In Cellotex Rivoli, 14 il materiale usato è appunto il cellotex, ovvero il truciolato di legno per la produzione industriale, dalla superficie liscia di colore chiaro. La corporeità essenziale della tela viene scarnificata dall’artista e raggiunge così la sua forma primaria. Tra ferite e scorticature, si cela un oscuro pulsare, che, come sempre, rivela l’inesauribile energia materica racchiusa nella sua arte.

Laddove inizia l’atto creativo di Alberto Burri, termina la concezione di arte come mimesis. La vita imita l’arte, l’arte imita la vita, in una concreta illustrazione di ciò che l’esistenza significa, attraverso segni tangibili lasciati sulla materia così come nell’essere umano. Nella sua poetica è sempre fortemente presente il concetto di consunzione, del logoramento, dell’usura, di un’arte sofferta e lacerata, eppure, viva.

info: Farnesina

Un confronto che non diviene mai contrasto, anzi un’arricchimento che pone lo spettatore di fronte a una prospettiva mai raccontata del rapporto tra i due artisti. Grazie al reperimento di materiali d’archivio è stato possibile ricostruire le radici della loro relazione. Il corpo di lavori presenti in esposizione vede il suo primo nucleo in un gruppo di fotografie di paesaggio realizzate da Mario Giacomelli, ereditate da uno dei curatori della mostra, Alessandro Sarteanesi, dedicate dall’autore a Nemo Sarteanesi. Prende piede da qui l’indagine sui materiali d’archivio della Fondazioni Burri dove vengono rintracciate altre fotografie che Giacomelli stesso dedica all’artista originario di Città di Castello. 

Un’amicizia forte che mette in luce non solo le similitudini umane di Burri e Giacomelli ma che fa da filo conduttore nell’osservazione di due ricerche parallele, che mostrano anche un’affine sensibilità del loro sguardo sul mondo. Sulla base di un comune sentire e di vedere la natura, Giacomelli e Burri rielaborano il paesaggio fino a creare composizioni che appaiono quasi totalmente astratte. 

La contemporaneità dell’esposizione si coglie proprio nell’omogeneità di due indagini che sembrano collimare perfettamente, compensando le lacune l’una dell’altra. Il rapporto tra arte moderna e fotografia rimane ancora oggi uno dei terreni più analizzati dagli artisti di oggi e con la mostra Fotografia e immaginario materico, aperta al pubblico fino al 6 febbraio 2022, il MAXXI contribuisce a fornire nuovi spunti e interrogativi al contemporaneo. 

Nelle fotografie di Mario Giacomelli delle serie Metamorfosi della Terra, Presa di coscienza sulla natura, Storie di Terra, realizzate tra la fine degli anni ’50 e gli anni ’80, i campi arati, la morfologia del territorio marchigiano, il contrasto tra terra e cielo, si trasformano in un linguaggio di geometrie astratte, che parla del lavoro dell’uomo e del suo rapporto con la natura, dell’effetto dell’inesorabile trascorrere del tempo sulle cose, e della fotografia come strumento di ricerca per dare un senso ed una forma alla complessità del reale.

Nelle grafiche e nelle opere multi materiche di Burri che nel percorso espositivo incontrano le fotografie di Giacomelli, la forza della composizione organizza l’energia della materia. Le possibilità offerte dalla sperimentazione grafica, seppur esplorate con modalità diverse sul piano tecnico e concettuale, portano i due autori a proporre un’idea di paesaggio dove realtà esteriore ed interiore sono profondamente intrecciate.

La conversazione tra i protagonisti dell’esposizione acquisisce ancora più potenza emotiva grazie alle dediche che si possono osservare nel retro delle fotografie di Giacomelli. È una trama quelle che tessono i curatori della mostra Marco Pierini e Alessandro Sarteanesi, dentro la quale non solo vive una riflessione sull’arte ma anche sull’esistenza umana che pur nella divergenza dei medium, vive nei punti di tangenza delle sensibilità dei due grandi maestri che vengono raccontati al MAXXI.

Info: https://www.maxxi.art

Mario Giacomelli e Alberto Burri,Fotografia e Immaginario Materico,

a cura di Marco Pierini e Alessandro Sarteanesi

3 dicembre 2021 – 6 febbraio 2022

MAXXI, Via Guido Reni, 4a, Roma

Pietro Raspi e l’informale in Italia 

Nella cultura artistica italiana del secondo dopoguerra, le poetiche del segno, del gesto e della materia rappresentano per molti un’alternativa all’ingombrante questione che vedeva scontrarsi, intorno alla fine degli anni 40, i sostenitori del realismo contro coloro che riconoscevano come unica via verso il futuro l’arte astratta.

