Anche Sotheby’s ha registrato risultati solidissimi, con oltre 1,17 miliardi di dollari nelle vendite newyorkesi e nuovi record per opere di Gustav Klimt e Frida Kahlo, mentre Phillips ha consolidato il proprio ruolo nel contemporaneo con aste dedicate ai grandi nomi del dopoguerra e dell’ultra-contemporary. Più che semplici risultati economici, le aste di New York restituiscono però un segnale psicologico fondamentale: il collezionismo internazionale sembra aver ritrovato fiducia. In sala sono tornati rilanci aggressivi, competizione telefonica e bidder provenienti da Stati Uniti, Asia e Medio Oriente, in un contesto che fino a pochi mesi fa appariva molto più prudente.

Il dato più significativo riguarda infatti la qualità dell’offerta: le opere migliori continuano ad attirare cifre eccezionali, mentre il mercato medio rimane più selettivo. Un sistema sempre più polarizzato, in cui i capolavori storicizzati funzionano come asset culturali e finanziari insieme. Dopo mesi di incertezza, New York torna così a imporsi come epicentro simbolico ed economico del mercato globale dell’arte. Dopo mesi di rallentamento e previsioni prudenti, la grande mela torna così a rappresentare il centro nevralgico del mercato globale dell’arte. Più che i numeri in sé, ciò che emerge da questa settimana di vendite è soprattutto il ritorno di una fiducia collettiva: quella convinzione, condivisa da collezionisti e operatori, che l’arte continui a essere non soltanto un bene rifugio, ma anche uno spazio simbolico di prestigio, identità e potere culturale.

I risultati della vendita hanno confermato la portata del fenomeno: l’asta ha totalizzato 1,4 milioni di dollari, superando di oltre quattro volte la stima minima, con il 90% dei lotti venduti. Il dato più significativo però riguarda il pubblico. Il 36% dei partecipanti era nuovo per Christie’s, mentre millennials e Gen Z rappresentavano circa il 35% degli offerenti, un segnale che va oltre il semplice successo economico e che indica l’ingresso sul mercato di una nuova generazione di collezionisti, attratta dalla cultura pop giapponese.

L’asta si è sviluppata come un dialogo serrato tra passato e presente, mettendo in relazione opere tradizionali e linguaggi visivi contemporanei, mostrando come l’immaginario pop giapponese si inserisca in continuità con il patrimonio artistico del Paese. Tra i lotti più significativi della vendita si distingue Wolf and Armor di Shiomi Ryosuke, una scultura che rielabora la tradizionale armatura samurai caricandola di valore estetico e identitario, capace di evocare status, appartenenza e visione. L’opera, aggiudicata per circa 700mila dollari, si è affermata come top lot della vendita, superando ben trentacinque volte la stima iniziale e stabilendo un record mondiale per l’artista.

Per quanto riguarda i manga, il risultato più sorprendente è stato registrato da Pretty Guardian Sailor Moon di Ito Ikuko, venduto per quasi 90mila dollari, diciotto volte la stima di partenza. L’immagine va oltre la semplice nostalgia per le eroine degli anni Novanta, ma incarna la cultura degli Idol – aidoru in giapponese -, in cui personalità, immagine e performance si trasformano in esperienze emotive condivise e in autentici oggetti del desiderio, secondo dinamiche che affondano le radici già nella cultura visiva dell’epoca Edo. È proprio questa continuità tra immaginari contemporanei e tradizione a emergere con forza nella vendita. Accanto alle opere legate alla cultura pop, infatti, anche i grandi classici dell’arte giapponese hanno confermato il loro fascino senza tempo: la celebre Grande Onda di Katsushika Hokusai, stimata tra 40mila e 60mila dollari, ha raggiunto 228.600 dollari, riaffermandosi come una delle immagini più iconiche della storia dell’arte giapponese.

