Una collezione tra più residenze

Le case di Valentino non erano semplici abitazioni, ma luoghi progettati come estensioni coerenti della sua visione estetica. Dalla storica villa sull’Appia Antica al Castello di Wideville, alle porte di Parigi, fino al palazzo londinese di Holland Park, allo chalet di Gstaad e all’attico su Park Avenue, ogni residenza rifletteva un’idea precisa di armonia tra arte, architettura e decorazione.

Gli interni, curati nei minimi dettagli, combinavano arredi antichi, design e opere d’arte di altissimo livello. La disposizione degli oggetti, la scelta dei colori, la presenza costante di fiori freschi contribuivano a creare ambienti calibrati, mai casuali. Le fotografie pubblicate nel corso degli anni mostrano spazi in cui i capolavori dialogano con boiserie, tappeti orientali e luce naturale, restituendo l’immagine di un collezionismo vissuto quotidianamente e non confinato in spazi museali.

Una collezione tra maestri storici e icone contemporanee

Il nucleo della raccolta attraversa oltre cinque secoli di storia dell’arte. Tra le opere più significative figura un raro ritratto femminile del Bronzino, custodito nella residenza romana, a testimonianza dell’interesse per la pittura manierista. Pablo Picasso rappresenta probabilmente l’artista più presente nella collezione, con diverse tele distribuite tra Londra, Roma e altre proprietà. Non mancano Francis Bacon, con un intenso ritratto di George Dyer nella casa parigina, e maestri del secondo Novecento come Lucio Fontana, di cui possedeva una grande tela della serie Attese conservata a New York.

Il rapporto con l’arte americana si consolida tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli Ottanta. A New York Valentino entra in contatto con Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat. Warhol realizza una serie di ritratti dello stilista partendo da Polaroid: due di questi entreranno successivamente nella sua collezione privata. Accanto a loro, opere di Richard Prince – tra cui Overseas Nurse, acquistata nel 2008 a una cifra record – confermano l’attenzione verso la contemporaneità più radicale.

La presenza di François-Xavier Lalanne, con arredi-scultura come il celebre bar a forma di toro e le pecore in bronzo, evidenzia inoltre l’interesse per un’idea di arte che si integra con il design. Il legame con Cy Twombly, il cui appartamento romano ospitò nel 1968 un servizio fotografico per Vogue dedicato alla Collezione Bianca, testimonia un dialogo diretto tra moda e ricerca artistica. Nel complesso, la raccolta è stimata oltre il miliardo di dollari e viene considerata tra le più importanti collezioni private al mondo per qualità e coerenza.

Il nodo dell’eredità e l’ipotesi filantropica

Con una ricchezza personale valutata intorno a 1,5 miliardi di dollari e in assenza di eredi diretti, la questione della successione assume oggi un rilievo particolare. Figura centrale resta Giancarlo Giammetti, compagno di vita e storico socio, con cui Valentino ha condiviso scelte imprenditoriali e culturali per oltre mezzo secolo. Resta aperta l’ipotesi di una destinazione filantropica per una parte del patrimonio artistico. Nel corso della sua vita, Valentino ha dimostrato un costante impegno verso la tutela della bellezza e del patrimonio culturale. Non si esclude che fondazioni, musei o istituzioni possano diventare in futuro i custodi di una parte della collezione, trasformando un patrimonio privato in risorsa pubblica.

Mai passato in asta e conservato per oltre quattro decenni in una collezione privata, Crowns (Peso Neto) appartiene al periodo in cui Basquiat, appena ventunenne, stava varcando la soglia tra l’anonimato della strada e il sistema dell’arte ufficiale. Reduce dalle notti trascorse come writer sotto il nome di SAMO, nel seminterrato della galleria di Annina Nosei l’artista trovò il suo primo vero studio. Lì cominciò a costruire il suo linguaggio visivo, una grammatica febbrile fatta di parole, numeri, frammenti e soprattutto di simboli. Tra questi, la corona: icona personale, emblema di potere, di orgoglio e di riscatto.

