La più storica tra le fiere d’arte italiane, riconferma il suo ruolo centrale e imprescindibile nel panorama artistico nazionale, punto di riferimento per il sistema dell’arte fin dalla sua fondazione nel 1974. Con un nuovo team curatoriale, un diverso allestimento del padiglione dedicato all’arte moderna e una struttura aggiornata delle sezioni, Arte Fiera 49 celebra la ricchezza e la complessità dell’arte nazionale. Il titolo di questa edizione, Cosa sarà, guarda al futuro con uno spirito di apertura e trasformazione: esprime la volontà di interrogarsi sul destino della fiera e sulle sue possibili evoluzioni, mantenendo intatto il fascino dell’incertezza che lega il pubblico – collezionisti e appassionati – all’arte contemporanea.

Una della novità è la nuova identità visiva firmata dallo studio Al mare, interpreta lo spirito del titolo con un linguaggio visivo che unisce elementi pop, minimalismo ed eleganza. Il celebre bollino di Arte Fiera si trasforma in un segno dinamico, un sole nascente che emerge da una linea d’orizzonte immaginaria, simbolo di una nuova alba per la manifestazione. Tra le collaborazioni della kermesse, si rinnova anche per il 2026 quella con Fondazione Furla per il programma di performance con la curatela affidata a Bruna Roccasalva, BPER e ANGAMC, l’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea, con cui Arte Fiera ha aperto un tavolo di confronto permanente.

Le sezioni e i nuovi curatori

Alla tradizionale Main Section – suddivisa tra arte storicizzata e contemporanea – Arte Fiera affianca anche nel 2026 un nucleo di cinque percorsi espositivi, ciascuno con una propria cifra curatoriale, delineano l’identità di un’edizione che guarda al presente dell’arte con strumenti aggiornati e visioni allargate. Fotografia e dintorni è la prima novità: non solo un cambio di nome per la sezione dedicata al medium fotografico, ma un vero e proprio cambio di passo. A firmarla sarà Marta Papini, curatrice indipendente e mente dietro Radis, il progetto di arte pubblica lanciato nel 2024 dalla Fondazione CRT.

Nuova anche la guida di Multipli, che passa per la prima volta nelle mani di Lorenzo Gigotti, co-fondatore della casa editrice NERO e figura di riferimento nel mondo dell’editoria d’arte. Il suo approccio amplifica il concetto di “multiplo” in chiave interdisciplinare, esplorando opere riproducibili e accessibili: litografie, edizioni audio, libri d’artista, design e nuovi media diventano strumenti di apertura verso pubblici più ampi e mercati alternativi. Cambio della guardia anche per Pittura XXI, sezione storicamente dedicata al linguaggio pittorico, oggi affidata a Ilaria Gianni.

Ritorna per il secondo anno consecutivo Prospettiva, la sezione ideata per mettere in luce le voci più giovani e radicali della scena artistica. A curarla è ancora una volta Michele D’Aurizio, che propone presentazioni monografiche provenienti da gallerie emergenti (attive da meno di dieci anni) o consolidate ma orientate alla ricerca. Un osservatorio prezioso sulle energie in movimento. Chiude il cerchio Ventesimo +, progetto dedicato all’arte del Novecento e del primo XXI secolo. Firmato da Alberto Salvadori – direttore della Fondazione ICA Milano – il padiglione propone una rilettura trasversale dell’arte moderna e postmoderna, con un focus sul collezionismo come pratica personale, fluida e non convenzionale, invito a rileggere il secolo scorso attraverso le lenti del presente.

Per mantenere l’asticella su livelli molto alti, la Fiera ha essenzialmente fatto tesoro del precedente storico: dall’approntamento di strategie comunicative e promozionali mirate a una corretta, ampia e diversificata diffusione pubblicitaria, fino a una meticolosa attenzione nei riguardi dell’esperienza di visita – decisamente vincente è risultata, tra le altre cose, la scelta di valorizzare le eccellenze enogastronomiche del territorio – l’evento ha fatto registrare un buon successo tra il pubblico generalista, quello delle famiglie e dei gruppi di curiosi che hanno affollato i due padiglioni per tutta la durata del weekend. 

