Info: www.todifestival.it

Mettere insieme diverse discipline e media, coinvolgere più artisti per la realizzazione di un prodotto finale dalle molteplici sfaccettature: le tue performance stanno diventando un’opera collettiva e multimediale?
«Le mostre in senso tradizionale mi annoiano, i quadri sulle pareti sono solo per gli addetti ai lavori. Invece mi piace il gioco di squadra, esplorare e mostrare l’arte da tante prospettive, creare un’esperienza totalizzante. Ci vuole una maggiore interazione e siccome non sempre il grande fotografo é in sintonia con la tua opera -a volte le collaborazioni si limitano a un episodio- sto creando nuove collaborazioni artistiche con professionisti che vogliano realizzare ciclicamente opere con me. Da quando mi sono trasferita a Milano (a Ottobre 2014 ndr) si stanno componendo i pezzi del mosaico di una vita, delle esperienze vissute, delle conoscenze, dei miei amori e miei amici, altri artisti con i quali adoro lavorare e fare arte».

Ci dai una anticipazione sulla performance di Art for Porn?
«La performance scenica sarà anche un set fotografico per Claudio Abate e cinematografico per il regista Giovanni La Parola. Il risultato produrrà una costante incognita emozionale. Sarà tutto buio, una luce rossa illuminerà il mio corpo nudo e dormiente, mentre Alessio Bonomo suonerà dal vivo in sottofondo un brano da lui composto dedicato al piacere femminile, riarrangiato per l’occasione. I disegni esposti alle pareti rappresentano i miei sogni, in una atmosfera erotica e sensuale. Lo spazio in cui mi esibirò è piccolo, sarà una custode dei miei sogni (la performer Annalisa Franzosi) a far entrare tre/quattro persone per volta».

Dal 2013 hai iniziato il lavoro sull’eros femminile, il percorso si concluderà nell’autunno 2015. Cosa stai preparando?
«Sto prendendo contatti per la preparazione dell’ultima grande performance: un vero e proprio spettacolo dal vivo. Si tratta di una sorpresa, riguarda una pratica che sto iniziando a scoprire in questi giorni e che mi ha aperto un mondo nuovo, ma non posso svelarvi di più».

Cosa sta cambiando nelle tue opere?
«Tutto. Un amico gallerista mi ha fatto notare che le fotografie di cui sono protagonista e che erano una sorta di preparazione ai disegni, facevano parte dell’opera in maniera inscindibile. Quando ho realizzato l’importanza di questo, la genesi dell’opera ha acquistato dei contorni diversi per me, non avevo ancora maturato questo aspetto fondamentale, era più un punto di partenza e basta. Sto preparando una mostra a Melbourne per i primi di Aprile, una collezione che ho terminato l’anno scorso ed è dedicata ai miti biblici, tra cui il Cristo in Croce di Matteo Basilé. Si tratta di una mostra in una galleria privata di un antiquario australiano molto importante, pensa, patrocinata dall’Istituto di Cultura italiana e dal Consolato italiano, c’é uno staff che sta lavorando per produrre l’evento e mi trattano come una specie di star. Abbiamo creato una associazione che si chiama GAIA e che promuoverà gli scambi culturali tra Italia ed Australia. Quando tentai di esporre le prime opere di questa serie a Roma, non me lo permisero. Fino a questa mostra non avevo maturato l’importanza fondamentale di alcuni materiali che avevo prodotto con i fotografi, serie che ahimè sono pesino andate perdute. Adesso voglio lavorare soprattutto con fotografi che si concentrino sul lavoro insieme a me, creando a loro volta un segmento dedicato all’interno della loro produzione, come sto facendo ad esempio con Giuseppe Resci».

So che le tue vicende personali piuttosto tormentate ti hanno portato ad essere, nelle tue stesse opere, interprete di esperienze forti e traumatiche del mondo femminile. Come mai hai scelto il nudo?
«Si tratta di un percorso, ci sono stati dieci anni in cui ho inflitto dolore al mio corpo, per mia stessa mano. Uscita da questo periodo in cui il mio corpo è sopravvissuto salvandomi e sostenendomi, mi è sembrato naturale celebrarlo in tutta la sua vitalità. A quel punto era il 2009 e ho iniziato ad esporre più seriamente, celebrando la salute, la bellezza e la vita. La seconda fase è stata la reinterpretazione sempre attraverso me stessa dei maestri italiani a cui ho sempre guardato. Vorrei che i miei messaggi sul piacere fossero un messaggio di bellezza per tutte le altre donne, in sintonia con la nostra sensibilità e il nostro modo di vivere l’eros, nella performance ad esempio tutto sarà volto ad esaltare l’erotismo e il corpo femminile ma con sensualità delicata».