Basquiat, la corona come eredità culturale

Nel dipinto, le corone si moltiplicano in una costellazione di segni che sfidano la nozione stessa di autorità. Ogni figura incoronata non celebra un sovrano, ma eleva i corpi e i volti neri a protagonisti di una storia da cui erano stati esclusi. Basquiat rovescia le gerarchie dell’arte occidentale, trasforma la simbologia del trionfo in un gesto di ribellione. Al centro, due teste — una bianca e una nera — si fronteggiano in un silenzio denso di tensione, come se la tela fosse il campo di battaglia su cui si misura la complessità delle identità contemporanee.

Il titolo, Peso Neto, scritto in spagnolo, richiama le etichette dei prodotti commerciali, ma anche un’idea di autenticità, di sottrazione dell’eccesso. Come se Basquiat volesse presentare la propria visione “al netto” delle eredità culturali che sente di dover superare. È un gesto di liberazione e di affermazione personale, ma anche un commento ironico e feroce sul valore – economico e simbolico – dell’arte stessa.

Il Basquiat all’asta da Sotheby’s

Jean-Michel Basquiat realizzava la sua Untitled nel 1981. Realizzata quando Basquiat era ventenne, l’opera risale a una fase di transizione per l’artista, che a quel tempo compiva il proprio salto diventando un autore riconosciuto. L’opera è poi rimasta nella stessa collezione privata dal 1989 e non è stata più vista per più di trent’anni. E se la scalata ai vertici dell’art system cominciava proprio in questo frangente, la parabola dell’artista si concludeva solo sette anni dopo con la morte prematura nel 1988. Ma la sua età dell’oro, pure in una carriera breve, risale al periodo tra il 1981 e 1983, fase in cui sono stati realizzati molti dei suoi migliori risultati in asta, tra cui quello di 110,5 milioni di dollari conquistato nel 2017 sempre da Sotheby’s.

Untitled rappresenta una figura artigliata e leggendaria a cui l’artista intende legare la propria immagine. Ricordando da un lato le raffigurazioni azteche di Quetzalcoatl, il dio serpente piumato della creazione e della conoscenza, dall’altro la Creazione di Adamo di Michelangelo, l’opera racconta l’origine dell’umanità attraverso un caleidoscopio di colori.

L’affaire della mostra al museo di Orlando

La storia scoppia nel 2022, quando al museo di Orlando inaugura la mostra Heroes & Monsters: Jean-Michel Basquiat, The Thaddeus Mumford, Jr. Venice Collection, in cui i 25 dipinti falsi attribuiti a Jean-Michel Basquiat erano stati esposti. Proprio durante la rassegna l’FBI ha sequestrato gli esemplari incriminati. Tra i primi dubbi sorti, le dichiarazioni del proprietario del deposito in cui i dipinti sarebbero stati conservati: Thad Mumford ha infatti affermato di non aver mai avuto i lavori in questione nel proprio magazzino. Ma non solo, perché uno dei dipinti un logo FedEx, non in circolazione quando l’artista era in vita.

La disputa legale dopo un’asta incriminata

Dopo il sequestro, i proprietari delle opere con il relativo gruppo Basquiat Venice Collection Group (BVCG) hanno di conseguenza richiesto un risarcimento di 19,7 milioni di dollari ritenendo di averle acquistate in buona fede. L’azione è stata poi contestata dalle due compagnie assicurative Liberty Mutual e Great American Insuranc che coprivano gli esemplari esposti nel museo. Non essendo i dipinti autentici e non avendo subito alcun danno, le compagnie hanno infatti rifiutato di pagare il risarcimento. Tra gli sviluppi della vicenda cominciata nel 2022 c’è la confessione, risalente al 2023, di Michael Barzman, un ex banditore d’asta di Los Angeles. Barzman ha infatti affermato di aver creato insieme a un complice le opere false, ragione per cui è stato condannato a tre anni di libertà vigilata e al pagamento di una multa di 500 dollari, oltre alle 500 ore di servizi socialmente utili per aver rilasciato false dichiarazioni all’FBI.