Leggermente diversa, e variegata, la percezione lato espositori: se da un lato anche gli oltre 170 spazi espositivi coinvolti hanno notato un generale incremento di pubblico rispetto, ad esempio, all’edizione del 2022 – un annus horribilis già opportunamente archiviato – dall’altro, spostando il focus sulla platea dei collezionisti, alcuni di loro hanno parlato di collezionismo a trazione nostrana. Nonostante la rassegna cittadina abbia sempre parlato prevalentemente italiano, con ogni probabilità la geografia ristretta dei compratori deve la sua ragion d’essere anche a moventi esterni, come per esempio la sovrapposizione con Art Rotterdam (1-4 febbraio).

La situazione, poi, ovviamente è diversa se si tiene in considerazione la profonda distanza tra l’offerta dei singoli padiglioni: se, pur con i dovuti distinguo, nel Padiglione 25 – quello tradizionalmente dedicato a un’offerta più attuale – l’atmosfera era quella di un generale ottimismo, un po’ meno entusiasmante è stata la risposta commerciale nell’ala riservata al moderno. Il Padiglione 25, che ospita prevalentemente lavori di artisti giovani, anche se affermati, è destinato ad un delta di compratori decisamente più ampio, e la logica delle trattative ne risulta ovviamente facilitata rispetto a un contesto, come quello del moderno, in cui la formalizzazione di una vendita segue un iter diverso e soprattutto si accompagna a contrattazioni di ben altro ordine economico, a rapporti prolungati e a chiusure ufficializzate nei giorni o nelle settimane seguenti. 

Al di fuori di comprensibili esitazioni da parte della fascia più alta degli acquirenti, il weekend bolognese è stato, come sempre, anche un weekend di premi e riconoscimenti. Il PREMIO ANGAMC, assegnato ogni anno come “riconoscimento alla storia e all’attività di un gallerista affiliato all’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea che, nel corso della sua carriera, abbia dimostrato un significativo impegno nel ruolo, ottenendo riscontri dal punto di vista artistico, umano e commerciale”, è stato vinto, per il 2023, dalla gallerista partenopea Lia Rumma. A Stefania Galegati, presentata da Francesco Pantaleone Arte Contemporanea, e al suo lavoro The Island #49, parte del suo solo show dedicato all’Isola delle Femmine (The Island Project), va invece il primo Premio BPER: un progetto ambizioso, riconosciuto dalla giuria in quanto in grado di unire pratica artistica e azione collettiva.

Anche Sabrina Mezzaqui, vincitrice del Premio Collezione Righi, ha omaggiato la sua città d’origine, Bologna, con le trecento cartoline del ’98: Punti di vista (Bologna), opera esposta dalla Galleria Massimo Minimi, si è aggiudicata il premio proprio in virtù del suo rapporto intimo con il capoluogo emiliano. Formalmente affini, poi, le opere vincitrici del Premio Colophonarte e del neonato Premio Marval Collection: tanto Zerha Dogan (Prometeo Gallery) quanto Guilherme Almeida (Ribot Gallery) hanno infatti proposto delle sovrapposizioni grafiche su ritagli di giornale. Dogan, artista e giornalista curda, con il suo Untitled ha unito la lotta politica alla rivendicazione femminile, mescolando sul supporto tracce di sangue mestruale a interventi a penna.

Almeida, brasiliano, ha invece privato, pur in via parziale, alcune icone della cultura brasiliana (le gemelle Tasha e Tracie, il cantante Jorge Aragao) delle loro fattezze precise, dotandoli di un sorriso dorato legato indissolubilmente a un passato complesso, una storia di colonialismo e schiavitù. Il primo Premio Officina Arte Ducati è stato vinto, invece, dall’Ossicodone 2 di Alberto Tadiello (Galleria Umberto di Marino): “L’opera di Alberto Tadiello – recita il comunicato sul sito ufficiale della fiera – è in profonda connessione con il DNA di Ducati perché sintetizza l’idea di velocità, bellezza anche attraverso la rappresentazione del suono che incarna, con grande perizia tecnica e un’organizzata articolazione dell’intera superficie”. Il lavoro minimale di Claudio Coltorti, esposto dalla Galleria Acappella, e centrato sulla relazione tra solitudine e tecnologia, è stato invece selezionato per la prossimità con l’intimismo del mondo di Osvaldo Licini (Premio Osvaldo Licini by Fainplast). 

