo al Salon 94 dove hanno collaborato insieme per diversi progetti.

Tra le questioni trattate, il tema ITALICS 2030: nuovo ciclo strategico di un’istituzione nel tavolo moderato da Marco Delogu, che ha avviato una riflessione sul rafforzamento della collaborazione interna, sull’apertura internazionale e sul dialogo con le amministrazioni. Il tavolo Politiche pubbliche e mercato dell’arte: ruolo e compiti del Ministero della Cultura, moderato da Marta Ragozzino, ha invece approfondito il rapporto tra intervento pubblico e operatori del settore, con attenzione ai temi della fiscalità, della tutela e della circolazione delle opere.

Con Il collezionismo oggi, tra nuove generazioni e nuove reti, coordinato da Giovanni Floridi, si è analizzata l’evoluzione del collezionismo contemporaneo e il ruolo crescente delle nuove generazioni. Il tavolo Strategie per il riconoscimento internazionale degli artisti italiani non storicizzati, con Cristiana Perrella e Francesco Stocchi, ha messo a fuoco strumenti e criticità legati alla presenza internazionale degli artisti italiani.

La fiera e oltre: nuovi modelli commerciali e promozionali per le gallerie, moderato da Flavio Del Monte, ha invece esaminato le trasformazioni delle strategie di promozione e vendita in un contesto di mercato in evoluzione, mentre il tavolo Nuove tecnologie, diritti e competenze nel lavoro delle gallerie, con Carmelo Carbotti, ha affrontato l’impatto delle piattaforme digitali e dell’intelligenza artificiale sulle pratiche professionali. Infine, Intrecci tra antico, moderno e contemporaneo nella curatela del XXI secolo, moderato da Flaminia Gennari Santori, ha riflettuto sul ruolo delle gallerie nella costruzione di prospettive trans-storiche e nel rinnovamento dei linguaggi curatoriali.

La giornata si è conclusa con un momento di sintesi orientato alla definizione di obiettivi comuni per la continua evoluzione di ITALICS, ribadendo la volontà della rete di operare come soggetto coeso e dinamico, capace di coniugare visione culturale e dimensione imprenditoriale.

Al centro del programma, il rinnovamento strategico delle gallerie italiane, chiamate oggi a confrontarsi con scenari sempre più complessi e interconnessi. Collaborazione, internazionalizzazione e sostegno alle realtà emergenti sono alcuni dei temi chiave, insieme alle questioni legate alla produzione culturale sostenibile e all’impatto territoriale delle attività artistiche. Ampio spazio sarà dedicato anche ai rapporti tra politiche pubbliche e mercato dell’arte, così come all’evoluzione del collezionismo, sempre più influenzato da nuove abitudini e dall’ingresso di generazioni diverse.

Il Forum approfondirà inoltre le strategie per la valorizzazione internazionale degli artisti non storicizzati, i nuovi modelli di visibilità e comunicazione per le gallerie e l’impatto dell’intelligenza artificiale sulle pratiche del sistema culturale, un tema ormai centrale nelle riflessioni sul futuro della produzione e della mediazione artistica. In collaborazione con il MACRO, il Forum conta anche quest’anno Banca Ifis come main sponsor dell’iniziativa.

Accanto agli incontri riservati agli addetti ai lavori, il Forum ITALICS 2026 prevede anche un momento di apertura al pubblico. Domenica 15 febbraio, alle ore 18.00, il MACRO ospiterà il talk “Perdersi a Roma”, una conversazione tra Saverio Costanzo, Nicola Lagioia e Cristiana Perrella. L’incontro, a ingresso libero fino a esaurimento posti, prenderà spunto dalle suggestioni della mostra UNAROMA per riflettere sulla città, sulle trasformazioni dei suoi paesaggi urbani e culturali e sul dialogo tra generazioni, intrecciando cinema, letteratura e pratiche artistiche.

Una mobilitazione di questa portata è un evento raro nel mondo dell’arte, che tradizionalmente si muove con molta cautela di fronte all’attualità politica. L’ultimo episodio risale al 1° dicembre del 1989 durante il Day Without(Art), un’iniziativa promossa da Visual AIDS durante l’emergenza dell’HIV, quando le istituzioni statunitensi decisero di chiudere i battenti. Una differenza sostanziale tra le due manifestazioni è sicuramente la rapidità di coordinazione delle gallerie, resa possibile dalla velocità con cui le notizie sono diffuse sui social media.