Gli ultimi sviluppi

Nel 2025 la vicenda non si è ancora conclusa, con i proprietari dei dipinti coinvolti in una lunga battaglia legale a seguito di un’asta-truffa. Tra gli altri protagonisti della vicenda c’è Aaron De Groft, l’ex direttore del museo di Orlando licenziato nel 2022 dopo l’inizio della storia e morto il 18 gennaio 2025. De Groft, grande esperto di Basquiat, continuava a sostenere l’autenticità delle opere, ed è stata proprio la sua insistenza a metterlo sotto accusa. Da qui, il museo lo ha citato in giudizio per frode e violazione del contratto.

La beffa però è che del quadro non si hanno più notizie da quasi vent’anni. O meglio, si è certi che fino al 2006 abbelliva i saloni dell’appartamento della coppia, ora chissà. Gli attori di questa contesa (fantasma) sono l’imprenditore Vittorio Cecchi Gori, la sua ex moglie Rita Rusic e l’ex legale di Cecchi Gori, Giovanni Nappi. Siamo nel 1998 quando l’imprenditore acquista presso la Tony Shafran Gallery di New York il Wine of Babylon per 330 mila dollari come dono alla Rusic. Dopo il divorzio Vittorio e sua moglie si sono contesi a lungo la tela, il cui valore intanto ha raggiunto i 4 milioni, e alla fine sembrava aver avuto la meglio la donna.

L’ultima sentenza del tribunale civile di Roma però ribalta tutto: il quadro sarebbe dell’avvocato Giovanni Nappi, storico legale di Gori, che lo avrebbe ricevuto nel 2010 come forma di pagamento, senza però mai averlo visto. Nonostante si parli per ora di Basquiat solamente negli atti, visto che per ora l’opera è astratta, è stato immediato il ricorso di Gori e del suo avvocato, secondo cui se Nappi accettasse incorrerebbe in una sorta di conflitto di interessi. Ovviamente, anche Rita Rusic si è opposta alla consegna dell’opera. Si attendono aggiornamenti sulla vicenda, visto che si parla di un quadro che tutti vogliono, ma che nessuno per ora riesce ad avere.

Ma quest’anno, accanto ai cinepanettoni e ai grandi classici delle feste, dalle commedie ai film di animazione passando per le pellicole che fanno versare qualche lacrima, si possono aggiungere documentari e proiezioni per scoprire il mondo dell’arte.

Ecco qualche suggerimento:

Presentato al Festival di Venezia del 2018 e al Candidato al Premio Oscar del 2019 come migliore attore, Willem Dafoe è Vincent Van Gogh in Van Gogh – Sulla soglia dell’eternità, diretto dal pittore Julian Schnabel. Una pellicola emozionate e malinconica, in cui Dafoe riesce mirabilmente a portare in scena la sofferenza, i turbamenti e i disturbi psichici di Van Gogh. 

I film su quest’ultimo sono numerosi, ognuno ne dà una visione differente, in questo caso il regista ripercorre gli ultimi anni della tormentata vita del genio del post-impressionismo, il periodo più intenso e travagliato, dalla sua difficoltà a integrasi nell’ostile ambiente parigino, nel pieno dello sviluppo dell’Impressionismo, al suo trasferimento nel paesino di Arles, dove ugualmente non riesce a trovare la sua pace interiore. Gli unici momenti di gioia e sollievo sono quelli che trascorre con il fratello, Theo, e nelle rassicuranti lettere che gli invia, e con Paul Gauguin (Oscar Isaac), il quale sarà anche la causa del suo ultimo e drastico crollo.  

Ma il vero soggetto del film è la pittura: l’obiettivo di Schnabel non era realizzare un film autobiografico, come si evince dalla riduzione al minimo di indicazioni di tipo cronologico o toponomastico, ma mirava a mostrare dall’interno lo stato d’animo dell’artista quando realizzava un’opera, la fatica fisica e la dedizione impiegata per la riuscita del lavoro, il suo modo di vedere e sentire le cose. 

Il regista ha debuttato nella regia cinematografica nel 1996 con Basquiat, film biografico dedicato all’artista simbolo, assieme a Keith Haring, del graffitismo, morto nel 1988 a soli ventisette anni per un’overdose.