Nel complesso, l’asta dimostra come la cosiddetta “subcultura” degli anime non rappresenti una rottura con la tradizione, ma piuttosto una sua naturale evoluzione. Come ha osservato Takaaki Murakami, responsabile del Dipartimento di arte giapponese e coreana di Christie’s, il mercato newyorkese attendeva da tempo di vedere forme d’arte giapponese contemporanee e popolari affiancarsi alle opere più classiche. Il risultato della vendita lo dimostra chiaramente: anime e manga non sono più soltanto fenomeni pop, ma linguaggi attraverso cui si sta ridefinendo il panorama del collezionismo globale, attirando nuovi pubblici.

Più personale è invece View beyond the Hudson River (To Anita Pallenberg) del 1964, stimata 200.000–300.000 euro, una delle opere più significative del periodo americano dell’artista. Il dipinto è dedicato ad Anita Pallenberg, attrice e modella italo-tedesca conosciuta da Schifano nei primi anni Sessanta nella Roma di Piazza del Popolo, tra via Margutta e il Caffè Rosati, luoghi di incontro per artisti e intellettuali dell’epoca. Pallenberg seguì l’artista negli Stati Uniti e la loro relazione, intensa e turbolenta, coincise con una fase di grande produttività per Schifano. Realizzato durante il soggiorno americano tra il 1963 e il 1964, il dipinto riflette l’evoluzione del linguaggio dell’artista verso immagini più allusive e stratificate, in cui il paesaggio si trasforma in memoria filtrata. La tela reca una dedica alla Pallenberg e presenta una bruciatura circolare vicino alla scritta, probabilmente realizzata dallo stesso Schifano con un sigaro: un gesto dal forte valore autobiografico che rende l’opera una delle più intime della sua produzione.

Nel catalogo ragionatoMario Schifano. Catalogo ragionato dell’opera pittorica 1960-1969 (a cura di Marco Meneguzzo e Monica De Bei Schifano, Skira, 2025) l’artista ricordava un episodio decisivo del suo soggiorno americano: «Ero a New York alla fine del 1963 e sono andato al Museo d’arte moderna. In fondo c’era Guernica e s’intravedevano Balla e Boccioni. Ma nella sala prima c’erano i Gigli d’acqua di Monet. Lì per me è stato il miracolo». Il tour italiano delle opere coincide inoltre con l’apertura a Roma, al Palazzo delle Esposizioni, della mostra Mario Schifano, curata da Daniela Lancioni, che ripercorre la produzione dell’artista dagli esordi fino agli anni Novanta.

Le date complete del tour italiano dei lotti:
19 marzo, Torino, ERSEL, Piazza Solferino 11, 10-19
24-25 marzo, Milano, Christie’s Palazzo Clerici 10-19 
30-31 marzo, Roma, Hotel de Russie 10-19

Kadakia porterà con sé un’esperienza trentennale maturata tra Londra, Ginevra e New York, dove dal 1996 ha segnato alcune delle vendite più importanti della storia di Christie’s. Oltre alla presidenza asiatica, manterrà anche la guida dei gruppi Global Luxury e Asian & World Art, accentuando la sinergia tra settori chiave del mercato. «La nomina di Rahul arriva in un momento importante per il mercato dell’arte nella Regione – ha dichiarato Brennan – la sua leadership rafforza il nostro impegno nell’area Asia-Pacifico, dove continuiamo a investire su scala locale e globale. Le nostre sedi da Hong Kong a Tokyo, da Bangkok a Mumbai, sono parte di un ecosistema culturale in crescita, e Rahul è la persona giusta per guidarne l’evoluzione».

Nato a Mumbai nel 1974, Kadakia ha accolto con entusiasmo la nuova sfida: «Sono onorato di accettare il nuovo ruolo di Presidente di Christie’s Asia Pacific. Avendo lavorato con colleghi in Asia e diretto le vendite in quella regione per oltre trent’anni, non vedo l’ora di trasferirmi a Hong Kong per affrontare questa nuova importante sfida e sono entusiasta di mettere le mie competenze e la mia passione al servizio di Christie’s in Asia. Avendo iniziato la mia carriera presso Christie’s Londra nel 1996, seguita da un periodo a Ginevra e New York, sono incredibilmente grato per la fiducia che il consiglio di amministrazione di Christie’s ha riposto in me».