A colpire è sicuramente la varietà delle realtà che hanno deciso di aderire: dai giganti del mercato, con sedi tra New York e Londra, a spazi indipendenti e realtà emergenti, uniti dalla volontà di esprimere il proprio dissenso contro le decisioni del governo. Da Almine Rech a David Zwirner, da Gagosian a Pace Gallery fino a Magenta Plains e The Empty Circle, la partecipazione attraversa il sistema dell’arte americano, mettendo colossi e strutture sperimentali sullo stesso piano. La chiusura non solo ha un valore solamente simbolico: in molti casi, gli spazi si offrono come luogo sicuro, dove i manifestanti potranno preparare cartelli e manifesti, rafforzando così il legame tra pratica artistica e attivismo.

L’iniziativa ha superato i confini degli Stati Uniti, diventando una questione globale. Aderendo alla protesta, alcune gallerie europee hanno voluto ribadire la dimensione globale del tema “migrazione”, che non riguarda solo gli USA, ma attraversa le storie di tutti i paesi e dei loro abitanti.

L’incertezza per le gallerie

Tra le voci emerse, quella di un gallerista, che ha rivelato che non era sua intenzione chiudere, in quanto in un momento di profonda crisi gli spazi culturali possono servire come luoghi di rifugio, aperti al dialogo. Tuttavia, quando il numero di uccisioni e arresti è aumentato, la sua posizione è cambiata. La possibile riapertura dello spazio sembra al momento impossibile ed è proprio questa incertezza a preoccupare il gallerista, che descrive questa situazione come insostenibile e difficile da spiegare, soprattutto a chi non la sta vivendo.

La pressione del pubblico sui social

Le reazioni negative da parte del pubblico rappresentano un ulteriore motivazione alla chiusura delle attività. La pagina Instagram Galleryinfo.ir, che promuove eventi artistici a Tehran, è stata attaccata dopo aver postato delle esibizioni in corso nella città. Tra i vari commenti si menzionava la mancanza di empatia verso ciò che sta accadendo e in risposta l’account deciso di ha pubblicare un ultimo contenuto a sostegno delle proteste prima di interrompere le comunicazioni. A questo episodio si aggiunge quello di un critico iraniano, che è stato costretto a chiudere il profilo dopo essersi espresso a favore dell’apertura delle gallerie.

La reazione dall’estero

La preoccupazione verso il possibile scoppio di una guerra colpisce anche chi si trova all’estero. Diversi gli artisti iraniani che non rientrano nel loro Paese per gli scontri. Quanto alla scelta delle gallerie di aprire o chiudere, The Art Newspaper ha invece raccolto la testimonianza di Salman Antifar, fondatore della galleria londinese Ab-Anbar, che si è espresso sugli spazi ancora aperti: «Penso che questa possa essere una prima pratica di democrazia: lasciare che le persone decidano per sé stesse. Se un gallerista vuole mantenere il proprio spazio aperto e lavorare, dovrebbe poterlo fare senza essere deriso o pressato. E chiunque voglia restare chiuso dovrebbe essere libero di farlo».

Molti stand personali e una nuvola stampata in 3D

Sono state 176 le gallerie che hanno esposto le loro opere negli spazi dell’Oval, di cui 26 alla prima partecipazione. Accanto alle più istituzionali Continua e Mazzoleni, che rispettivamente esponevano ora un lavoro di Arcangelo Sassolino, ora gli stendardi di Marinella Senatore, la fiera ha contato la presenza di Suprainfinit, galleria di Bucarest che ha interamente dedicato lo stand a un’opera immersiva di Victoria Zidaru, tra le artiste più note del proprio Paese. La stessa linea ha guidato anche le gallerie della sezione Present Future, i cui allestimenti – in particolare quello presentato da Loevenbruck con Cloe Royer – hanno posto al centro un solo artista emergente, quasi come una personale, ma anche quello della galleria Benappi, in cui l’artista Guendalina Urbani ha costruito una gabbia solo apparentemente invalicabile: le sue sbarre, infatti, al tatto si rivelano morbide e flessibili, pronte a piegarsi e a smentire la loro rigidità.

Tra le note pop della fiera, lo stand dedicato alla nuvola da bere. È l’opera dell’artista giapponese Aki Inomata, presentata all’interno di Anonymous Art Project, iniziativa dedicata alla promozione dei nuovi talenti della scena nipponica contemporanea. Nel suo stand all’Oval, Inomata ha trasformato lo spazio in un laboratorio, dove ha realizzato piccole nuvole di latte stampate in 3D all’interno di bicchieri d’acqua che i visitatori – previa firma di una liberatoria – hanno potuto letteralmente bere. La formula che ha permesso a queste formazioni di durare fino a tre ore resta un segreto, custodito dall’artista dopo tre anni di sperimentazione.

