Clandestino è l’aggettivo che più ricorre per descrivere il personaggio, usato a volte come sostituzione del suo nome e della sua professione, invero non molto chiara. Linguista, esperto in idiomi pregreci, traduttore, biblista, artista, poeta e critico d’arte, una meteora senza scia partita a Cinisello Balsamo nel 1915 e schiantata a Roma nel 2003. Dietro di sé non lascia niente, tanto meno testi, non lascia allievi impossibilitati, anche i più coraggiosi, nel seguire la sua opera di annientamento. Questo fa di lui un outsider come pochi il nostro paese conta. Cercare di ripercorrere il suo volo incauto è affondare le mani nel fango cercando diamanti. Se più spesso si è sottolineato la sua estraneità al mondo letterario dell’epoca (Montale, per dirne uno, lo odiava. Balestrini lo adorava, meno i Novissimi e il Gruppo 63) non abbastanza si è rimarcata l’affinità che legava Villa agli artisti. Rapporti messi nero su bianco con scritti per mostre, presentazioni di cataloghi, poesie d’occasione, recensioni e collaborazioni, contributi poi raccolti nel 1970 da Feltrinelli, per volere di Balestrini, nel libro Attributi dell’arte odierna, volume sperimentale, neanche a dirlo, anche dal punto di vista grafico. Un atteggiamento su tutti colpisce nella raccolta: la permeabilità del critico, come un muro bucato si lasciava attraversare dalle poetiche degli artisti condividendole fino al limite della paternità, difficile dire, nei molti pittori trattati, cosa sia veramente loro e cosa veramente di Villa. Necessità artistiche che il critico riportava nella sua poesia.

Siamo alla fine degli anni Quaranta e in Italia, come nel resto del mondo, imperversava l’astrattismo. Nascevano le prime correnti di antitesi sostenute da Villa, ostacolate dalla critica. Per fare qualche nome: De Kooning, Rothko, Newman, Pollock, Fontana, Manzoni e Burri. L’arte di Mondrian da avanguardia era diventata accademia e lasciava un vuoto nella sperimentazione colmato dall’espressionismo astratto e dall’informale. Il neoplasticismo con la sua rigida geometria era il muro da scavalcare per procedere oltre. Ma come superare la forma? L’informe fu la risposta. ”Diciamo pure: pitture, ma esse sono – Villa scrive di Burri negli Attributi – nutrite di un materiale che della pittura conserva soltanto la sua tragica reminiscenza, quasi come asfittica, un materiale devitalizzato depauperato imputridito consunto e già coartato dal deperimento. Con questo materiale Burri si adopera da impaziente austero banale chirurgo, quasi di razza alchimistica, a rimettere insieme avanzi detriti cascami di una trepidante realtà, tuttavia ancora bruciante”. Villa influenzato da Burri, influenzato dal poeta, che a sua volta viene influenzato dal pittore, un gioco di rimandi che porta lo scrittore a declinare l’informale in lirica anticipando alcuni punti della poesia concreta.

Dopo le prime raccolte in odore di ermetismo, Villa inizia a concepire il foglio bianco come un artista una tela. La sabbia, i sacchi di juta, la plastica, il ferro, la colla, i grumi di colore, i buchi, i tagli dell’informale, diventano nel poeta le lingue conosciute, il latino, il francese, il milanese, il greco, l’inglese, lo spagnolo, il romano e l’italiano. Usati nella stessa composizione, i vari idiomi simulano il caos primordiale che animava Babilonia e, nella giustapposizione, nel contrasto stridente, nella pura cacofonia sono l’espressione più vicina di un quadro informale.”Mais, oh, joie de mot, de mot! la/connaissance la connaissance donnée!/ c’est là, c’est s’offenser, connaitre ce c’est se/blesser /chacun, ognora et semper;/et il sétait aussi secrié: «mama, mama mama!/mia buona mamma», et elle d’en haut de/répondre: «crève!» et lui: «ou vais-je donc crèvespermer?»”. Babilonia ricercata non solo nella rinuncia di una lingua madre ma condotta con insistenza attraverso invenzioni ortografiche isofoniche, neologismi etimologici e non, che costringono il lettore all’abbandono definitivo di un sistema grammaticale, sia pure quello di una lingua straniera o una lingua morta.