All’asta da Christie’s un gol storico di Messi

L’opera rappresenta una rielaborazione digitale di uno dei momenti più memorabili della carriera del campione argentino: il goal segnato di testa nella finale di Champions League del 2009. Attraverso l’utilizzo di intelligenza artificiale e tecnologie immersive, Anadol ha reinterpretato quell’istante trasformandolo in una scultura digitale emozionale e simbolica, capace di fondere ricordo, estetica e innovazione. L’installazione è stata presentata in anteprima al pubblico con un’esposizione di dieci giorni al Rockefeller Center di New York, in concomitanza con il 10° Art+Tech Summit organizzato da Christie’s. L’evento ha richiamato migliaia di visitatori, tra appassionati d’arte contemporanea, collezionisti e tifosi, offrendo un’esperienza immersiva dove sport e tecnologia dialogano in modo inedito.

Tra arte generativa e impegno sociale

Refik Anadol, pioniere dell’arte generativa e dell’estetica dei dati, ha costruito negli anni un linguaggio artistico unico che unisce scienza, memoria e intelligenza artificiale. Nel suo studio di Los Angeles lavora con un team internazionale per realizzare opere che esplorano le potenzialità dell’AI come strumento creativo e collettivo. Parallelamente, l’impegno sociale prosegue attraverso la Inter Miami CF Foundation, legata al club in cui Messi milita attualmente. La fondazione promuove il calcio come strumento di trasformazione sociale, puntando a generare un impatto concreto sulla vita di giovani provenienti da contesti svantaggiati. Grazie ai fondi raccolti con la vendita dell’opera, verranno rafforzati progetti educativi volti a sostenere l’emancipazione di bambini e adolescenti in difficoltà, fornendo loro maggiori opportunità di crescita e apprendimento.

L’opera è apparsa all’asta solamente due volte in tre secoli di storia, rispettivamente nel 1751 e nel 1993 ed è in uno stato di conservazione eccezionale e sarà in mostra da Christie’s a New York dal 3 al 15 maggio, seguito da Hong Kong dal 22 al 28 maggio, prima di tornare a Londra per la mostra pre-asta dal 27 giugno al 1° luglio. Rimasto inaccessibile agli studiosi per gran parte della sua storia, è emerso solo recentemente che il dipinto era esposto al numero 10 di Downing Street. Registrato per la prima volta nel 1736, all’interno della collezione del primo Primo Ministro britannico Sir Robert Walpole e si tratta – insieme al suo pendant del Canal Grande – dell’opera più antica di Canaletto documentata in una casa inglese.

Estremamente ambiziosa sia nelle dimensioni che nella concezione, questa veduta altamente evocativa testimonia il prodigioso talento e la tecnica rigorosa di Canaletto, dipinta all’apice della sua carriera. È la sua prima rappresentazione nota di un soggetto a cui sarebbe tornato ripetutamente, segnando il punto di partenza per Canaletto nella pittura di tali festività. La luce molto dorata crea riflessi sull’acqua e sulle gondole anch’esse dorate. La prospettiva del quadro è particolarmente complessa: i vari edifici non giacciono sulla stessa linea e, tanto meno, su linee parallele. Questo effetto non può essere stato realizzato da Canaletto con una semplice proiezione prospettica a causa dei vari punti di fuga.

Andrew Fletcher, responsabile globale del dipartimento di opere d’arte antica di Christie’s, ha commentato: “Raramente un vero capolavoro come questo, in particolare di un pittore importante come Canaletto, appare sul mercato dell’arte, ed è estremamente emozionante gestirne la vendita. Questo straordinario dipinto, che raffigura la più grandiosa e familiare veduta di Venezia, opera del pittore più noto della città, risale al periodo più glorioso di Canaletto ed è degno di nota tanto per la sua illustre provenienza quanto per le sue impeccabili condizioni. È senza dubbio la più grande opera dell’artista arrivata sul mercato nell’ultima generazione”.