La seconda proposta è un docu-film sul grande amico di Van Gogh, Paul Gauguin interpretato da Vincent Cassel. Anche in questo caso, le pellicole che hanno raccontato le vicende dell’artista francese sono varie, il regista Edouard Deluc in Gauguin ha scelto di ambientare il suo film tra il 1891 e il 1993, focalizzandosi sul periodo in cui il pittore lascia la Francia, alla ricerca di nuovi stimoli che risveglino la sua creatività. 

Da sempre desideroso di vivere libero e senza costrizioni, lontano dalle norme morali ed estetiche imposte in Europa, Gauguin decide di partire per Thaiti, sfidando la solitudine, la malattia e la povertà. Ma sarà qui che incontrerà Téhura, una giovane del luogo che divenne la sua più grande musa ispiratrice.

Il tutto è spiegato attraverso una prospettiva naturalistica, in cui i paesaggi sono imponenti e gli uomini sembrano degli intrusi: probabilmente come Gauguin vedeva la realtà. Una natura protagonista che con i suoi colori si contrappone alla civiltà borghese, rappresentata con tonalità cupe e scure, che colonizza e monetizza qualsiasi cosa, tra cui la passione e il talento. Una natura aperta e libera che si contrappone e una civiltà chiusa e soffocante. La pellicola mostra lo spirito rivoluzionario del pittore post impressionista e ci some riscopre se stesso e la passione per l’arte, vero motore vitale. 

Liberamente tratto dall’autobiografia del 1965 di James Lord A Giacometti Portrait, il terzo film è ‘’Final Portrait – L’arte di essere amici’’, il ritratto di un grande artista del novecento, Alberto Giacometti, ma anche il racconto del processo creativo che si nasconde dietro un’opera d’arte. 

Ambientato nel 1964, la storia narra della realizzazione da parte di Giacometti (Geoffrey Rush), insoddisfatto delle sue opere nonostante siano apprezzate da tutti, del suo ultimo ritratto: quello fatto all’amico e scrittore statunitense James Lord (Armie Hammer), narratore della storia. Il film ripercorre i 18 giorni che sono serviti all’artista per realizzare il dipinto, in un susseguirsi di creazione, distruzione e ricostruzione, mostrando, attraverso gli occhi di Lord, la frustrazione, il caos e la maniacalità del processo artistico, nella ricerca ossessiva della bellezza. 

Il film è un mezzo che il regista Stanley Tucci utilizza per spiegare al pubblico la difficoltà, la fatica e la sofferenza che alcuni artisti provano nell’elaborare i propri lavori nella continua ricerca di una perfezione che, probabilmente, non esiste. 

La quarta proposta è un documentario che ha come protagonista la pittrice italiana di scuola caravaggesca Artemisia Gentileschi. Intitolato Artemisia Gentileschi, pittrice guerriera, l’opera ripercorre tutta la vita dell’artista, tra le prime donne divenute emblema del femminismo mondiale per il suo carattere e la difesa della propria dignità professionale, il tutto emerge grazie alla corrispondenza con collezionisti e personalità dell’epoca, tra cui Galileo Galilei.

La fama della Gentileschi è dovuta anche allo stupro subìto da parte di un collega, Agostino Tassi. Nel documentario viene mostrato come Artemisia supera il processo con combattendo con coraggio per la verità e, grazie alla pittura, trasforma lo scandalo in riscatto sia come donna che come artista, realizzando capolavori senza tempo.

Il quinto suggerimento è una pellicola italiana e ha come protagonista un artista italiano: Volevo nascondermi, in cui un quasi irriconoscibile Elio Germano, diretto da Giorgio Diritti, interpreta egregiamente il pittore e scultore Antonio Ligabue. 

Il regista ha portato sul grande schermo un biopic intenso e toccante che, attraverso un alternarsi di flashback con la narrazione al tempo presente, racconta la vita di un ragazzo poi uomo, considerato dai suoi contemporanei un ‘’povero pazzo’’, un disadattato e incompreso che nella pittura cercherà, e troverà, un modo per esprimere al sua rabbia e allo stesso tempo, un riscatto alla solitudine e all’emarginazione.