L’arte informale quindi viene individuata come la terza via nella quale riuscire ad avere una maggiore libertà espressiva. Il primo a decifrare quali siano le potenzialità di questa nuova tendenza, capace di far affacciare l’ambiente artistico italiano su un piano europeo e internazionale, è Giuseppe Capogrossi. Questo abbandona il figurativismo per intraprendere una ricerca basata sulla ripetizione di elementari segni bidimensionali a forma di tridenti, ripetuti all’infinito in diverse varianti morfologiche. 

Pietro Raspi si inserisce nella cerchia di pittori informali italiani dalla metà degli anni ’50: l’esposizione al casino dei Principi di Villa Torlonia dedica a questa fase della carriera dell’artista la prima parte del percorso espositivo. La figura di riferimento per Raspi durante la sua conversione verso la poetica informale è tra tutti Alberto Burri, con il quale l’artista condivide le origini umbre. L’evolversi dello stile di Piero Raspi lo conduce fino alla sperimentazione con la polvere di zinco impastata con olio di lino e altri elementi esterni con cui produce le sue opere su tela, spesso segnate da bruciature.

Maurizio Calvesi è tra i più importanti critici che ne analizzano l’indagine creativa e si riferisce a lui mettendo in evidenza le sue differenze con Alberto Burri: «Raspi è umbro, come Burri, e come lui ha un forte sentimento materico. Ma, mentre Burri è un mistico della materia, Raspi è fortemente terragno. Non è un medico come Burri, che scopre la pittura quasi occasionalmente, riversandovi poi le proprie suggestioni mediche e religiose. Raspi proviene da studi di architettura e sceglie subito di far pittura come si fanno gli intonaci nella loro fase elaborativa»

Gli Stati Uniti e la maturità artistica 

Durante gli anni ’60 la carriera di Piero Raspi gode di particolare vivacità che lo porta anche ad abbandonare l’Italia e trasferirsi negli Stati Uniti, sperimentando nuove tecniche e venendo a contatto con la nuova corrente della Pop art. Questa fase si concluderà solo alla fine degli anni ’70, durante i quali l’artista torna sull’astrazione pittorica, precedentemente abbandonata. La  nuova serie di lavori risalenti a questo periodo si distanziano dalla potenza materica dei decenni precedenti, si presentano con un carattere delicato, contraddistinti da un’astrazione lirica sottilissima.

Alla fase più recente della biografia dell’artista appartiene il suo intervento spoletino nell’Albornoz Palace Hotel, risalente al 2001. Nell’esposizione romana il percorso espositivo si esaurisce proprio con la presentazione di cinque opere di piccolo formato firmate dall’artista che documentano con bozzetti e progetti, la grande scultura parietale in acciaio allestita in maniera permanente nell’hotel umbro. 

Info: http://www.museivillatorlonia.it/it/mostra-evento/piero-raspi-dalla-luce-al-colore-dipinti-1955-2005-0

Piero Raspi dalla luce al colore. Dipinti 1955-2005

Musei di Villa Torlonia, Casino dei Principi

29/10/2021 – 06/02/2022

In occasione della mostra Obiettivi su Burri, che annovera l’opera di 36 fotografi che dal 1954 sino al 1993 hanno ritratto l’artista tifernate in numerose e differenti circostanze durante la sua intensa vita, è indetta una giornata di studi a cura di Bruno Corà sul tema ”Fotografia: opera e/o documento?” negli ambienti degli Ex Seccatoi del Tabacco – oggi Museo Burri – a Città di Castello, venerdì 27 settembre 2019 dalle 10 del mattino.

L’appuntamento, che vedrà l’intervento di fotografi, critici, studiosi di fotografia e testimoni di momenti rilevanti della vita di Burri, si pone l’obiettivo di analizzare una specifica qualità della fotografia professionale rivolta a documentare l’azione dell’artista di Città di Castello e – come lui – di altri artisti attraverso i quali la fotografia è giunta ad avere un grado espressivo e di definizione certamente artistico. Accanto ai contributi critici di Walter Guadagnini, Aldo Iori, Barbara Drudi, Rita Olivieri, Manuela De Leonardis, Chiara Sarteanesi e dello stesso Bruno Corà, è prevista la testimonianza diretta dei fotografi Aurelio Amendola, Giorgio Colombo, Tony Vaccaro, Sandro Visca, Agostino Osio ed altre significative presenze (Rosetta Loy, Mario Carbone, etc…).