Un presidente con un “approccio creativo”

«Il mercato internazionale dell’arte e degli oggetti d’arte eccezionali continua a evolversi e i nostri clienti richiedono giustamente competenza, creatività, esperienza e passione per guidarli. I nostri team di Christie’s si impegnano quotidianamente per questo, agendo da trendsetter e adattandosi al modo in continua evoluzione del collezionismo». Così Alex Rotter ha commentato la propria nomina, ma il suo approccio creativo è stato sottolineato anche dalle dichiarazioni di Bonnie Brennan, CEO di Christie’s. «Sono lieta che Alex assuma questo nuovo ruolo di Presidente Globale e non vedo l’ora di collaborare a stretto contatto con lui in questa veste – ha affermato Brennan – l’approccio creativo, strategico e collaborativo di Alex a 20/21 è stato un fattore chiave per la nostra leadership di mercato e, con un numero crescente di clienti che collezionano in tutte le categorie, questo è il momento perfetto per ampliare le sue responsabilità».

Alex Rotter: i momenti chiave da Christie’s

Dal suo arrivo nella casa d’aste nel 2017, il nuovo presidente globale ha costruito un ampio spettro di collezionisti e ha dato il via a nuovi format. Oltre all’ideazione del dipartimento 20/21, Alex Rotter ha istituito la prima asta a staffetta globale. Si tratta di ONE, trasmessa in diretta streaming in piena pandemia dalle sedi di Christie’s a New York, Londra, Parigi e Hong Kong. Diversi i momenti iconici a cui ha presenziato, come la vendita del Rabbit di Jeff Koons a 91,1 milioni di dollari o quella dello Shot Sage Blue Marilyn di Andy Warhol a 195 milioni. Quanto agli Old Master, Rotter ha supervisionato anche l’asta del Salvator Mundi di Leonardo nel 2017, venduto per 450 milioni di dollari.

Il dipinto di Warhol all’asta da Christie’s

Largo quasi due metri, Big Electric Chair proviene dalla collezione dei mecenati belgi Roger Matthys (1920-2016) e Hilda Colle (1919-2004), «tra le personalità più influenti del mondo dell’arte contemporanea belga», come spiega Peter van der Graaf, specialista internazionale di arte del dopoguerra e contemporanea da Christie’s. La coppia cominciò a collezionare negli anni ’50 e tra le opere raccolte negli anni sono presenti esemplari realizzati da Sol LeWitt, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, James Rosenquist e altri.

La tela di Warhol che andrà all’asta il 12 maggio fa parte di una serie. Il maestro della Pop Art ne ha realizzate 14 in tutto, ma l’esemplare della collezione Matthys-Colle è l’unico della serie a presentare una sedia elettrica dipinta in nero su uno sfondo monocromo. Se raggiungerà la stima o almeno vi si avvicinerà, l’opera stabilirà un nuovo record sul mercato secondario per la serie superando un’altra Big Electric Chair (1967-68). Realizzata su uno sfondo tricromatico blu, verde e rosa, l’opera è stata venduta per 20,4 milioni di dollari (con commissioni incluse) a un’asta di Sotheby’s a New York nel 2014, a fronte di una stima tra i 18 e i 25 milioni di dollari.

La villa di Portoghesi nel cuore del Lazio

È circondata da un ettaro di terreno con vista sul parco del Treja la villa dell’architetto scomparso nel 2023. Circondata da alberi da frutto e piante ornamentali, la struttura consisteva in un antico rudere, poi ristrutturato e trasformato da Portoghesi nel proprio studio alla fine degli anni Novanta. Cominciata ad essere utilizzata per sviluppare progetti, la villa presenta diversi elementi distintivi dell’opera dell’architetto, dalla commistione tra strutture e ambiente fino al rispetto delle materie prime locali, come il tufo utilizzato per la facciata, oltre a presentare forme curve in continuità spaziale ispirati a Borromini.

L’accesso all’abitazione è previsto con un ponte levatoio. La villa, che ora presenta nuovi arredi, prevede un doppio salone con cucina a vista e un bagno con sauna al piano terra, due camere da letto e un altro bagno al primo piano e, all’ultimo, una sala ampia, un bagno e un terrazzo. Accanto ai locali tecnici, c’è anche un terrazzo panoramico.