Artissima, i premi dell’edizione 2025

Sono tredici i premi assegnati durante la trentaduesima edizione di Artissima. Tra i più attesi, il Premio illy Present Future, che è stato attribuito a Louis Morlae, presentato dalla galleria Rose Easton di Londra. Il Premio Orlane per l’Arte è andato alla galleria Zero di Milano, mentre il Premio Tosetti Value per la Fotografia ha premiato Alterazioni Video, rappresentato da Guido Costa Projects di Torino. Il Premio Vanni Occhiali è stato assegnato a Valentina Furian (galleria Una, Piacenza–Milano), e il Matteo Viglietta Award by Collezione La Gaia a Davide Stucchi (Martina Simeti, Milano). A Zoe Williams (Ciaccia Levi, Parigi–Milano) è andato il Carol Rama Award by Fondazione Sardi per l’Arte e GAM Torino, mentre il Premio Diana Bracco – Imprenditrici ad Arte ha riconosciuto il lavoro di Marta Barbieri e Paola Bonino (Una, Piacenza–Milano).

Tra i premi dedicati alla ricerca e alla dimensione internazionale, Thomias Radin (Esther Schipper, Berlino–Parigi) si è aggiudicato il Premio Oelle – Mediterraneo Antico, e Iris Touliatou (Sylvia Kouvali, Londra–Pireo) il Premio Pista 500 by Pinacoteca Agnelli. Il Premio “Ad occhi chiusi” by Fondazione Merz è stato conferito a Caroline Cordeiro (Galatea, San Paolo–Salvador), mentre il Vilnius Residence Prize ha premiato Rodrigo Hernandez (P420, Bologna – ChertLüdde, Berlino). Il Premio Ettore e Ines Fico è andato a Giovanni Termini (Me Vannucci, Pistoia). Infine, l’Artissima New Entries Fund ha sostenuto tre giovani gallerie: Vohm (Seul), Trotoar (Zagabria) e zazà (Milano–Napoli).

Per gli effetti dell’Iva al 5% c’è bisogno di tempo

«Artissima è stata il primo momento di verifica per l’Iva al 5% – ha affermato Luigi Fassi, direttore della fiera dal 2022 – ma soprattutto la sua cartina di tornasole. La nuova aliquota si è rivelata non solo un provvedimento fiscale indispensabile, ma un fatto culturale, una notizia di portata europea che ridefinisce il modo in cui l’Italia si colloca nel sistema dell’arte. Questa misura non agisce sul margine, ma sul senso: restituisce al nostro Paese la possibilità di competere ad armi pari, e allo stesso tempo di proporre un modello fondato su qualità, consapevolezza e responsabilità. Artissima ha avuto il privilegio e la responsabilità di metterlo alla prova, dimostrando come una fiera possa essere anche un luogo di diplomazia culturale, capace di far dialogare politica, economia e visione».

Queste le parole del direttore Fassi, ma nei corridoi di Artissima è stato sottolineato anche altro: «È ancora presto per vederne gli effetti, per quanto la stampa ne abbia parlato molto i collezionisti devono ancora abituarsi alla novità e assimilare questa informazione, soprattutto perché sta cominciando ad acquistare una nuova generazione», hanno dichiarato dalla galleria Ciaccia Levi (Parigi e Milano). «L’abbassamento dell’Iva ha rappresentato una scossa importante – hanno aggiunto – ma chiaramente il mercato ha bisogno di tempo per recepirla, soprattutto perché non si acquista un’opera al mese. In ogni caso il mercato italiano per noi che abbiamo sede in Francia è molto importante, rappresenta il 20% delle nostre vendite».

Risultati ancora non troppo diversi, quindi, o quantomeno differenti ma per altre ragioni: «A livello di volume non è cambiato molto, sicuramente è più facile la comunicazione con i clienti, perché c’è meno preoccupazione quando si comunica il costo di un’opera “più Iva”», hanno affermato dalla galleria milanese Viasaterna. «Il nostro andamento di quest’anno è dipeso dalle opere che abbiamo presentato e non dall’Iva – hanno proseguito – l’anno scorso abbiamo portato un artista più giovane, dunque meno costoso, e abbiamo fatto sold out al secondo giorno di fiera, quest’anno le opere esposte sono di un artista più affermato».