La raccolta dei premi continua poi con l’eleganza essenziale di Galleria Zero…, che porta a casa il Premio Rotary, e con il Premio Rotaract e il Premio Andrea Sapone, vinto da Beautiful things fading away, installazione cinetica di Daniele Di Girolamo (Traffic). Gli ultimi due riconoscimenti – il Premio Spada Partners e il Premio The Collectors.chain by Art Defender – sono stati assegnati, rispettivamente, a Ruth Beraha (Ncontemporary), che con gli otto occhi in ceramica di Visionarie ha portato alla luce il ruolo subalterno storicamente assegnato alla donna, definita in quanto oggetto e mai soggetto dello sguardo, e a Milli Gandini (MLB Maria Livia Brunelli), che grazie agli scatti della serie fotografica La mamma è uscita, realizzata nel 1975 e anch’essa rivolta a rivendicazioni femministe, ha saputo far collidere esigenze documentarie, indipendenza creativa e potenzialità politiche: “Le sue opere – viene scritto sul comunicato – segnano una tappa fondamentale dell’arte e della storia della seconda metà del Novecento, vale a dire l’utilizzo della fotografia come strumento di una battaglia, e di una presa di coscienza, che investe il ruolo della donna nella società, in una chiave esplicitamente femminista”. 

La narrazione artistica evidenzia il percorso formativo e di crescita dell’artista, sino alla personale ricerca sull’arte concettuale che caratterizza le sue opere dagli anni ’60 in poi. Il progetto espone circa 50 lavori, alcuni inediti per il pubblico, tra oggetti, collage e installazioni importanti, che apparentemente sono in contrasto fra loro: si passa così dall’astrazione alla pittura figurativa, da semplici oggetti a installazioni ambientali. Tra questi anche 4 serie poco conosciute: Superquadri, Supercomponibili, Punti Extra e Sfere con sirena che testimoniano la sua partecipazione attiva e dinamica al mondo dell’arte. La curatrice spiega che «l’artista è riuscito ad abbracciare un’idea di arte come esperienza dinamica e aperta, in grado di coinvolgere altre persone, oltre se stesso».

Sergio Lombardo, che è anche psicologo, è nato a Roma nel 1939. Inizia la sua carriera artistica molto giovane nei primi anni ’50, iniziando a realizzare i suoi primi lavori monocromi, tessere di carta incollate su tela e verniciate con stesure a smalto. Viene considerato fra i principali artisti che hanno rinnovato il linguaggio artistico europeo e internazionale tra la fine degli anni ’50 e gli anni ’60, nonché un precursore dell’arte partecipativa di oggi. Fonda l’idea della Teoria Eventualista, importante teoria estetica dalla quale è nato un movimento artistico e teorico basato su metodi sperimentali.

Sergio Lombardo 1960-1970
dal 28 gennaio al 24 marzo 2024
Villa delle Rose – Via Saragozza 228, Bologna
info: mambo-bologna.org

Non solo: dal 1 al 4 febbraio, l’Accademia propone la nuova edizione di ABABO Art Week, calendario di appuntamenti sviluppato nell’ambito di ART CITY Bologna, programma istituzionale di mostre, eventi e iniziative speciali.

Dopo il grande successo di pubblico della prime due edizioni, infatti, torna il fortunato ciclo di incontri ARTalk CITY che approfondisce le poetiche di alcuni dei protagonisti dell’edizione 2024 di ART CITY Bologna. Coordinato da Maria Rita Bentini, il programma conta tra gli ospiti: Ludovica Carbotta, Luca Monterastelli, Greta Schödl e Virgilio Sieni in dialogo con i rispettivi curatori e con docenti dell’Accademia.

Sempre nell’ambito dell’art week bolognese, l’Accademia organizza venerdì 2 febbraio, la tradizionale giornata di Studio sul Contemporaneo, giunta quest’anno alla nona edizione. L’appuntamento, dal titolo La lacuna nell’arte contemporanea. Edizione zero. Problematiche, orientamenti, soluzioni, si svolgerà negli spazi del Teatro dell’Accademia e vedrà confrontarsi curatori, restauratori, artisti ed esperti di tecnologie attinenti al settore. 