E invece l’eros?
«L’eros è iniziato con la terza fase, superati i quaranta anni ho scoperto che essere donna è bello. Il corpo femminile è bellissimo, il dolore fa parte della nostra vita continuamente (il ciclo femminile, ad esempio) ma nonostante questo noi creiamo miracoli e voglio condividerlo con gli altri. Con Le Ragazze del Porno ci siamo davvero trovate, una fortunata coincidenza in un periodo in cui stiamo lavorando sulle stesse cose».

So che è una domanda che ti avranno fatto spesso, quando hai scelto la Bic per i tuoi disegni?
«Da piccola. A casa c’era la penna Bic, la usavo continuamente perché disegnavo di tutto. Poi la mia formazione (architettura e belle arti) mi ha portato ad essere sempre più minuziosa nel lavoro, tutta la precisione che non metto nelle cose della vita la riverso nei disegni».

Il nudo erotico è sempre più protagonista di cinema, pubblicità e arte, lo è sempre stato ma la vera novità è che il messaggio è veicolato proprio da donne, che definiscono ginecologico e poco eccitante il porno fatto dagli uomini. Tu cosa ne pensi?
«Beh si il messaggio é che l’erotismo femminile sta finalmente venendo fuori, come appunto vogliono affermare le ragazze del porno assieme a tutti gli artisti e le artiste che hanno aderito al progetto: anche alle donne piace il porno, ma quello che c’è -fatto dagli uomini- é privo di estetica e di sicuro poco eccitante. Ho visto un film con Rocco Siffredi di recente e diciamo che per quanto mi stia molto simpatico non ho trovato niente di eccitante in prodezze sessuali con palline da tennis o altro, se non la curiosità soddisfatta della capacità del corpo umano di dilatarsi notevolmente: ma che c’entra con l’eros? Anche la parola porno, non ho capito bene cos’ é: rappresentare l’atto sessuale non è pornografico, forse lo è davvero molto di più rappresentare qualcuno che mangia. Io definirei l’atto di mostrare l’eros, attraverso l’arte , realismo sessuale. Adesso è il momento delle donne, del corpo delle donne e del piacere femminile, per fortuna. Io sono stata la prima a realizzare la “Donna Vitruviana”, proprio in antitesi alle raffigurazioni classiche».

Quanti lavori esporrete ad Art for Porn e quanto costeranno?
«Esporremo sei lavori, ci saranno i miei disegni e le foto di Giuseppe Resci e Dario Scaramuzzino. Le mie opere partono dai cinquemila euro mentre le foto di Giuseppe e Dario vanno dai duemila ai mille euro, il ricavato andrà per metà al progetto, di cui sono testimonial e sostenitrice con la mia arte.

Hai mai pensato a portare la tua arte in altri contesti creativi?
«Sono contenta di lavorare per tutti gli ambiti della creatività, sto ricevendo numerosi gesti di apprezzamento e riscontri da critici esperti e colleghi, questo mi gratifica molto. Milano è un posto che lo permette, Roma purtroppo molto meno e qui era molto difficile vivere della mia arte, sono scappata. Tornerò a Giugno per una mostra organizzata da un gallerista bolognese, un dialogo artistico con Giosetta Fioroni».

La mostra inaugurata da Photology, a Milano, oltre ad essere testimonianza di questa fase creativa, propone alcuni scatti di Claudio Abate, fotografo e amico dell’artista. Con una particolare sensibilità multimediale Schifano coglie immagini di ogni tipo trasmesse dalla televisione, dimostrando un costante interesse per quella cultura che si sviluppa a partire dall’immagine televisiva. Un processo iniziato da subito, con i Monocromi dei primi anni sessanta, dove il bordo spesso arrotondato che delimita il campo dell’immagine ricordava la forma del fotogramma o della diapositiva. Negli anni ’70, il concetto si cristallizza nei Paesaggi TV, che costituiscono la vera novità della sua produzione in questo decennio. Racconta Claudio Abate: “Avevo 16 o 17 anni, in quel periodo seguivo il lavoro di diversi artisti di piazza del Popolo come Tano Festa, Franco Angeli e Mario Schifano. In quel momento storico così ricco di fermento non ci si rendeva conto della portata epocale che questi artisti e movimenti artistico-culturali avrebbero avuto nel tempo. […] Ho collaborato con Schifano per due anni, durante i quali ho fotografato le diverse fasi del suo lavoro, lui spesso assecondava il mio, giocando con pose e location insolite senza mai perdere il suo gusto, sapeva sempre scegliere con attenzione situazioni accoglienti e cariche di forza.”