È la storia di una persona che, abbandonata più volte ed isolata a causa dei suoi disturbi psichici e dei suoi problemi fisici quali il gozzo e il rachitismo, voleva ‘’solo’’ essere compresa e amata. Ligabue utilizza il disegno, la pittura e la scultura per esprimere il suo splendente mondo interiore.
Volevo nascondermi dà la possibilità di riflettere sull’importanza della “diversità”, percepita come qualità, talento e dote preziosa che appartiene a ogni essere umano e che lo rende unico.

Lo spazio, che prenderà il nome di Atelier Jolie, vanta 600 metri quadrati e tre piani di superficie espositiva, messi a disposizione di artisti e artigiani provenienti da tutto il mondo. Qui potranno lavorare ed esporre le loro creazioni. Ma la sua storia ha dell’incredibile: costruito nel 1860, l’edificio fu presto acquistato dal gangster Paolo Antonio Vaccarelli, alias Paul Kelly, che vi aprì il Brighton Athletic Club nel 1904. L’edificio fu successivamente utilizzato come azienda di lavorazione dei metalli e fornitura di cucine fino al 1970. A questo punto la struttura prese una svolta artistica, con l’acquisto da parte di Andy Warhol, che lo diede in affitto all’amico e collega Basquiat.

Fu proprio il writer a legarsi maggiormente all’edificio, garantendogli un importante ruolo simbolico: qui infatti Basquiat iniziò infatti a dipingere i suoi graffiti, sia sulla tela che sui muri della struttura. Opere che negli anni sono andati perdute, alle quali altri artisti hanno aggiunto i loro lavori, in una sorta di tributo all’artista scomparso.

Oggi l’ex studio del writer – che nel frattempo ha ospitato anche un ristorante giapponese – è impregnato ancora dell’aura mistica che avvolge l’artista. Una carica evocativa che ha attirato le attenzioni di Angelina Jolie. L’attrice e filantropa ha affittato i locali per otto anni, forse abbassando l’affitto di $ 51.000, più $ 9.000 di tasse al mese richiesto dai proprietari

Cosa fa di un’opera un originale? A cosa serve l’unicità? Cosa è una copia? Dalle Nozze di Cana agli NFT, un tentativo di risposte

Nel 2007, anno in cui mi accingevo a riordinare tutti i miei appunti sulla teoria dell’autenticità in arte, non avrei certo pensato che il lavoro svolto avrebbe avuto una vita piuttosto serena fino al 2021 con l’arrivo nel pubblico dominio e nelle discussioni più accese sui temi finalmente attualizzati dell’autenticità degli NFT.

Prima di addentrarci in questi, è però necessario un piccolo passo indietro e spiegare perché, almeno alle nostre latitudini, il 2007 può essere stato un anno di ‘svolta teorica’. In quell’anno a Venezia, nell’Isola di San Giorgio Maggiore, veniva “restituita” l’enorme tela raffigurante Le Nozze di Cana realizzata da Paolo Caliari, detto il Veronese. Il 6 giugno 1562, il pittore fu chiamato nell’isola per dipingere la parete di fondo del refettorio benedettino del complesso architettonico progettato da Andrea Palladio e ultimato quello stesso anno.

L’intensa collaborazione tra il pittore e l’architetto furono senz’altro determinanti per il prodigioso risultato finale la cui fama, fatta di copie, citazioni, incisioni e piccole versioni di mano di moltissimi artisti di passaggio a Venezia, attraversò presto le Alpi e indusse, nel 1797, Napoleone Bonaparte a volersene appropriare come risarcimento delle spese di guerra contro la Serenissima. La tela fu smontata dalla parete l’11 settembre di quell’anno, fu tagliata in diverse sezioni e spedita al Musée du Louvre dove, dopo alcuni restauri, è tutt’oggi conservata. Dotata di una imponente cornice dorata, illuminata con luce artificiale, collocata troppo in basso rispetto alla prospettiva rappresentata è oggi ammirata da migliaia di schiene provenienti da tutto il mondo.

Dopo essere stata un tutt’uno con l’architettura palladiana per 235 anni, l’opera del pittore veneziano veniva dunque allestita nel museo parigino, esattamente davanti alla Gioconda. Nonostante le numerose promesse di restituzione, l’impegno di uomini di cultura e di politici, la grande tela non dava cenno di poter tornare in laguna.