Sabato 3 febbraio, in occasione dell’ART CITY White Night, l’Accademia invita il pubblico nel suggestivo spazio settecentesco dell’Aula Magna, ad assistere all’allestimento scenico Voglio essere l’ultima. Voci contro la violenza, una serie di letture tratte dal libro Ferite a morte di Serena Dandini, con la partecipazione e un contributo inedito di Alessandro Bergonzoni e in collaborazione con Gianluca Costantini. Personalità protagoniste nei più diversi ambiti, dalla politica all’arte dal mondo economico a quello culturale della città di Bologna, insieme a studentesse, studenti e docenti,  interpreteranno le voci di donne “ferite a morte”, esprimendo con questa azione il proprio impegno contro la violenza verso le donne (repliche alle ore 21, 22, 23 e ingresso libero fino a esaurimento posti).

Lo stesso giorno alle ore 15, in Aula Magna è previsto l’incontro Palazzo Bentivoglio in Accademia, con lo storico dell’arte Tommaso Pasquali, curatore della mostra Felicissimo Giani, l’artista Davide Trabucco, curatore del progetto garage BENTIVOGLIO, Agostino Iacurci e Davide Fabio Colaci.

Studentesse e studenti dell’Accademia di Belle Arti di Bologna saranno inoltre coinvolti attivamente in diversi progetti di ART CITY Bologna, tra cui: il ciclo di lezioni sul gesto Atelier Morandi – Palestra Auratica e la performance Elegia Luminosa del danzatore e coreografo Virgilio Sieni, che verrà presentata dal 1 al 4 febbraio al Teatro Comunale di Bologna; il reenactment di tre storiche performance di Greta Schödl, programmate sabato 3 febbraio alle ore 12.30 in Piazza Maggiore nell’ambito nell’ambito della mostra personale Il tempo non esiste della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna; la mostra Salvati presso Palazzo Malvezzi, sede della Città Metropolitana di Bologna, organizzata dall’Istituzione Villa Smeraldi, Museo della Civiltà Contadina di Bentivoglio, in collaborazione con Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, nell’ambito del progetto DiramAzioni (dal 2 al 4 febbraio); la quarta edizione di Corneraholic, che propone uno sguardo inedito sulla Collezione di Geologia del Museo Giovanni Capellini di Bologna (dal 1 al 4 febbraio); la collettiva it rains, it snows, it paints presso Zu.Art giardino delle arti di Fondazione Zucchelli, che avrà come protagonisti tutti i giovani talenti dell’Accademia insigniti dei Premi Zucchelli 2023 (dal 1 febbraio al 25 luglio, opening 2 febbraio ore 18); la performance tra arte e moda con tableau vivant in occasione dell’opening della mostra Una camicia in-solita. Storia del brand Emmanuel Schvili presso il Complesso del Baraccano, sede del Quartiere Santo Stefano (2 febbraio ore 18); Concert for a Dress, grande opera collettiva attraverso l’utilizzo di tecniche di upcycling e riuso di The Crossing Threads Project presso Palazzo Fava Marescotti, sede del comitato provinciale della Croce Rossa (dal 29 gennaio al 4 febbraio, opening 30 gennaio, ore 18); la mostra Taking care allestita nello spazio pubblico attorno a via Marzabotto, organizzata da Attitudes_Spazio alle arti in collaborazione con il Quartiere Porto-Saragozza e con il sostegno della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna (dal 27 gennaio al 4 febbraio).

Tutte le info: www.ababo.it

«Parliamoci chiaro: le fiere funzionano se ci sono vendite ed è questo il nostro obiettivo finale». Così, Enea Righi, voluto da Menegoi nel ruolo di Managing Director di Arte Fiera: collezionista di primo piano, Righi ha saputo intercettare i bisogni di un parterre di collezionisti demotivato dal flop – anche logistico e gestionale – dello scorso anno. Le vendite ci sono state, per rispondere a Righi, e anche qualora non si siano concretizzate nell’immediato, il grado di soddisfazione si è comunque attestato su livelli molto alti, dovuti principalmente a un apparato organizzativo che ha saputo mettere nelle giuste condizioni gli espositori, valorizzandone il lavoro anche in chiave allestitiva. Le vendite ci sono state, quindi, e sono state possibili anche in virtù dell’ampliamento del pubblico dei compratori grazie all’introduzione della sezione Multipli: «Pensa all’opera di Giorgio Morandi – continua Righi – Non tutti possono comprare un suo dipinto ad olio ma si può più agevolmente scegliere di investire su una sua incisione». 