In mostra la serie di fotografie, realizzate nello studio di Schifano tra la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60, tra le quali saranno presentati anche sei lavori inediti. Scavando nel suo archivio Claudio Abate ha ritrovato questi negativi che raffigurano l’artista nello studio di via passeggiata di Ripetta e ha deciso di stamparli per la prima volta.

 Fino al 4 aprile, Photology, via della Moscova 25, Milano; info: www.photology.com

Una mostra storica, nomi di primo piano, da Bonalumi a Devecchi, da Fontana a Castellani, fino a Kounellis, Paolini e Vitone, per un estratto tra i più significativi dell’arte contemporanea. Nel Complesso vengono riproposti gli ambienti che hanno fatto la storia dell’arte del dopoguerra a oggi: il rapporto con lo spazio reale, infatti, è una delle costanti dell’arte contemporanea. Uno dei principali intenti degli artisti contemporanei è stato quello di trasferire la percezione dell’arte dalla vista, dallo sguardo dello spettatorte all’interno corpo del fruitore in modo da coinvolgerne i cinque sensi. Il modo più semplice ed efficace per ottenere questo risultato è stato quello di obbligare lo spettatore a “entrare” fisicamente nell’opera, trasformando quest’ultima da superficie o da oggetto tridimensionale in spazio praticabile. Così nascono gli ambienti: il fruitore è “dentro” l’opera in maniera fisicamente accertabile. La storia degli ambienti, in tal senso coincide con la storia dell’arte nel dopoguerra, ma l’arte italiana, che di tali luoghi è stata antesignana non ha saputo valorizzare questo primato lasciando che altre culture fossero maggiormente riconosciute. La mostra catanzarese vuole rendere giustizia, fornendo un panorama cronologico e altamente spettacolare. Nella mostra vengono quindi ricostruiti gli ambienti che hanno fatto la storia dell’arte italiana, attraverso documenti fotografici, video, oltre a gigantesche installazioni.

Questi gli artisti in mostra: Claudio Abate, Vincenzo Agnetti, Mario Airò, Getulio Alviani, Giovanni Anceschi, Studio Azzurro, Massimo Bartolini, Manfredi Beninati, Cesare Berlingeri, Carlo Bernardini, Alberto Biasi, Agostino Bonalumi, Davide Boriani, Enrico Castellani, Alik Cavaliere, Loris Cecchini, Gianni Colombo, Gino De Dominicis, Gabriele Devecchi, Chiara Dynys, Luciano Fabro, Flavio Favelli, Lucio Fontana, Pinot Gallizio, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Ugo La Pietra, Fabio Mauri, Giuliano Mauri, Mario Merz, Aldo Mondino, Liliana Moro, Giulio Paolini, Pino Pascali, Luca Maria Patella, Alfredo Pirri, Paolo Scheggi, Paolo Scirpa, Nanda Vigo, Luca Vitone. Essi rappresentano la continuità dell’arte italiana in questo settore, e verranno introdotti da un omaggio a Mimmo Rotella, di cui si costruirà un ambiente che, in accordo con la sua poetica, costituirà una sorta di chiave di lettura dell’intero percorso: lo spettatore, attraverso la stanza/omaggio a Rotella, entrerà in uno spazio “diverso”, in uno spazio “altro”, quello senza tempo dell’arte.

Artisti nello spazio è il secondo appuntamento nato all’interno del progetto integrato di sviluppo regionale Arte contemporanea in Calabria: Primati italiani. Dal Futurismo a Fontana, da Rotella ai giorni nostri: due progetti per Catanzaro 2012-2013, realizzato con il finanziamento di eventi di arte contemporanea: Por Calabria 2007/2013. Il progetto voluto dal Comune di Catanzaro in collaborazione con la fondazione Rocco Guglielmo è supportato da fondazione Imes di Catanzaro, università degli Studi Magna Grecia, comune di Soverato, comune di Sant’Andrea Apostolo dello Ionio, fondazione Cefaly, fondazione Mimmo Rotella e cineteca della Calabria.

info: Dal 20 ottobre al 29 dicembre. Complesso monumentale San Giovanni, piazza Giuseppe Garibaldi, Catanzaro – www.fondazioneroccoguglielmo.it

La tua formazione trae origine dal lavoro di illustratrice, come è nata la passione per la pittura e come coniughi queste diverse matrici espressive?