Ecco che si decise, nel 2006, di realizzarne un facsimile utilizzando le più recenti strumentazioni tecnologiche e incaricando per la delicata operazione Factum Arte di Madrid. Il facsimile in scala 1:1 del dipinto che misura circa 70 metri quadri è stato realizzato scansionando l’originale a Parigi, fotografandone ogni più piccolo dettaglio per essere poi ‘ridipinta’ da una stampante 3D al fine di ottenere la resa materica della superficie pittorica. Lo studio della tela e delle preparazione dell’origina- le, nonché della composizione dei colori e delle vernici hanno consentito di realizzare un facsimile talmente perfetto da essere indistinguibile a occhio nudo dall’originale.

Riposizionata sulla parete di fondo del refettorio di San Giorgio, l’opera tornava in tutto il suo splendore, restaurata e nel contesto per il quale era stata pensata. Assumendo questa vicenda a caso studio, avevo ipotizzato una evoluzione del medium pittorico dalla consueta condizione autografica a quella allografica semplicemente considerando che una scansione non è altro che una traduzione in codice binario, e quindi in un ‘alfabeto’, di quanto è apparentemente incodificabile in pittura: la pennellata.

Se le arti allografiche, dotate di sistema notazionale, come la musica (lo spartito), l’architettura (il progetto) o la letteratura (l’alfabeto) sono per definizione infalsificabili in quanto ogni esatta corrispondenza al sistema di riferimento genererebbe una versione ‘originale’ dell’opera, ora la pittura acquisiva il medesimo privilegio. Un sistema informatico correttamente compilato consentiva l’esatta realizzazione dell’opera originale. Di quella vicenda è stato scritto molto e molto ci è servita per segnare un confine teorico su cosa consideriamo arte e cosa consideriamo originale.

Si è trattato, comunque, di un’opera d’arte fisica digitalizzata, tema ben diverso dall’arte nativa digitale che, in questi giorni, è protagonista dei dibattiti sulla possibilità di essere non falsificata ma ‘originalizzata’ ex post (In tempi di conio di valuta digitale, mi sia concesso il conio di un nuovo, terribile termine). I temi dell’autenticità, che sono in controluce i medesimi di quelli che trattiamo quando parliamo di falsificazioni, possono es- sere suddivisi in due grandi macro aree di competenza: da un lato l’aspetto artistico che vaglia la funzione estetica dell’oggetto, dall’altro l’aspetto economico e del valore di mercato di un dato oggetto. Nella mia ricerca, confluita poi nella pubblicazione L’autenticità nell’arte contemporanea, ZeL Edizioni, l’intento è stato quello di concentrarmi esclusivamente sul primo dei due ambiti, liquidando, forse con troppa leggerezza, le problematiche del mondo del collezionismo che nutrono incessantemente il mercato come anche la produzione artistica.

Oggi, però, siamo costretti e riunire queste due facce della stessa medaglia perché il processo di autenticazione a posteriori nasce dall’urgenza di assegnare un valore primariamente feticistico alle opere, valore che altro non è se non il padre del collezionismo e delle dinamiche di compra-vendita sulle piattaforme online che sfruttano la tecnologia blockchain la quale, ricordiamolo, ha (avuto?) l’ambizione di scongiurare l’esuberanza degli intermediari a favore del rapporto di- retto tra artisti e collezionisti e dove, per intermediari, non intendiamo solo i galleristi ma anche i curatori, per fare un esempio. Posso serenamente sostenere che il mio libro sembri, oggi, interrotto a un capitolo dalla fine, quello che potrei scrivere in questi giorni, ma in esso la ricognizione sulle pratiche e sulle teorie dell’autenticità e della falsificazione crea un presupposto teorico senza il quale assai difficilmente potremmo affrontare i temi dell’unicità o della scarsità tanto cari ai sostenitori degli NFT. Non per mio merito, ovviamente, ma per tutte le ricerche di grandi pensatori contemporanei lì riportate, analizzate e confrontate.