Sul piano più strettamente culturale, invece, la proposta di Pittura XXI – sezione curata, per il terzo anno, da Davide Ferri – si è concentrata, pur con aperture agli anni ’80 e ’90 (Marco Emmanuele, Nell Nicholas, Marta Spagnoli ed altri) sulla generazione anni ’60 e ’70. Artisti mid-career, che proprio nella maturità ritrovano gli esiti più felici, per «la radicata (e giusta, da molti punti di vista) convinzione – scrive Ferri – che la pittura, diversamente da altri medium, abbia, salvo poche eccezioni, dei tempi di maturazione più lunghi». Particolarmente convincenti le proposte di Monitor, che con il solo show di Andrea Respino si aggiudica il premio Lexus – Gruppo Morini, di Luca Tommasi, con l’accoppiata Valentina d’Amaro-Matteo Montani, e di Ribot Gallery, che con Lorenza Boisi vince il premio Osvaldo Licini by FainPlast. Per Fotografia e immagini in movimento, convincenti gli stand di Paola Sosio – specialmente nell’accostamento tra i lavori di Giulia Marchi e Luca Gilli – di Spot Home Gallery (Michael Ackerman, Dimitra Dede) e di Antonia Jannone, nel dialogo tra Santi Caleca ed Ettore Sottsass. Meno convincente infine, per chi scrive, la performance Rescue, messa in scena dal collettivo israeliano Public Movement: scenograficamente e l liricamente molto valida, la danza coreografata dei cinque artisti, ispirata alle tecniche di soccorso e performata tra le macerie di un disastro ideale, che «proprio per questo può rappresentarne tanti», rimane forse soffocata dal contesto. Il dramma del crollo, e la speranza del salvataggio, che vengono chiusi dai limiti imposti dall’architettura, è tristemente spento, depotenziato nella sua sacralità lirica, dalla calca dei curiosi ma soprattutto dal posizionamento, vicino quanto inopportuno, dell’angolo bar. Uno scivolone che fa sorridere, e che tuttavia, se da un lato induce a ripensare il ruolo della performance nel contesto fieristico, e i criteri di selezione delle azioni da presentare, dall’altro non pregiudica la riuscita complessiva della fiera. Un successo che fa seguito alla battuta d’arresto dell’anno scorso, null’altro che un brutto ricordo superato con l’orgoglio che serviva, con un’attenzione al dettaglio e con una cura nella programmazione che non può, e non deve, farsi fatto isolato e felice eccezione, bensì tappa d’avvio di un processo di recupero di una centralità perduta. 

Oltrepassata la prima stanza, un salotto dall’ambientazione onirica ospita ulteriori opere dell’artista: i SELF, multipli composti ciascuno da 4 telette dipinte su tutti i lati con colori materici e monocromi, in polveri d’oro, argento e rame, lavorate in bianco titanio, argento, oro e rame e, su un camino, gli Enlightening Books, libri in vetro sabbiato e colorato.
Questi ultimi rappresentano per Dynys un’interpretazione letterale di un concetto semplice e chiarificatore: Come può quindi un libro essere illuminante? Un libro che porta dentro di sé una luce.  

La definizione di un’agenda, l’approntamento di un programma, prende però il via da una constatazione amara e fortunatamente tempestiva: «ArteFiera – ha chiarito Righi – stava lentamente morendo». Per recuperare una centralità nel panorama fieristico nazionale, la necessità sta nel potenziamento dell’apparato comunicativo (raddoppiati gli sforzi finanziari) e nel saper far leva su un parterre di investitori estremamente ricco – l’Italia è il paese europeo col maggior numero di collezionisti – e altrettanto differenziato.
Tra le tante novità, dunque, come la creazione di un Centro Servizi disegnato da Mario Cucinella, l’introduzione di nuove sezioni curatoriali (Multipli, curata da Lisa Andreani e Simona Squadrito e contraddistinta da esordi illustri, come quello della Litografia Bulla di Roma) e la progettazione di un Percorso, dedicato alla ceramica e sponsorizzato da Mutina, che attraversa la Main Section, molte sono le riconferme: Pittura XXI, curata da Davide Ferri, o Fotografia e Immagini in movimento, che passa a Giangavino Pazzola, curatore di Camera a Torino. Da quest’anno, poi, la Fiera è tornata ad occupare i padiglioni storici, il 25 e il 26, più ampi e luminosi, garantendo ai visitatori e agli espositori un’esperienza di visita indubbiamente più gratificante.