Tra barocco e postmoderno

Paolo Portoghesi ha firmato nella sua lunga carriera numerosi progetti. Tra questi, il suo manifesto dell’architettura postmoderna con la celebre Strada Novissima per la Biennale del 1980, in cui invitò venti architetti internazionali a cimentarsi sul tema La Presenza del Passato con una riflessione sul postmoderno. Ognuno aveva infatti il compito di realizzare una facciata volta alla strada. Tra le altre opere di Portoghesi ci sono anche diversi progetti di riqualificazione urbana, come Piazza Ghiaia a Parma, ai progetti capitolini del Vecchio Mulino e Piazza San Silvestro.

Lo spostamento da Milano a Parigi dell’asta dedicata all’arte italiana è solo l’ultima conseguenza, l’ultimo guasto, l’ultimo colpo inflitto al nostro già cagionevole mercato dell’arte a seguito della ottusa, scellerata e folle mancata riduzione dell’IVA, che ci avrebbe equiparato ai vicini Paesi europei che, approfittando di una norma UE che consentiva l’abbassamento dell’IVA per le transazioni artistiche, con il loro 5,5% (Francia), 6% (Belgio), 7& (Germania), rispetto al nostro spropositato 22% (!!) risultano essere, di default, anche se non lo volessero, competitor sempre più agguerriti e sempre più attrezzati. 

Le nefaste conseguenze della mancata riduzione dell’IVA in materia di mercato dell’arte non si limitano, quindi, all’indebolimento delle nostre gallerie, che non a caso hanno cercato di farsi sentire scrivendo al Presidente del Consiglio e ai Ministri della Cultura, dell’Economia e delle Imprese una vibrata protesta, ma coinvolgono tutto il nostro sistema dell’arte, azzoppando, con colpevole miopia, quel suo fondamentale tassello che è, appunto, il mercato. 

In Italia, facendo quasi il verso alla retorica del Belpaese, sono andati e continueranno ad andare in mostra le opere che andranno invece in asta a Parigi. Sul solco di un rinnovato modello di Gran tour, i preziosi lotti apparecchiati da Christie’s si sono, infatti, già visti a Roma e a Torino e si vedranno ancora a Palazzo Clerici, sede Christie’s di Milano, il 25 e il 26 marzo. Ma gli affari veri si faranno altrove. 

Contravvenendo a quella strana, e un po’ pelosa ritrosia che spesso gli artisti mostrano verso il mercato, da Cattelan a Pistoletto, passando per Icaro, Paolini, Griffa, Tirelli e altri, si sono fatti sentire anche gli artisti, appoggiando la protesta dei galleristi. 

Quindi, la protesta e la paura di ritrovarsi in un “deserto culturale”, come hanno affermato gli artisti, è unanime. Come altrettanto unanime, da destra a sinistra, di qualunque governo di qualunque colore, è il disinteresse verso il mercato dell’arte, come giustamente ha sottolineato Alberto Fiz. Come se questo fosse un mondo poco pulito, da tenere d’occhio, popolato da riccastri sfaccendati e un po’ imbroglioni. 

E se è vero che nel mercato dell’arte circola ancora del nero, molto si deve alla tassazione insensata e proibitiva che grava su di esso che, non solo spinge i collezionisti a comprare all’estero e, se comprano in Italia, a pagare in cash, ma spinge anche i nostri galleristi a evadere.

Un meccanismo folle, un corto circuito che non fa bene a nessuno, insomma. E dire che di promesse, anche recentemente, anche un anno fa sono state fatte. Sembrava che fosse finalmente il primo governo dichiaratamente di destra a mettere mano in questa situazione insostenibile, che peraltro impiega molta forza lavoro e genera un indotto non indifferente, considerando anche le tante fiere che si svolgono in Italia. E invece niente. Solo promesse. 

Fino a quando? Fino, forse, a un prossimo governo di sinistra? Mah.