In passato un’opera nasceva unica e ad essa veniva abbinato un certificato di autenticità, una carta d’identità firmata dall’autore o dai suoi eredi, che attestava una semplice cosa: quest’opera è esattamente l’occorrenza (token) unica esistente. Un certificato di autenticità non si poteva, infatti, abbinare a un concerto di Brahms in quanto la partitura era la sorgente (type) da cui ciascuna esecuzione correttamente suonata da parte di una orchestra ne risultava originale. L’attribuzione dell’NFT, che altro non è se non il codice fiscale dell’opera, contribuirebbe dunque a crearne la ‘scarsità’ volta all’aumento di valore. Con l’arte digitale, i fattori si sono invertiti e il risultato è rimasto lo stesso: con la digitalizzazione sia dell’opera che dei suoi certificati di autenticità, siamo passati al piano virtuale di una prassi anticamente fisica e abbiamo colto l’occasione di mescolare le carte, come nel caso di Free Comb with Pagoda, opera ‘fisica’ di Jean Michel Basquiat del 1986, alla quale è stato abbinato un Non Fungibile Token oppure, viceversa, di stampare e considerare certificato di autenticità quell’unico esemplare su carta di un NFT (e quindi l’unica cosa tecnicamente collezionabile e vendibile) di un’opera d’arte nativa digitale.

Ciò che non è mai cambiato con l’avvento delle nuove tecnologie e mai cambierà è il fatto che l’autenticità di un’opera è nel giudizio che ne diamo, non nell’opera in sé, non è nel suo DNA. Neppure se un dipinto contenesse in sé un microchip per identificarlo potremmo essere certi della sua unicità e della sua relazione con l’autore perché, sia egli pittore o hacker, un falsario può essere sempre più bravo dell’esperto che indaga e del collezionista che riconosce oltre che, per assurdo, dell’autore dell’originale. L’assegnazione dello statuto di autenticità è un pro- cesso di riconoscimento di questo valore, nella tensione che si crea tra i due opposti falso-autentico tra i quali si posizionano tutte le opere d’arte del mondo. L’esito di questa disputa può essere temporaneo, non dato una volta per tutte: si pensi al concetto di ‘riattribuzione’: prima l’opera è autentica di un dato autore, poi viene attribuita a un altro e infine torna ad essere di mano del primo. Un certificato di autenticità è pura documentazione temporanea per la compravendita.

Ma in questo processo di attribuzione dell’autenticità, nell’era digitale compare un altro elemento molto importante a livello teorico che abbiamo visto essere la scarsità. Il fatto che un’opera sia prodotta (o vendibile) in una quantità limitata di esemplari la rende collezionabile, aspetto fondamentale per la creazione di valore nella vendita e caratteristica difficile da attribuire a opere che possono viaggiare via email senza correre il rischio di deteriorarsi. L’arte contemporanea non è forse l’unico ambito per la quale siamo disposti a pensare virtualmente? Non solo al denaro ma anche a una collezione che, anche qualora raggiungesse le decine di migliaia di esemplari, potrebbe essere contenuta tutta in una piccola scatola nera.

Ora c’è da chiedersi un’ultima cosa: quanto il supporto di un’opera contribuisce alla sua artisticità? Può innestarsi nel supporto stesso il giudizio di autenticità o di falsità? E quando il supporto è obsoleto, quando ad esempio il server non risponde più a comandi troppo aggiornati, l’opera d’arte cessa di esistere? Ai developers l’ardua sentenza.

Una biografia a fumetti «nata per caso, grazie ad una serie di situazioni che si sono incrociate e sovrapposte. L’editore stava cercando di concretizzare un progetto biografico su Jean-Michel Basquiat e, per un susseguirsi di coincidenze, è entrato in contatto con me». Parla così Paolo Parisi, illustratore e fumettista, autore di un graphic novel che non solo omaggia il writer e pittore newyorkese, uno dei principali esponenti del graffitismo statunitense, ma ne ripercorre la vita e l’arte con dovizia di particolari. Pubblicato da Centauria libri, Basquiat (128 pagine, 19.90 euro) è ambientato nella “grande mela” tra la fine degli anni settanta e i primi ottanta, quando la metropoli è un melting-pot esplosivo di creatività, rivolta e controcultura. Lo scenario (oggi irripetibile) abbraccia gli “american graffiti”, la musica post-punk, la smania dei night club. New York vive più di notte che di giorno, mentre il mercato dell’arte contemporanea tocca le sue vette più alte. Esistenze al limite, eccessi, passioni e voglia di emergere. Ne sa qualcosa Basquiat, che – spiega Parisi – «rappresenta l’essenza di un certo modo di imporsi nel mondo dell’arte dell’epoca: la New York di quel periodo storico è una bomba ad orologeria di geni e sregolatezza: la punk rock band Ramones, il rock club Cbgb, il chitarrista, cantante e produttore discografico Arto Lindsay, la cantante, poetessa e scrittrice Lydia Lunch, il pittore e writer Keith Haring, la fotografa e graphic designer Julia Gorton».