Una scelta di continuità e di rispetto storico che, constatata la soddisfazione generale delle 141 gallerie coinvolte e l’affluenza visibilmente più ampia anche da parte della stampa di settore e del pubblico dei collezionisti – ingrediente principale per la riuscita di una fiera («la fiera funziona se i galleristi vendono», ha ammonito Righi) – non poteva non coinvolgere la performance, storicamente legata alla città dalle mitiche Settimane Internazionali del ’77. Quest’anno, la scelta è ricaduta su Rescue, del collettivo Public Movement, selezionato da Bruna Roccasalva, direttrice artistica di Fondazione Furla, da quest’anno nuovo partner dell’evento. Altro elemento di continuità, il sodalizio con Lorenzo Balbi, direttore del MAMbo e alla guida di ArtCity, l’art week bolognese che ha nel Main Program la mostra Atlantide 2017-2023, di Yuri Ancarani (curata dallo stesso Balbi), inoltre protagonista di un video proiettato su un maxischermo all’ingresso del Quartiere Fieristico.
Sia in un’ottica eminentemente culturale, sia da un’angolazione più pratica, che mancava, ArteFiera sta studiando una rimonta a medio termine, un progetto di tre anni in cui la sfida, più che ad Artissima e a Torino, è a Milano e a Miart. 

Per rispondere a una logica sempre più waste-less e orientata al riuso, lo studio MCA ha proposto ad Arte Fiera il riutilizzo di parte di un precedente progetto. Un riadattamento, sia funzionale che materico, dell’installazione Design with Nature, realizzata nel 2022 per la 60a edizione del Salone del Mobile di Milano. L’opera si declinava in due grandi tavoli, progettati con l’utilizzo di materiale riciclato, dall’aspetto sinuoso e organico, in grado di generare spazi diversi e multifunzionali e favorire l’interazione tra i visitatori.
La logica dell’intervento sottolinea l’approccio non solo sostenibile, ma anche orientato alla versatilità funzionale che Mario Cucinella, Founder di MCA – Mario Cucinella Architects e SOS – School of Sustainability, descrive così: «arte e design convivono da sempre in un dialogo e in una contaminazione continui. Ne nascono forme e spazi, plasmati ulteriormente dal contesto storico e dalla società. È proprio questo principio di commistione continua a tradursi nelle forme caratteristiche dell’isola multifunzionale che sarà inserita nel Centro Servizi di BolognaFiere: un oggetto inanimato che, grazie alla sua forma accogliente e sinuosa, favorisce incontri, relazioni e dialoghi, trasformando una superficie orizzontale in un luogo culturale di scambio e confronto». Il tavolo – che si configura come elemento sinuoso posizionato all’interno di un’area di 1225 mq – nella sua nuova veste accoglierà una libreria, il VIP desk e un’area adibita a presentazioni e incontri.

Una logica sostenibile e versatile che guarda al futuro: una volta terminata l’edizione 2023 della manifestazione, l’installazione continuerà a vivere con diverse forme e funzioni per altri eventi che si avvicenderanno durante l’anno all’interno dello spazio della Fiera.

Focus si concentra sull’arte moderna e del dopoguerra storicizzato ed è curata dallo storico dell’arte curatore e critico Marco Meneguzzo che ha scelto come tema di questa sezione l’arte esatta che comprende arte cinetica e programmata tra fine degli anni Cinquanta e gli anni settanta con particolare attenzione ad artisti italiani.

La sezione Pittura XXI ovvero della pittura del nuovo millennio è a cura del critico e curatore indipendente Davide Ferri e spazia tra autori italiani e internazionali, artisti emergenti e mid-career.

Fotografia e immagini in movimento si dedica invece alla fotografia e il video ed è curato dalla piattaforma Fandom rappresentata da Selva Farni, Benedetta Pomini, Ilaria Speri,Massimo Torrigiani e Francesco Zanot.

A partire dal 2019, l’inizio del mandato di Simone Menegoi, il direttore artistico, la fiera commissiona un’opera ad un artista italiano affermato, che si inserisce all’interno del Public Program della fiera.
Quest’anno, dopo Flavio Favelli, Eva Marisaldi e Stefano Arienti, è stata scelta Liliana Moro.
Quest’ultima, artista attiva dagli anni Ottanta che risponde alla richiesta di Artefiera con l’uso di un materiale a lei consueto: il suono.