Improprio, poi, parlare di lingue morte per Villa che supera la palude avanguardia-novità celebrando l’ossimoro avanguardia-tradizione. Ricerca verso le origini per procedere oltre lo stagno che prima di lui aveva già teorizzato un altro outsider italiano: Alberto Savinio quando distingueva l’originalità dall’originarietà. La prima: tendenza artistica passeggera, un trucco per deboli di spirito che conduce chi la persegue a camminare su una linea retta, su di un fiume dove è impossibile bagnarsi due volte. La seconda: segnata dai continui ritorni, un cerchio più che un segmento che trova un tempo infinito, non quantificabile. All’originarietà si appella Villa quando, navigando fra le epoche, retrocede fino al greco usato nei suoi scritti come il francese, l’italiano o l’inglese senza rispetto, distorto, aggiornato, trattato alla pari, da persona viva a lingua viva. Un’ossessione per le origini che l’ha portato a tradurre la Bibbia e l’Iliade, a scrivere interi lavori in latino e in greco raccolti nell’Opera poetica.

Evidente anche l’influenza della linguistica nel modo di procedere del poeta. La divisione storica di de Sassure fra langue e parole porta Villa ad abbandonare una lingua privilegiata per un sistema linguistico universale. La parole, legata indissolubilmente all’idioma del parlante, viene sentita come una gabbia dal poeta che prende come ispirazione la langue, insieme di concetti condivisi da tutte le lingue morte o vive che siano. Una linea analitica, per dirla alla Filiberto Menna, attraversa l’opera del poeta: una lingua che interroga se stessa con i suoi stessi strumenti dove a un indagine sui significanti ne corrisponde un’altra sui significanti. Fedele testimone di queste ricerche, il libro propone vari esempi villiani di parole in libertà riportando anastaticamente le opere dove possibile.

E poi più niente. Villadrome, così lo chiamò Duchamp, tace. Dal 1986 fino alla morte nel 2003, non parla, non scrive. La natura matrigna aiuta il poeta a cancellarsi e lo fa senza sfumature imponendogli un ictus che annienta la sua produzione. ”Poesia è costrizione al remoto / al non ancora, al non / adesso, al non-qui, / al non là, al / non-prima né non-dopo/ né non-adesso // poesia è sfondamento […] / poesia è lotta contro la notte / è notte contro la notte // poesia è urto contro la voce / poesia è attrito contro la pelle di Drago // poesia è così / è così e così / e così via”. Scrive in uno dei sui ultimi componimenti

Ecco, senza Aldo Tagliaferri, Cecilia Bello Minciacchi e il libro: Emilio Villa L’opera poetica, questa storia non l’avremmo mai potuta raccontare. E sarebbe stato un peccato.

Info: www.lormaeditore.it

La prima stamperia, come detto sopra, risale al 1840, anno in cui Anselmo Bulla  apre una bottega per stampare libri di alta qualità, tra volumi scientifici e conti correnti per il Vaticano. Anselmo è il nipote di Francesco (o François) che aveva cominciato l’attività già nel 1814, in Francia, dove una parte della famiglia Bulla era emigrata dalla Lombardia. A Roma mantengono i contatti con il resto d’Europa e del mondo, tenendosi aggiornati sulle preferenze del pubblico, sui temi e le stampe. Romolo, figlio di Anselmo, attivo dal 1891, comincia a produrre davvero di tutto, avviando una raffinata officina che si dedica a menù per grandi alberghi, biglietti di auguri, carnet, carte napoletane, tarocchi, partecipazioni, locandine, manifesti e molto altro. Oltre un secolo e mezzo dopo, una mostra del 2001 all’Accademia di San Luca raccoglieva centinaia di questi elementi e un libro catalogo curato da Giuseppe Appella, uscito per De Luca Editori.