Un fermento culturale che ribolle, dal quale Basquiat è completamente avviluppato: dai graffiti su muro firmati con lo pseudonimo “Samo” (Same old shit) alla pittura su tela come forma di attestazione sociale, mediante l’utilizzo feroce del colore e delle forme. «Uno spaccato di una società che non esiste più, in cui il termine “punk” ha assunto a pieno il suo vero significato concettuale: vivi ai margini, non sai fare nulla di “istituzionalmente” riconosciuto, rifiuti le dinamiche della società in cui vivi, e di conseguenza, ti imponi attraverso l’unica cosa che sai fare», riprende l’autore. Quindi tratteggia la genesi dei suoi lavori. «Parto da una documentazione scritta: biografie, diari, interviste dell’epoca. Questo per farmi un’idea in generale sia del contesto storico sia artistico-culturale e politico, in senso lato. Quindi cerco di caratterizzare i personaggi per dare loro una propria voce e attitudine, portando avanti – in parallelo – una documentazione “visiva”: foto e filmati d’epoca, musica, film, documentari». Il risultato è un volume a fumetti dove nulla è lasciato al caso. «Spesso il lettore non di settore fatica a percepire la mole di lavoro che c’è dietro a un’opera come questa: non pensa alla costruzione della storia, alla scelta di inquadrature, colori, testi, dialoghi, editing, revisioni. E ancora, alla cover e alla stampa. Tutto ciò richiede tempo, attenzione per i dettagli, sintesi e precisione». Un approccio metodico, che non appartiene a Basquiat, la cui arte può essere sintetizzata come pura passione, istinto, improvvisazione e violenza. Fermo restando una “razionalità” di fondo a sostegno delle caratteristiche sopracitate, con la cifra artistica che sposa il vissuto. «Io non penso all’arte quando lavoro. Io tento di pensare alla vita», ammetteva l’artista.

Info: www.centaurialibri.it

Dal 16 febbraio la mostra Basquiat: Boom for Real è presente presso lo Schirn Kunsthalle Frankfurt in Germania. Per la prima volta in assoluto, questa mostra si concentra sulla relazione artistica di Jean-Michel Basquiat con la musica, i testi, le parole, il cinema e la televisione. Nei suoi quadri le parole si mischiano sempre alle forme e hanno un importante significato. Appunti incollati o scritti direttamente sul supporto, frasi ripetute ossessivamente, i segni sono rapidi, grezzi e violenti, mai ritoccati, come sfregi sulla tela e sono espressione del disagio e della rabbia dell’artista. Egli celebrava nelle sue opere il disagio giovanile della società contemporanea.

Pur essendo autodidatta, l’artista prendeva spesso ispirazione da materiali e fonti diverse: dallo sport, alle tribù dei pellerossa, dai disegni anatomici al bebop jazz. Basquiat è stato un vero e proprio pioniere della scena artistica americana degli anni Settanta e Ottanta. Nato a New York da una famiglia caraibica, divenne famoso e attirò l’attenzione dei media nel 1978 quando, insieme al suo compagno di classe Al Diaz, usando lo pseudonimo collettivo Samo, iniziò a dipingere per le strade di New York una serie di graffiti in cui erano inserite dichiarazioni enigmatiche e lunghe frasi ripetute più volte. Da qui, in pochissimo tempo divenne uno dei più celebri artisti della sua generazione. Info: www.schirn.de