Concentrandosi su tre lunghi corridoi dotati di tapis roulant, del genere che si trova comunemente in aeroporti e metropolitane, Moro ha concepito una traccia sonora che viene diffusa da decine di piccoli altoparlanti, e di cui gli spettatori fanno esperienza nel loro transito verso, e da, i padiglioni.

L’opera segue di pochi mesi la pubblicazione di un volume che si concentra esclusivamente sul lavoro dell’artista con il suono Ascolto, a cura di Cecilia Casorati e No Man’s Land, Di Paolo Edizioni, Roma 2021 che sarà presentato in fiera domenica 15 maggio alle 14.

Una componente molto significativa infatti del public program è la sezione Talk, che nel 2022 si ribattezza Book Talk e si concentra esclusivamente sulle presentazioni di libri di recente pubblicazione.
Dai saggi teorici ai libri d’artista passando per cataloghi e monografie, alcuni fra i titoli recenti più interessanti saranno i protagonisti di un fitto programma di presentazioni che vedrà coinvolti critici, studiosi, artisti.

Giunge alla terza edizione anche il progetto Oplà. Performing Activities, a cura di Silvia Fanti (Xing), riconosciuta a livello internazionale per il suo sguardo interdisciplinare sulle culture contemporanee, con particolare attenzione alle live arts, un ambito espressivo che caratterizza la scena artistica di Bologna fin dagli anni Settanta.

Quattro gli interventi in programma, di artisti italiani per nascita o adozione:
Jacopo Benassi (1970), fotografo, artista e perfomer noto per la crudezza del suo linguaggio, propone Unisex, un intervento in uno spazio inatteso: le toilette dell’area Infopoint della fiera.

Invernomuto (Simone Bertuzzi, 1983 e Simone Trabucchi, 1982), presenta Vernascacadabra, una performance immateriale e radiofonica che si appoggia al sistema di amplificazione dei padiglioni della fiera, da cui Invernomuto trasmetterà una serie di composizioni per ocarina, annunciate e diffuse quotidianamente.

Muna Mussie (1978), artista eritrea di base a Bologna, mette in scena Persona, un incontro tra l’artista e chi lo vorrà mediato dalla pratica del cucito, in cui la lingua è spazio politico-affettivo: Mussie sfida il visit- atore della fiera a farsi ricamare su uno dei capi che indossa il proprio peggior difetto.

Luca Trevisani (1979) presenta Ai piedi del pane, intervento inedito al crocevia tra l’attività performa- tiva e la scultura metamorfica e biologica: opere da indossare, scarpe con suole di pane innestate su tomaie preesistenti, bassorilievi da portare a spasso per gli spazi di Arte Fiera. Un gesto di archeologia cul- turale che sfida con ironia le nostre gerarchie di valori materiali.

Sempre all’interno del public program nasce Note di Sguardi, un progetto di fotografia che vede coinvolti tre quartieri di altrettante città europee: il Quartiere Centro di Cervia, Santo Stefano a Bologna, Pankow a Berlino. A trentasei artisti internazionali attivi nelle tre città o zone limitrofe è stato chiesto di scegliere un’immagine proveniente dal loro archivio da stampare in forma di poster.

Ogni mese tre poster realizzati da tre diversi artisti vengono affissi a Cervia, a Berlino e a Bologna. Immagini autonome che in realtà, anche solo per la loro appartenenza a un tempo condiviso, testimoniano di una sorta di junghiano ”inconscio collettivo”.

Anche quest’anno la fiera è fiera di presentarsi come manifestazione di riferimento per le gallerie italiane e per l’arte italliana del XX e XXI secolo. Come nel 2020, la fiera avrà luogo nei padiglioni 15 e 18, dedicati rispettivamente al contemporaneo e all’arte del XX secolo, ma con un nuovo percorso di accesso che permetterà di scegliere liberamente quale padi- glione visitare per primo.
Nuovo anche l’allestimento degli stand, più elegante e curato, che delinea la scelta di BolognaFiere di in- vestire nella manifestazione per accrescerne la qualità, senza far ricadere il costo sulle gallerie.