Quella presente, invece, si concentra su lavori più contemporanei e la maggior parte dei manufatti è esposta sottovetro. È possibile visionarli virtualmente grazie a uno schermo posto all’ingresso, una mano coperta da un guanto bianco li sfoglia al posto nostro. C’è un faccia a faccia tra Patrizia Cavalli e l’artista Gianni Dessì, due litografie originali unite alla poesia L’io singolare proprio mio, e un’opera di Carla Accardi al lato opposto. Sono esposti libri d’artista, tra gli altri: Roberto Pace ed Edoardo Albinati che paragona Il Santo Graal a un’arancia, ancora Dessì con Giorgio Barberio Corsetti, Domenico Bianchi con testi di Kakuan (Una giornata folle). I libri firmati di Bruno Ceccobelli, Nunzio e i caratteri greci di Ersi Sotiropoulos, Ruggero Savinio con le parole di Antonella Anedda, Chia con poesie di Roberto Triana, Giulio Turcato ed Emilio Villa con riflessioni scritte a mano. Infine, all’interno dell’opera esposta di Piero Pizzi Cannella sembra quasi di vedere una dedica al libro d’arte: Io sono là/dove tutto/sta fermo e aspetta. È esposto, inoltre, il volume Dogana curato da Eduardo Cicelyn. L’esposizione è all’interno del ciclo Doppio passo, incontri tra arte e letteratura, a cura di Maria Ida Gaeta, il primo appuntamento di una rassegna dedicata alle grandi stamperie storiche romane e alle loro creazioni.

Fino al 25 luglio; Casa delle letterature, piazza dell’Orologio, Roma; info: www.casadelleletterature.it

È stato un artista e uno tra i più noti collezionisti d’arte astratta europea, amico dei maggiori talenti della sua generazione, Birolli, Vedova, Santomaso, Turcato e molti altri lo considevano un loro pari, che comprava le opere che avrebbe voluto fare lui e che sosteneva i suoi stessi amici. Andy Warhol gli dedica un ritratto dichiarando in seguito a una rivista inglese che Cavellini era l’artista italiano più interessante del momento. Il poeta e critico militante Emilio Villa scrive per lui uno di quei rari e fondamentali testi critici che hanno fatto la fortuna critica di artisti del calibro di Burri e Fontana, e ancora Shozo Shimamoto, fondatore del gruppo Gutai, appoggia una sua performance facendosi ricoprire la testa rasata con la sua scrittura. Gac coltiva per anni – autofinanziandosi senza timore di vendere e smembrare la sua preziosa collezione – una fervida attività pittorica sperimentando vari approcci stilistici, passando dal Neo dada alla pop art, dalla performance alla mail art, ma è solo nel 1971 che sentendosi ingiustamente trascurato dalla critica, decide di rendere oggetto stesso della sua arte una serie di ironiche strategie autopromozionali che confluiscono in un progetto molto più ampio da lui chiamato “autostoricizzazione”.

È in questa fase artistica, la più importante per Cavellini, che si colloca l’insostituibile contributo di Fausto Paci, collezionista marchigiano da lui eletto suo ambasciatore, non solo per aiutarlo a diffondere la propria arte-vita, ma anche per mettere in discussione tutto il sistema artistico ufficiale e le sue regole, con irriverenza ed eccentricità che rendeva il tutto ancora più curioso e attraente. Fausto Paci adempie con piacere e da più di trent’anni a questo compito e lo fa servendosi dell’arte postale, o mail art che dir si voglia, libera, low cost, divertente e anche un pò naife, essa rappresenta il circuito artistico alternativo, senza però dimostrarsi riluttante nei confronti degli spazi ufficiali come le gallerie e i musei. Paci crea fotomontaggi, timbri e collage che hanno come soggetto Cavellini e la data 2014 come promemoria dei festeggiamenti che avverranno per il suo centenario, e li spedisce a tantissimi mail artisti che a loro volta lo ringraziano inviando altro materiale in omaggio a Gac. Un altro strumento da lui utilizzato è il web, attraverso il suo sito pubblicizza mostre, articoli e performance dedicati a Gac, l’ultima notizia pubblicata è quella su Mario De Filippis e i suoi ex libris alcuni dei quali realizzati in omaggio a Gac. Con il termine ex libris (dal latino “dai libri”) ci si riferisce a un cartiglio, solitamente ornato di figure e motti, che si applica su un libro per indicarne il proprietario. Mario de Filippis, con 130.000 pezzi dal XVI secolo in poi (di cui oltre 13.000 a suo nome) realizzati da artisti di tutto il mondo con ogni tecnica conosciuta, è uno dei più grandi collezionisti di ex libris.