«Per noi è andata meglio rispetto all’anno scorso, soprattutto perché la Fondazione CRT ha acquisito una serie dell’artista David Schutter», hanno dichiarato invece dalla galleria romana Magazzino. «Vorremmo sperare che fosse per l’Iva più bassa, finalmente l’hanno ridotta». Insomma, la riforma è ancora troppo giovane per vederne gli effetti, ma la sua novità sembra rappresentare fin da questa edizione di Artissima un fattore di incoraggiamento.

Una fiera “among friends”, ma non lo sanno tutti

Una fiera è senz’altro una grande mostra e un’occasione di incontro all’insegna dell’arte, ma è prima di tutto un evento di mercato. Come è normale, sono diverse le gallerie che non tengono conto nell’esposizione del tema among friends. «Le fiere possono avere di certo un tema ma è chiaro che sono manifestazioni commerciali», dichiara Paola Potena, direttrice della galleria Lia Rumma (Milano e Napoli). «Penso che miart sia una fiera di qualità – prosegue – e in questi eventi il tema diventa un cappello sotto cui possono trovare posto tante realtà diverse e sotto cui ogni galleria può trovare il modo di inserire ciò che vuole».

Per alcune gallerie è di certo più semplice rendere il tema della fiera un elemento strutturale dell’esposizione. È il caso della galleria Mazzoleni, che ha declinato l’elemento-guida dell’amicizia attraverso le opere di Marinella Senatore. «Essendo un’artista partecipativa, Senatore lascia emergere nelle performance e nei workshop diversi sentimenti, tra cui quello dell’amicizia», spiega Jose Graci, direttore della sede londinese della galleria. Un discorso simile lo presenta anche la galleria Gió Marconi (Milano), che in occasione dei suoi sessant’anni di vita porta in fiera le opere di coloro che nel corso del tempo hanno ruotato attorno alla figura del gallerista.

Ma se il tema di una fiera è più una macro-linea, il maggiore investimento sulla sua portata dovrebbe provenire dalla manifestazione stessa. Sembrano inserirsi in questa prospettiva i talks among friends, che ampliano i limiti temporali dell’evento, e le iniziative previste nei giorni di fiera al Caffè Letterario by Herno, che ospita presentazioni di libri e dibattiti nei padiglioni di Allianz MiCo. Eppure la pervasività di quanto la manifestazione intende mettere al centro, l’amicizia come legame duraturo, sembra essere relativa. Nessuno spazio infatti per le forme d’arte più partecipative, le performance, e nessun workshop in programma nei giorni di fiera.

A miart il clima di collaborazione c’è

Su una questione miart ci ha preso in pieno. In un settore competitivo come quello dell’arte – ci si prova ad essere amici, dicono alcuni operatori in fiera – sembra intravedersi un nuovo senso di collaborazione. Oltre a testimoniarlo le numerose copie della lettera firmata da artisti, curatori e galleristi indirizzata al governo per chiedere l’abbassamento dell’IVA – attualmente al 22 % – sulle opere d’arte, lo confermano anche in molti in fiera. «Siamo gli unici che non fanno nulla, almeno finora, per cambiare le cose. Il precedente ministro sosteneva che le gallerie vendono lusso, non cultura, invece l’attuale sembra avere idee diverse», spiega Giuseppe Lezzi di M77 Gallery (Milano).

«C’è un senso di forte solidarietà tra colleghi e ITALICS ne è la testimonianza», spiega ancora Paola Potena. «La fiera è mirata su alcuni temi, funzionali al fatto che l’Italia deve fare sistema – aggiunge – in particolare i galleristi, che hanno gli stessi obiettivi pur nelle loro differenze di identità, di ricerca artistica e strategie commerciali, stanno capendo come fare sistema a dispetto di una politica che li mortifica. Insomma, a fronte dei tagli alla cultura e della mancanza di collegamenti tra enti diversi le gallerie si stanno organizzando e stanno creando un fronte comune. Nel chiedere un’IVA più vantaggiosa si sta scoprendo un nuovo modo di stare e lavorare insieme: nell’unire anche gli artisti tornano così a crearsi comunità, com’era prima».

Eppure sembrano esserci ancora motivi per le gallerie internazionali per partecipare alle fiere italiane. Lo affermano dalla galleria londinese Sadie Coles HQ: «qui c’è un mercato interessante con collezionisti importanti e miart è un’occasione per riconnettersi con loro». Insomma, esserci e creare dialoghi in un appuntamento internazionale sembra comunque valere di più della consapevolezza di un mercato svantaggioso.