Inoltre dal 7 al 15 maggio 2022 si tiene la decima edizione di ART CITY Bologna: il programma istituzionale di mostre, eventi e iniziative speciali promosso dal Comune di Bologna in collaborazione con BolognaFiere torna ad animare, in anticipo e in parallelo ad Arte Fiera, il periodo più vivace per l’arte contemporanea in città. Coordinato dall’Area Arte Moderna e Contemporanea dell’Istituzione Bologna Musei sotto la direzione artistica di Lorenzo Balbi, il programma conferma il format già sperimentato nelle ultime tre edizioni, con un main program articolato in uno special project e in una serie di progetti curatoriali che presentano le più diverse pratiche artistiche contemporanee. Il calendario spazia inoltre tra le proposte di musei, fondazioni, spazi istituzionali, Associazione Gallerie Bologna (Confcommercio Ascom Bologna), spazi espositivi e gallerie indipendenti della città.

Info: https://www.artefiera.it/home/776.html

“Dopo aver gestito in modo responsabile e trasparente gli effetti della crisi pandemica» dichiara Simone Menegoi «Arte Fiera si ripresenta a testa alta; con una selezione di gallerie senza cedimenti qualitativi, e che si arricchisce anzi di alcune interessanti new entries; con allestimenti rinnovati; con un percorso di visita più razionale ed efficiente”.

Un’ossatura tradizionale

La Main Section spazia dal Moderno e dall’arte postbellica, storici punti di forza della manifestazione, fino al contemporaneo di ricerca, con un forte accento sull’arte italiana. Incoraggia gli stand monografici e le proposte curatoriali concentrate su un movimento, una tendenza, un periodo dell’arte del XX secolo.

Avendo scelto di non realizzare l’edizione 2021, la fiera bolognese cerca un nuovo trampolino di lancio che riesca a rimarcare l’identità di uno degli eventi più importanti nel settore delle arti. La caratura di Arte Fiera è anche sostenuta dalla sua longevità, viene fondata nel 1974, e anche in questo nuovo anno rimane fedele alla propria vocazione: essere la manifestazione di riferimento per le gallerie italiane e per l’arte italiana del XX e XXI secolo.

La nuova edizione della fiera eredita la tradizionale organizzazione delle principali aree espositive che vengono divise in tre macro sezioni: l’arte moderna e del dopoguerra storicizzato (Focus), curata dal critico Marco Meneguzzo, si concentra in questo nuovo appuntamento sull’arte cinetica e l’arte programmata degli anni ’50 e ’60 del XX secolo. Davide Ferri è alla guida della sezione dedicata alla pittura del nuovo millennio (Pittura XXI).  Per la prima volta una fiera dedica una sezione specializzata al medium artistico più tradizionale, tornato negli ultimi anni al centro dell’attenzione della critica, delle istituzioni e del mercato. Infine troveremo la fotografia e il video (Fotografia e immagini in movimento) che seguono gli input dati dalla piattaforma Fantom che cura questa sezione della fiera

Come differenziarsi

Nell’ottica di rinnovamento che necessariamente la fiera ha bisogno di tenere come linea guida per una buona riuscita dell’edizione del 2022 c’è la definizione di alcune novità sufficienti a rendere l’iniziativa bolognese in gradi di distaccarsi dall’attuale panorama fieristico italiano. 

Non è solo concentrandosi sul medium pittorico e dare a questo particolare visibilità che la fiera vuole decifrare un linguaggio inedito. Il prossimo anno sarà possibile osservare gli stand di 145 gallerie su cui l’organizzazione scommette non solo dal punto di vista qualitativo ma anzi cerca di alzare l’asticella dedicando particolare attenzione all’aspetto allestitivo. Tale scelta vira strategicamente verso un salto qualitativo in positivo che Artefiera programma di fare senza però imporre alle gallerie un costo maggiorato sulle già ingenti spese che gli ultimi periodi hanno costretto ad affrontare.

«Nel 2021, con grande responsabilità nei confronti delle Gallerie e del nostro pubblico» dichiara Gianpiero Calzolari, Presidente BolognaFiere «abbiamo deciso di cancellare la Fiera, senza andare a cercare date alternative, che avrebbero potuto non concretizzarsi. Lo abbiamo fatto anche per non mettere in discussione il tradizionale appuntamento di fine gennaio, rimborsando completamente gli espositori delle quote versate. Con altrettanta responsabilità la Società ha deciso, in un momento come quello attuale, di dare ad Arte Fiera, con un importante investimento, nuovi allestimenti che valorizzeranno ulteriormente l’immagine della manifestazione e le proposte delle Gallerie»

Info: https://www.artefiera.it/home/776.html

20-23 gennaio 2022, Bologna