Mimmo Rotella (Catanzaro 7 ottobre 1918 – Milano 9 gennaio 2006) si stabilisce a Roma nel 1945 dopo aver conseguito la maturità artistica presso l’accademia di Belle arti di Napoli, opera ai margini della contemporaneità artistica e non beneficia del favore della critica. Lui fa parte di quella generazione di artisti che ricerca il senso delle cose andando a togliere per vedere, ma ben presto entra in crisi e nel 1953 interrompe l’attività pittorica convinto che nell’arte tutto sia stato detto. Poi però, mentre girovaga per le strade di Roma, ha quella improvvisa illuminazione, da lui definita “zen”: la scoperta del manifesto pubblicitario come espressione artistica della città. Nascono così i suoi famosi dècollages: incolla sulla tela pezzi di manifesti strappati per strada, prendendo in prestito la tecnica del collage dai cubisti contaminandolo con la matrice dadaista del ready made. Questo inedito modo di fare arte segna l’inizio della nuova pittura per l’artista, una pittura originale, creata dal gesto aggressivo e casuale dello strappo, una pittura popolare che si nutre di dive del cinema, di miti, e di pubblicità, in una parola, di folclore urbano. Chi comprese subito l’importanza della sua arte fu , poeta, traduttore e critico militante, lo si evince da un articolo apparso sulla Repubblica del 24 giugno del 2002 nel quale lo stesso Rotella si racconta: “Non ci accorgiamo che le nostre città sono esse stesse dei capolavori. Strappare manifesti dai muri è la sola compensazione, l’unico modo di protestare contro una società che ha perduto il gusto del cambiamento e delle trasformazioni favolose. Emilio Villa, una sera venne a trovarmi a casa. Vide i dècollages e mi disse: «Rotella, stai inventando un linguaggio artistico nuovo, che va al di là della pittura, e con questo strappo inventi un nuovo spazio, come Fontana con i buchi e i tagli, e Burri con le cuciture dei sacchi.» Mi invitò a esporre in un barcone sul Tevere. Da allora non ho mai smesso.”

Con i suoi manifesti lacerati, abusati, e ri-creati nel 1954 Rotella immette precoci fermenti neodada e novorealisti, in un ambito in cui l’arte Informale fa da padrona e dove l’unica variante tecnica al pittorico era quella eccezionale di Burri e Fontana. Infatti, solo nel ’59 la mostra alla storica galleria La Salita di Roma, consacrerà finalmente l’arte di Mimmo Rotella e la sua capacità di rappresentare la società contemporanea attraverso la manipolazione di un suo stesso prodotto, il manifesto. Il suo geniale intuito lo porta a capire che le forme dell’arte sono davanti agli occhi di tutti, basta saper attendere che la realtà parli. I manifesti strappati sono l’icona del nostro tempo consumistico, conservano un’immagine ancora accattivante nonostante la perdita d’integrità perchè vivono nella nostra immaginazione. Le opere suscitano scandalo e sorpresa nel clima effervescente della Roma del tempo, ma il suo sperimentalismo tecnico attua propositivamente il tutto è possibile dell’avanguardia storica. Ecco dunque una interessante testimonianza dell’evoluzione dei dècollages in mostra al Tomav.

fino al 22 luglio

Tomav, piazza Castello 15, Moresco

info: www.comune.moresco.fm.it