«Sono un’esperta di cartografia e collaboro da venti anni con la rivista di geo politica Limes. Il mio approccio alla pittura  mi ha sempre accompagnato, ho frequentato una scuola d’arte, provengo da quel tipo di formazione che ho poi mutuato nel mio lavoro all’interno di Limes dove mi sono specializzata nella realizzazione di mappe. All’inizio non conoscevo le questioni in seno alla geo politica, è stato un percorso complesso che però mi ha condotto a interpretare le parole attraverso l’utilizzo di simboli, mano a mano ho superato le difficoltà e ho creato una mia personale cifra linguistica, ho costruito il mio stile cercando di divenire un trait d’union tra le immagini e le parole. Nel corso degli anni ho notato che questo modo di approcciarmi alla figura ha generato dei fruitori delle mie mappe che attraverso le illustrazioni che compongo riescono a percepire con chiarezza i concetti espressi negli articoli della rivista».

Nel percorso espositivo di Contemporanea, riflessioni dal presente i tuoi lavori sono fortemente legati alla poesia, qual è stato il procedimento che hai adottato, hai selezionato prima le parole o hai affidato alla figura le tue suggestioni letterarie?

«Ci sono due tipi di lavori in questa mostra, alcuni sono frutto di una commissione come nel caso dell’opera intitolata La radice dell’essenza dove attraverso una poesia di Pasolini omaggio la figura di Marylin Monroe, altri dipinti invece sono frutto delle mie suggestioni, del mio istinto. La radice della mia attività di illustratrice è ben visibile, tendo a definire alcune mie opere prodotti di una geo poetica. Un dipinto, tra quelli esposti, è esemplare di questo procedimento, attraverso la poesia di uno scrittore palestinese ho parlato della situazione israeliana affidandomi anche alle mappe geografiche dove è visibile l’evoluzione territoriali di queste nazioni colpite da conflitti sanguinari. Il poeta parla della sua casa d’origine a cui personalmente ho voluto dare forma. La mia pittura nasce anche dal mio istinto, da tranci di vita vissuta, momenti a volte dolorosi ma che cerco di accompagnare sempre con il colore. I colori sono per me un’esigenza, il fulcro espressivo della mia arte».

Sono differenti le matrici estetiche ed espressive che caratterizzano i tuoi lavori, quali sono i concetti portanti della tua ricerca artistica?

«La mia elaborazione del concetto di confine credo sia una delle matrici fondamentali della mia ricerca. La nozione di confine penso sia quanto di più falso possa esistere, ma la memoria, in questo senso, è la chiave di lettura per non dimenticare come questa idea abbia portato morti e sangue. Ripenso spesso alle poesie di Andrea Zanzotto, che  parla della prima guerra mondiale, di come centinaia di persone hanno perso la loro vita per le differenti visioni di confine. Esiste un luogo sul Piave chiamato l’isola dei morti, vi è un albero nato dentro un teschio che è divenuto il simbolo di quel territorio.Il poeta aveva notato che quel posto sorgeva nella faglia tettonica Periadriatica, la profondità in cui si trovano quelle persone decedute corrisponde alla linea che giunge fino al centro della Terra, è un caso che vi sia un legame tra i due eventi, ma questo caso ci permette di riflettere su di un concetto incredibilmente forte. Per me, per la mia poetica, siamo parte di un tutto, un insieme di immagini, sensazioni, atti che percepisco attraverso i colori, nonostante la drammaticità di alcuni argomenti che affronto, il colore rimane l’aspetto dominante del mio linguaggio».

Fino al primo settembre; palazzo del Vignola, via del Seminario 9, Todi; info: www.todifestival.it

I temi su cui ruota la mostra si possono scandire in tre momenti: in primis i ritratti che l’artista ha realizzato a creativii come Jannis Kounellis e Mario Schifano, immortalati in pose ormai famose. La fotografia documenta parte della realtà, conservandola per l’eternità: è questa la magia di questa tecnica e arte. Con il lavoro svolto da Abate, non solo artisti della portata di Mario Merz e di Pino Pascali vengono rappresentati accanto alle loro opere ma divengono essi stessi opere d’arte, grazie alla testimonianza data dalla fotografia di performance come quella di Gilbert&George e di Giuseppe Penone. Nella sezione opera d’arte si fa voce il tema che identifica la fotografia sia come opera che come rappresentazione. Si mostra l’installazione dei Cavalli di Kounellis (1969) e lo Zodiaco di Gino De Dominicis (1970) attraverso immagini che rifanno vivere con precisione un periodo epocale. Lungo il percorso si noterà anche uno scatto che definisce il rapporto tra Abate e la città di Milano con la rappresentazione dei sette Palazzi celesti di Anselm Kiefer, all’interno dell’Hangar Bicocca, sua casa permanente.

Fino al 10 giugno; Triennale, viale Emilio Alemagna 6, Milano; info: www.triennale.org

Fino al 10 giugno. Triennale, viale Emilio Alemagna 6, Milano – 02 724341; www.triennale.org