La mostra “Obiettivi su BURRI” ha avuto il pregio di fare, per la prima volta, il punto su importanti sguardi di fotografi riferiti alla figura di un grande protagonista dell’arte del XX secolo, il cui influsso continua a produrre effetti dalle generazioni artistiche successive alla sua ad oggi. La fotografia avente per soggetto gli artisti contemporanei e le loro opere, sin dalla seconda metà dell’Ottocento con fotografi come Nadar e in seguito nella prima metà del Novecento con Man Ray, ha dato un grande impulso alla conoscenza dell’attività degli artisti visivi, talvolta costituendo documento insostituibile e prezioso di azioni e comportamenti altrimenti destinati a cadere nell’oblìo. Gli artisti stessi hanno attribuito al lavoro dei fotografi un grande valore.

Alla giornata di studi si potrà partecipare liberamente mentre la mostra Obiettivi su Burri è prorogata fino al 6 gennaio 2020.

Per info:

Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri
Via Albizzini 1 06012 Città di Castello. 075.8554649
museo@fondazioneburri.org – info@fondazioneburri.org

Il Grande Cretto di Burri a Gibellina riproposto attraverso un meticoloso e approfondito racconto fotografico. Il museo Bilotti di Roma fino al 9 giugno presenta la mostra dedicata a questa grande opera di Land art, la più grande al mondo, realizzata da Alberto Burri tra il 1984 e il 1989 dopo il terremoto della Valle del Belice che nel 1968 aveva distrutto intere comunità e raso al suolo il borgo di Gibellina. Burri ricoprì l’area con un grande sudario bianco, un’enorme gettata di cemento che ingloba i resti e riveste, in parte ricalcandola, la planimetria della vecchia Gibellina. Al museo Bilotti viene riproposta questa esperienza attraverso una folta documentazione fotografica. Culmine del percorso interpretativo sono le fotografie in bianco e nero di Aurelio Amendola sul Grande Cretto. Fotografo che per eccellenza ha raccolto le immagini di Burri, dei suoi lavori e dei processi creativi, Amendola ha realizzato gli scatti in due riprese, nel 2011 e nel 2018, a completamento avvenuto dell’opera (2015). Nel percorso inoltre, il video di Petra Noordkamp – prodotto e presentato nel 2015 dal Guggenheim Museum di New York, in occasione della grande retrospettiva The Trauma of Painting – filma in un racconto poetico e di grande sapienza tecnica l’opera di Burri e il paesaggio circostante. 

Alcune opere uniche dell’artista, veri e propri capolavori, inoltre, estendono non solo ai Cretti ma anche ai Sacchi, ai Legni, ai Catrami, alle Plastiche e a una selezione di opere grafiche la lettura proposta dal celebre psicanalista. È una ferita che è dappertutto, che trema ovunque. Una scossa, un tormento, un precipitare di fessurazioni infinite ed ingovernabili. Come scrive Recalcati in Alberto Burri e il Grande Cretto di Gibellina, nei Legni la ferita è generata dal fuoco e dalla carbonizzazione del materiale ma, soprattutto, dal resto che sopravvive alla bruciatura. Nelle Combustioni, lo sgretolamento della materia, la manifestazione della sua umanissima friabilità, della sua più radicale vulnerabilità, viene restituita con grande equilibrio poetico e formale. È ciò che avviene anche con le Plastiche dove, ancora una volta, è sempre l’uso del fuoco a infliggere su di una materia debole ed inconsistente come la plastica, l’ustione della vita e della morte.

Fino al 9 giugno al Museo Bilotti
Viale Fiorello La Guardia 6, Roma
Info: www.museocarlobilotti.it

]]> https://insideart.eu/2017/01/09/su-sky-arte-lo-chef-marchesi-interpreta-cinque-artisti-del-novecento/ Mon, 09 Jan 2017 08:20:04 +0000 https://insideart.eu/?p=151879 La cucina che incontra l’arte. Non di certo per la prima volta, ma quando a cimentarsi sono grandi nomi del mondo culinario e artistico non si può restare indifferenti. È il caso del nuovo programma dal 19 gennaio in onda su Sky Arte, nel quale il grande chef Gualtiero Marchesi interpreta cinque artisti del Novecento in collaborazione con il bartender Dario Comini e il critico d’arte Francesco Bonami. Gli artisti in questione, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Alberto Burri, Jackson Pollock e Kazimir Malevich, che serviranno a far emergere le relazioni tra due discipline per alcuni parenti per altri completamente dissociate tra loro. Alla base di entrambe, però, nessuno lo può negare, c’è la creatività che, anche in questo caso, rende possibile l’elaborazione di connubi inediti e interessanti. Piatti e cocktail d’arte, Sky Arte HD, dal 19 gennaio alle 20:15. Info: www.gamberorosso.it